Nuestro protagonista, “Bobby” Beausoleil, nacía en Santa Barbara en 1947 en el seno de la típica familia de clase media que luchaba duro por alcanzar el sueño americano. Atraído por la música desde bien jovencito, Bobby decide abandonar el hogar familiar y escapar con su mochila en busca de sus propios sueños, alejados del camino conservador que sus padres tenían preparado para él. Con 16 años se planta en L.A. con su guitarra, su pelo largo y sus ansias por descubrir una nueva manera de vivir.

Allí conocerá a gente como Frank Zappa que estaba a punto de publicar su primer trabajo y a un joven Artur Lee, con quien acabará colaborando junto a la banda que éste lideraba por aquel entonces, The Grass Roots, poco antes de mutar en Love y convertirse en leyenda.

El tipo de música que en aquel tiempo practicaban los acólitos de Lee y el rumbo que toma el movimiento hippie por aquel entonces no satisface a Bobby que se marcha a San Francisco y decide crear su propia banda The Orkustra, un combo que experimentaba sin límites y que el mismo imagina como una “orquesta sinfónica electrificada”, una idea completamente avanzada en una época donde las bandas se centraban mayoritariamente en el rock y el blues. En The Orkustra tenían su espacio desde el bajo a la batería pasando por oboe, el sitar o el bouzouki.

The Orkustra viven su pequeño momento de gloria compartiendo cartel con bandas del calibre de Jefferson Airplane y Buffalo Springfield, hasta que se ven forzados a separarse después de que parte de la banda se vea en la cárcel por tráfico de marihuana.

Durante esa época es cuando se produce el encuentro entre Bobby y Kenneth Anger, un frikazo de cuidado, cineasta y escritor que se había ganado una sólida reputación de polémico y excéntrico director gracias a sus extrañas películas cargadas de temas completamente tabús en la sociedad biempensante americana (y que tendría influencia posterior en el trabajo de gente como Waters o Scorsese, devotos del extraño director). Nuestro amigo cargaba sus películas con mucho sexo depravado, violencia, sadomasoquismo, fetichismo y homosexualidad, por citar algunos de su temas fetiches.

Kenneth Anger tenía en mente un film ocultista llamado “Lucifer Rising” donde se mezclaban elementos del antiguo Egipto y la filosofía demoníaca de Aleister Crowley, encargando el trabajo musical de crear la banda sonora, a un por aquel entonces joven y semi desconocido Jimmy Page. Pero tras más de tres años el resultado final de Page no convence a Kenneth Anger y decide pasarle el testigo a Bobby Bausoleil tras asistir a uno de sus conciertos, a quien visualiza como el hombre perfecto para aquel complejo trabajo.

Estamos en 1966, cuando Kennet Anger y Bobby comienzan una bizarra relación artístico-pasional bañada en LSD que acabará como el rosario de la aurora tras el fracaso a la hora de conseguir fondos para la producción de “Lucifer Rising”. Es la hora de los reproches mutuos y Bobby decide abandonar a Kenneth Anger y mudarse de nuevo a LA. Kennet Anger decide también dar carpetazo al proyecto acusando entonces a Bobby de haberle robado parte del metraje grabado hasta entonces.

Ya en L.A. la vida de nuestro músico cambiará para siempre. Comienza a frecuentar Topagna Canyon, donde conoce a otro músico con quien comparte su disgusto por la sociedad en general y por la industria musical y la escena en particular. El tipo en cuestión acabada de salir de la cárcel, y se hacía llamar Charles Manson, con quien forma un grupo, “Milky Way”. A partir de aquí los acontecimientos se precipitan y nuestro hombre acaba con sus huesos en la prisión federal, tras el nefasto episodio nunca realmente aclarado en el que Bobby mató a un profesor de música, Gary Himman, que también frecuentaba el círculo más próximo de la familia Manson suministrando todo tipo drogas a los devotos miembros de la familia. Todo apunta a que Gary Himman le debía dinero a Manson y éste mando a Bobby a intimidar al profesor. Los detalles escabrosos de la historia los pasaremos por alto. Bobby se libra de una primera sentencia a muerte revocada en última instancia por el estado de California, sentencia que queda conmutada a cadena perpetúa.

En este punto es cuando retornamos a “Lucifer Rising”, la banda sonora inacabada que Bobby decide finalizar en prisión por su cuenta en 1980 con la ayuda de una banda que forma con otros peligrosos reclusos, “The Freedom Orchesta”. Contento con el resultado y en un encomiable gesto, decide hacer las paces con Kenneth Anger y le envía la maqueta que ha ideado finalmente para su película.

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La banda sonora se publica finalmente ese mismo 1980 y consta de dos sesiones de grabación, una primera que data de 1967 a cargo de The Magick Powerhouse of House formada principalmente por Bobby y parte de su The Orkustra, junto algunos músicos de sesión especializados en el jazz más arriesgado, donde tocan lo que en aquel momento solo ideas primigenias para la banda sonora, y un segundo corte que corresponde a las tomas que grabó entre 1977 y 1978 ya en la cárcel con The Freedom Orchesta.

El resultado final de “Lucifer Rising” es más que sorprendente, construyendo dos largas piezas instrumentales, muy en la onda de unos primerizos Pink Floyd, pero con muchos elementos psicodelicos y espaciales conseguidos a base de teclados y demás maquinaria experimental. La figura de Bobby Beausoleil y su controvertido pasado siempre ha restado protagonismo a una música que se codea con gente como Ash Ra Temple, Sun Ra o Manuel Göttsching y que idea pasajes completamente ambientales que hubieran maravillado al propio Eno. Una música compleja pero que no se pierde en excentricidades ni en las típicas orgias de improvisación tan recurridas de los grupos de aquella época, equilibrando perfectamente los contenidos con esa sensación de viaje místico y sensorial, de calma y elevación espiritual.

A esta primera edición se le han ido añadiendo más cortes y tomas alternativas que completan un trabajo desconocido para muchos que no obstante ya fue incluido por Tony Marcus de Fact en su listado imprescindible de los 20 trabajos esenciales del ambient.

Booby Beausoleil continua a día de hoy cumpliendo su cadena perpetua en la cárcel, estuvo a punto de morir a causa de una puñalada en 1982 y lucha por conseguir un día su deseado perdón. Pero por encima de todo siempre nos quedará “Lucifer Rising” y su música que suena libre.

Bobby Beausoleil – Lucifer Rising

Lucifer Rising Sessions

The Magick Powerhouse Of Oz – Lucifer Rising Recording Session

The Freedom Orchestra – Lucifer Rising Sessions

The Orkustra – Punjab’s Barber (Excerpt)

The Orkustra – Flash Gordon (Excerpt)

Lucifer Rising

The Freedom Orchestra – Part I

The Freedom Orchestra – Part II

The Freedom Orchestra – Part III

The Freedom Orchestra – Part IV

The Freedom Orchestra– Part V

The Freedom Orchestra – Part VI

** + info:

http://www.factmag.com/2011/07/19/20-best-ambient/

http://alsolikelife.com/shooting/2009/02/956-98-lucifer-rising-1972-kenneth-anger

http://www.beausoleil.net/wizard/Seconds%20Interview.htm

J. R. Moore es el hombre oculto tras el proyecto Black Mountain Transmitter. Un irlandés que lleva desde 2008 atormentando al mundo con sus inquietantes y amenazantes obras. El campo de acción de nuestro protagonista era reducido hasta hace bien poco, auto publicando sus obras desde su propia plataforma, Lysergic Earwax, ante la falta de propuestas más interesantes de difusión. Con la ayuda de algunos casetes y varios trabajos en CDr se ha ido ganando una pequeña y fiel legión de fans, que devoran las escasas copias que Moore publica, tiradas que en muchos casos ni si quiera llegan al centenar de copias, y que literalmente, desaparecen de la faz de la tierra, ya que ni si quiera existe la típica y malsana especulación con su obra; nadie quiere desprenderse de esos preciados trabajos.

En estos tiempos de masificación y de sobre publicación de producciones en todo tipo de género, pero sobre todo en el dark ambient y en el drone, se hace difícil encontrar trabajos tan consistentes, metódicos y originales como el de Black Mountain Transmitter, una verdadera rara avis en peligro de extinción.

Una de sus más aclamados trabajos es “Black Goat Of The Woods” publicado en 2009 en una primera tirada de 75 copias numeradas y un pequeño libreto de 12 páginas con fotografías de Alexander Binder; y más tarde en casete, con una tirada de 90 copias, que el mismo enviaba por correo a unos precios realmente irrisorios y testimoniales, en un verdadero ejemplo de honestidad y amor por la electrónica.

Por fortuna para muchos, la gente de Aurora Borealis andaba con el radar puesto y no dejaron escapar la oportunidad de recuperar este trabajo, publicándolo en Cd en 2010 con una portada diferente.

“Black Goat Of The Woods” transcurre en una única pista de 40 minutos de duración, de una intensidad sobre natural. Drones utilizados con profusión y maldad, acordes lúgubres y oscuridad enfermiza. Un auténtico viaje hacia el horror y la perversión, una banda sonora de terror que recorre el lado oscuro de la mente, que navega a la deriva, rodeada de fantasmales sonidos, de bacanales horrendos, de dark ambient aplicado como arma asesina de sentimientos, anestesia mortal para los endebles cuerpos que yacen ahogados en sus penas, ritos satánicos, atmósferas macabras, tambores de muerte y trompetas que claman a las fuerzas del mal. Un mundo sin emociones ni mañana, corrompido y enfermo.

El propio Moore nos da algunas pistas sobre su obra:

“Mi música está ciertamente muy influenciada por diferentes films de horror de los 70´s. Cosas como la banda sonora original de “Texas Chainsaw Massacre” de Giulano Sorgini, las atmósferas de “Living At The Manchester Morgue”, los pasajes sonoros de Carl Zittrer en “Deranged”, también por supuesto “Children Shouldn´t Play With Dead Things” y “Dead Of Night”, sin olvidar a gente del horror italiano como Fabio Frizzi o los sonidos electrónicos de la BBC Radiophonic Workshop en algo como “The Stone Tape” y como no, innumerables y espeluznantes viejas producciones de TV …”

Black Mountain Transmitter – Black Goat Of The Woods (Lysergic Earwax-2009)

1. Black Goat Of The Woods (39:49)

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Hubo un tiempo en que el techno tenía alma. Tras largos años, quizá una década, durante los cuales su configuración todavía se mantenía amorfa y su estructura aún tomaba elementos de distintas fuentes, en los primeros noventa no cabe ya dudar de su definición ni entidad como género. A una estructura y sonoridad bien precisas se aunaba una sensibilidad propia, tan escapista como profunda y distópica. El techno compartía con Luigi Russollo, Sun Ra o Kraftwerk la voluntad de dotar de sonido a los cuerpos celestes, la rebeldía de los primeros soñadores que creyeron posible adentrarse en el Espacio. Quien escuchaba esta música en los albores de la última década del siglo XX, ya fuera recorriendo infinitas autopistas vacías, ya con la conciencia alterada en alguna destartalada nave industrial de la periferia, ya sintiendo el primer contacto del vinilo recién comprado, no podía dejar de conmoverse al tiempo que era catapultado hacia las estrellas.

Fruto de ese interés por un sonido cósmico, capaz de transportar la mente a lejanas regiones del Universo, surge la necesidad de toda una miríada de productores por añadir a sus discos de canciones sin ritmo. Estas composiciones, en las que la caja de ritmos sonaba solo amortiguada, o incluso desaparecía por completo, y que se basaban en el uso intensivo del sonido del sintetizador analógico, recuerdan invariablemente a la kosmische musik berlinesa de Klaus Schulze o Tangerine Dream, a los paisajes sonoros de Eno, incluso a la delicadeza contemplativa de Debussy o Erik Satie. Son temas donde los autores buscan el contacto epidérmico instantáneo para erizar el vello, con altas dosis de efectismo no pocas veces. Alrededor de intensas descargas de techno basado en bombos gruesos y duras secuencias de hi hat, descubrimos la melodía que había recorrido el disco desnuda, sin que el patrón rítmico la cubra. Desaparecido el resorte que llevaba al baile catártico, el cuerpo queda suspendido en el aire, preso de la contemplación, extasiado. ¡Quién no ha conocido esa sensación, al despuntar el alba, después de una traca de ritmo sensacional!

Al pensar en este tipo de producciones y discos, la memoria siempre repite nombres. En sellos como Buzz, R&S, General Production Recordings o Rising High encontramos catálogos poblados por discos donde un día el techno compartió espacio con el ambient, y productores como Pete Namlook y Ed Handley o DJs como Mixmaster Morris eran capaces de poner juntas piezas de techno inteligente con pasajes llenos de sintetizador hondo y conmovedor. El sonido desbordó el corsé del techno y ocupó un espacio amplio en el ambient de la época, coqueteando con el trance y la new age. Surgieron subsellos dedicados a formatos experimentales, como Apollo, que atesoró para la posteridad las fantasías galácticas de músicos de leyenda como Aphex Twin, Juan Atkins y Biosphere. O enigmáticos prefijos que recogían casi exclusivamente ese sonido etéreo y nebuloso, lleno de ecos atávicos y espectrales, como el formidable FAX + 49-69/450464.

¿Que queda de aquella sensibilidad? ¿Qué queda de aquel sonido? Sin duda quedan los discos de entonces, y es una respuesta que no por evidente deja de reconfortar. Pero la agitación de aquel tiempo, cuando la sensación de descubrimiento y aventura, de invocación y viaje, eran consustanciales al techno y, por extensión, a la música electrónica de baile, se ha diluido en gran medida. No es facil encontrar ahora ese sonido trascendental que acompañaba a auténticas bombas de energía rítmica. Por éso nos sorprende, y nos alegra profundamente, comprobar cómo aún quedan activistas de la electrónica y de la emoción, creadores que recogen aquel testigo con devoción y sutileza.

Es el caso del joven lituano Edgaras Žakevičius, más conocido como Stellardrone, quien acaba de publicar su cuarto trabajo. Bajo una nomenclatura que no deja atisbo de dudas sobre su amor por todo aquello ubicado más allá de la bóveda celeste, disfrutamos de un conjunto bajo el que late el pulso emocionante y cálido del ambient de aquel tiempo. Sus piezas no se apartan del esquema que ya ha trabajado en anteriores publicaciones. Son composiciones simples, basadas en largas pulsaciones de sinte combinadas con arpegios atenuados que se sostienen indefinidamente en el tiempo. Su belleza radica, precisamente, en su sencillez. Despojada la música de casi cualquier elemento, las notas llegan directas al córtex, para recorrer sin solución de continuidad ni obstáculo alguno el torrente sanguíneo completo. El tiempo queda entonces paralizado. Los cuerpos celestes recorren a una velocidad nueva la galaxia, y nos inunda una alegría especial porque nos descubrimos  capaces de ver cómo se desprenden briznas de polvo de estrella sobre el horizonte. ¡Quién no ha conocido esa sensación, al despuntar el alba!

Stellardrone – A moment of stillness

1 – A moment of stillness

2 – Billions and billions

3 – Lights in the sky

4 – Solar eclipse

5 -Twilight

Stellardrone comparte toda su producción musical, libremente, en Archive.org

Con demasiada frecuencia se mide la calidad de un disco o de la música de un creador por inventar algo nuevo. Se encumbra con facilidad lo rupturista o novedoso y se escucha con menos cuidado y respeto aquello que parece continuar una fórmula ya conocida. El necesario aprecio de la experimentación capaz de desplazar las fronteras conocidas hacia nuevas posibilidades creativas queda opacado por la exaltación fácil y superficial de todo aquello que lleve el marchamo de “lo último”. En ello tiene mucho que ver la sociedad del espectáculo, con su voracidad aniquiladora, o los patrones de conducta insaciables y veloces a los que conducen algunas tecnologías que hacen que el disfrute de la música ya no sea tan paciente como solía. Se hace preciso entonces reivindicar la validez de planteamientos que, aunque no desarrollen nuevas estructuras ni descubran sonidos ignotos, continúan esquemas ya conocidos llenándolos de contenido y posibilidades. Se hace preciso dejar de lado la urgencia e ir a lo único importante, la música. Se hace preciso volver a los fundamentos.

En el campo de la música electrónica, la necesidad del disfrute y de evitar la sacralización de lo rupturista tiene bastante sentido en su veta, precisamente, más experimental. Tan valioso como el avance puede ser la pausa, especialmente si avanzar carece de un propósito meditado y definido. Desde ese punto de vista, no solo teórico sino también temporal en la medida que 2003 es un momento de amplio desgaste y confusión en la IDM, conviene acercarse al disco publicado entonces por Gimmik. Un momento en que coincide la saturación creativa hacia la que había llevado el abuso de la producción digital con la dificultad creciente de disfrutar una obra musical cada vez más abstracta, inextricable y difícil. En ese contexto, cuando la electrónica experimental parecía más cerca del laboratorio que de la emoción, el disco de Martin Haidinger supuso un necesario soplo de aire fresco. Algo realmente paradójico cuando su repertorio lo formaba toda una suma de los clichés del género, un compendio sin aparente vocación innovadora.

Su principal mérito radica precisamente en ello. En un momento, sin duda prolongado hasta nuestros días, en que la categoría IDM parecía vaciarse irremediablemente ante la variedad de sonidos, acercamientos y estilos asociados a la misma, el disco de Gimmik encaja en la descripción elemental del género perfectamente, sin fisuras, sin ninguna duda. Parece concebido como el prototipo de esa electrónica de baile diseñada para escuchar en casa. En ese sentido es profundamente ortodoxo, sus composiciones están creadas siguiendo al pie de la letra el manual de braindance que afortunadamente nunca se llegó a publicar. Todo el álbum está atravesado por la sonoridad de la serie que define el género, Artificial Intelligence, una forma de emoción que combina amanecer, éxtasis, nostalgia y el vértigo de contemplar de noche una lluvia de estrellas en mitad de la nada. La sensibilidad de los primeros B12 o Black Dog Productions logra desarrollarse gracias a la habilidad del autor para la creación de inolvidables líneas melódicas. Una constatación tan evidente como necesaria que nos recuerda, de nuevo, que si hubiera que escoger una sola cualidad por la que Aphex Twin ha sido considerado “la figura más ingeniosa e influyente de la música electrónica contemporánea” esa sería sin duda su capacidad melódica.

Desde el punto de vista rítmico, el disco no es deudor de un determinado tipo de patrón en particular, y sin embargo se construye a partir del tipo de estructuras compositivas típicas del género. Los pasajes de ambient donde la sensibilidad se manifiesta a flor de piel, como en “Un jour”, “From A-5310 to TW2 7Q7” o “L’appel des cors”, comparten espacio con creaciones de drill and bass atemperado que sin llegar a ser abrasivo dota de flexibilidad y movimiento a las piezas, caso de “Let’s play cricket”, remedo del mejor Squarepusher con tanto que trasmitir a las piernas como al cerebro. Sin duda impresiona la capacidad para combinar diferentes arreglos y lograr resultados equilibrados. Canciones como la fantástica “Booga” es capaz de aunar dnb alocado y furioso con melodías llenas de espiritualidad y, lo mejor de todo, hacer que casen y se refuercen mutuamente en un ejercicio tan divertido como emocionante. En general, Gimmik ofrece un planteamiento accesible a partir de estructuras habitualmente violentas y áridas. Logra poner al servicio del disfrute del oyente los avances de la electrónica experimental.

Más allá de los patrones rítmicos, sobresale la calidez que desprende cada canción. El conjunto deja la sensación de haber recibido una poderosa descarga de emociones en el torrente sanguíneo, el cuerpo queda embargado y laxo, la vista se pierde abstraída. El aire cinematográfico del tema que comparte nombre con la portada y que sirve de cierre recuerda lo verdaderamente importante. “Back to basics”, vuelta al origen. Un disco que es una declaración de principios, tanto dentro del género que reivindica como en relación a la creación humana y su circulación en sociedad. Un álbum que pone de manifiesto que lo fundamental a la hora de escuchar música no es tanto su lugar en la historia o su capacidad de abrir nuevas vías como, precisamente, la música.

Gimmik – (Back To Basics)

1 – Let’s play cricket

2 – Un jour

3 – Le Ciel

4 – Qoui donc m’importe, Godot?!

5 -Booga

6 – From A-5310 to TW2 7Q7

7 – L’appel des cors

8 – Square two

9 – Syntax

10 – 7th of May

11 – Back to basics

Seguramente el nombre de Eraldo Bernocchi no te suene muy familiar. El italiano es de esos tipos que juegan en otra liga, que publican obras sin descanso, escondidos en un circuito de electrónica que rara vez se deja ver, independientes por naturaleza, libres para crear a su antojo sin la presión de un sello deseoso de facturar dinero fresco, capaz de dotar a su música de un trasfondo instructivo, de un sonido hecho arte concebido de una energía atemporal y compleja.

Necesitaríamos otra vida para poder profundizar en su legado, para seguirle el rastro entre colaboraciones, grupos, bandas sonoras, remixes y proyectos en solitario y poder así apreciar todos los diferentes matices y formas que el italiano es capaz de representar.

La primera veta sobre la que investigar data ya de finales de los setenta cuando con tan solo catorce años ya tocaba la guitarra en bandas punks locales. En 1985 forma, junto a Paolo Bandera y Luca Di Giorgio, Sigillum S, un combo completamente underground, muy similar en las formas y en conceptos a nuestros Esplendor Geométrico pero en versión italiana y con elementos políticos, filosóficos y ritos tradicionales entre sus principios radicales. La gran repercusión que tuvo el grupo dentro del circuito industrial, con giras por toda Europa y Estados Unidos, le permitió a Eraldo entablar conexión con lo más granado de la música experimental, pudiendo intercambiar conocimientos y afinidades, llevando su sonido a otro nivel, trabajando codo con codo con tipos como Mike Harris, Bill Laswell, James Plotkin o Toshinori Kondo y publicar en sellos como Apollo o Sub Rosa.

Nos centraremos en uno de sus alias menos conocidos, SIMM, con el que sin duda publicó uno de sus trabajos más completos y dinámicos, perfecto para no iniciados en la profunda obra del italiano. Se trata de “Welcome”, un LP de 1996 publicado en el sello que por aquel entonces regentaba Mike Harris, Possible. La influencia de Scorn en la obra de Eraldo es más que palpable. Todo gira en torno al break, a una ciencia oculta que hace de ese golpe de batería el centro de su personal universo, la fuente de un sonido que ejerce de dios imaginario al que rendirle devoción y pleitesía.

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Resulta difícil pensar en un LP tan adictivo como este. Con cada escucha aparece ante nosotros un mundo diferente, mutante, en transformación constante. Un infinito de sonoridades, de dub que te arrastra al abismo, de breaks que caen como pesadas losas metálicas y que marcan un ritmo endemoniado, un corazón que bombea oscuridad desde las entrañas del abismo. El alma insaciable del italiano hace que su obra destile una perfección en los minúsculos detalles casi enfermiza. Un todo vivo configurado de perfectos elementos que entran y salen en el lugar adecuado y siguiendo un sincronismo impecable, detalles microscópicos, capas y capas de texturas, bajos de ultratumba que devoran con profusión todo lo que se cruza en su camino, sonidos de guitarra que atraviesan los tracks sin ser vistos, ambientes densos, trompetas marcianas, artimañas tétricas, máquinas con respiración asistida, drones, noise y chirridos industriales.

Un estado de madurez musical al alcance de muy pocos creadores capaces de engendrar un LP tan intenso y reflexivo, ante el que resulta imposible no caer rendido de admiración y que seguramente tenga continuidad muy pronto, estaremos atentos.

SIMM – Welcome (Possible, 1996)

1. Clown

2. Some Silences

3. Hollow

4. Frozen Chances

5. The Crawl Space

6. These Days

7. Pillhead

8. Crash

9. Welcome

Hay otro momento en la evolución del drum and bass casi tan interesante como su nacimiento. Comparte con su origen, aceptado hacia finales de los ochenta, la capacidad de aunar de modo sobresaliente sonidos y sonoridades absolutamente dispares, comportándose el género en aquel instante  como un prisma transparente capaz de transformar la luz en una miríada de rayos de color. Del mismo modo que hardcore y hip hop se cruzan con la cultura del sound system jamaiquino de la mano de pioneros como Shut Up & Dance  para dar lugar al jungle, provocando una explosión sónica única, cruzado el ecuador de la década de los noventa se desata una nueva ola de creatividad en el seno del estilo sin parangón. Ahora bien, el contexto de ambos momentos no puede ser más diferente.

El jungle surge hacia finales de los ochenta en plena eclosión rave y del acid house, un fenómeno social que no solo contribuye a su nacimiento sino que, sobre todo, potencia un desarrollo brutal gracias a la voracidad insaciable de ravers y DJs. Al cabo de pocos años ese movimiento, tan novedoso y bestia originalmente como contracultural y periférico, ha sido engullido por el sistema. La estética clubber y la música electrónica se derraman sobre la cultura de masas, dando forma a la moda del momento y pasando a ocupar buena parte de la frecuencia de emisoras de radio y televisión. La inocencia había terminado tanto para las fiestas como para la música. Aunque el período de tiempo transcurrido se nos antoje desde la distancia muy corto, en aquella época las transformaciones eran de tal magnitud que en menos de un lustro afectaban incluso al propio nombre: el término jungle se vuelve a mediados de los noventa tabú, quedando asociado a una escena de fiestas poblada por bad boys, delitos, armas y drogas.

Rebautizado científica y asépticamente como drum and bass, el género se torna menos duro y violento, pierde en buena medida la raíz jamaiquina y vuelve la mirada hacia el ambient y Detroit. El artcore de Good Looking Records funciona en la época como revulsivo frente a la criminalización de la escena haciéndose con un hueco cada vez mayor en las ondas, pero pronto cae preso de un encorsetamiento y autocomplacencia pretendidamente intelectual que lo hacen repetitivo y lleno de clichés. Su sonido oceánico y luminoso, basado en breaks suaves y largos bucles tubulares, es popular entre una audiencia cada vez más amplia, pero se revela en seguida vacío. Abrazado por intrusos que provienen del techno, del big beat e incluso del pop, se produce entonces una reacción visceral y profundamente creativa por toda una cohorte de productores que opone a la banalización junglística una combinación de humor y experimentación que profundizará en la ciencia del break como pocas veces antes había ocurrido.

Buena parte de estos renovadores provenían de lo que en la época se conocía como techno inteligente o IDM. Bedroom producers como Luke Vibert, Mike Paradinas o Tom Jenkinson se acercan al jungle desde una óptica inquieta y rebelde pero a priori lejana. Y es que no estamos ante la profundización y análisis de las claves del género llevada a cabo por insiders, como es el caso en la misa época de Photek. Luke Vibert explica en Loops una motivación que comparte con otros colegas: “me gustaba escuchar [drum and bass] en el coche, y me di cuenta que ya no me divertía como antes, así que decidí hacer algo nuevo, a mí manera, por instinto”. No es el único. Toda una pléyade de cerebros musicales con formas a veces enfermizas pero siempre innovadores y que llevaban toda la década experimentando, desmontando los cimientos del techno o del house, atreviéndose a imaginar nuevas vías para la música concreta o reinventando el ambient, ponen sus manos en el drum and bass y al hacerlo descubren posibilidades insospechadas. Muchas veces parecen irreverentes y bromistas, como el pornográfico braindance de Aphex Twin en ”Milk Man“. Pero nada más lejos de su intención. Mike Paradinas explica la voluntad de aquella generación de reinventar la música de moda: “no eran chistes, en absoluto. Al menos no en mi caso. Yo quería hacer jungle de verdad, aunque a mi manera (…) Si vivías en Londres tenías el drum and bass por todas partes, en todas las radios, y yo opino que no hay nada malo en dejarse influir y en robar esos sonidos para fines propios. La música nueva es excitante, y el drum and bass era ambas cosas”.

El acercamiento al género que surge tiene varios incunables fantásticos, tratados de jungle poblado de breaks intrincados y una profunda voluntad rupturista. Discos como Feed Me Weird Things de Squarepusher o Drum ‘n’ Bass For Papa de Luke Vibert. Pero nos interesa centrar la vista en el momento en el que esta pequeña revolución sonora tiene lugar. El instante en el que, como tantas otras veces, el mainstream abraza tarde y mal una estética que le es completamente ajena despertando, en paralelo y bajo la superficie, un instinto creativo puro e independiente que la transforma radicalmente hasta volverla irreconocible. Mientras el sistema avanza pesadamente como un descomunal ente amorfo que va haciéndose con todo a su paso, entre sus rendijas se cuelan visionarios que juegan a esquivar la homogeneidad viscosa y repelente. El recopilatorio Avantgardism – Drum ‘N’ Bass guarda en su seno una buena muestra del tipo de sonidos que escapaban en la época a las convenciones abriendo nuevas vías, tan ignotas como atractivas.

Publicado en 1996 en Blue Angel Records, subsidiaria del sello de culto Rising High, el disco toma como punto de partida el sonido evocador y amable del drum and bass de la época. El título con el que Force of Angels abre la compilación podría haber encontrado hueco fácilmente en alguno de los Logical Progression de LTJ Bukem. No obstante, la voluntad avant garde se muestra rápidamente. El proyecto audiovisual Doppler 20-20 toma ese sonido atmosférico pero lo carga de inquietud en una construcción serpeante de breaks torcidos y sonoridad orientalizante que tiene más que ver con Amon Tobin bajo su aka Cujo que con Peshay o PFM. No es el único que aprovecha la evocación lejana o exótica para dotar a su composición de misterio. Laurence Elliott-Potter, viejo conocido de Rising High o Sapho que llevaba publicando como Friends, Lovers & Family breakbeat hardcore y trance desde 1991, incluye en la recopilación una compleja pieza psiquedélica que tiene tanto de jungle inteligente como de chamanismo e invocación. El aire cinematográfico e inquietante es otro rasgo frecuente, patente en piezas como la de Bedouin Ascent. 

Luke Vibert, una de las luminarias de este terremoto musical, contribuye por partida doble al álbum. Bajo su seudónimo dedicado al drum and bass, Plug, muestra que su dominio del Amen es muy anterior a la serie que dedicaría a comienzos del siglo XXI al mítico break de The Winstons bajo su aka Amen Andrews. Como Wagon Christ, identidad que habitualmente se asocia a Ninja Tune, figura “Spotlight”. Pero en lugar de escuchar la relajante pieza de hip hop instrumental original los altavoces sorprenden arrojando al reproducir el track la remezcla de Aphex Twin, un tema con el sello inconfundible del genio de Cornwall en el que exprime hasta el absurdo las posibilidades rítmicas del break en un ejemplo fabuloso de drill and bass. Aphex no es la única estrella emergente de Warp Records que aparece en el disco. Bajo su nombre de pila figura Squarepusher, seguramente el mayor renovador del drum and bass. “Happy Little Wilberforce” es otro magnífico ejemplo de drill cargado de sentido, un tema donde la edición del patrón rítmico se eleva a cotas de inusitada sofisticación. El recopilatorio, de modo saludable e ilustrativo, hace por reunir las diferentes sensibilidades que esta nueva corriente ofrecía. Así, la vertiente científica o rupturista convive con la sonoridad cinematográfica y misteriosa descrita antes, se da la mano con un Witchman industrial, pesado y ominoso, y comparte espacio con propuestas bailables y alegres como la de Fluid.

El título del álbum refleja bien este fantástico momento musical. Se trata solo de drum and bass, y la apreciación es necesaria, porque el sonido preconizado por varios de los nuevos adalides del dnb experimental pronto derivaría hacia el efímero drill and bass, una aproximación rapidísima al breakbeat haciendo un uso muy intensivo de la programación digital que sus mismos estandartes abandonarían pronto. Al mismo tiempo, se tratada de drum and bass avant garde, la primera línea creativa de la ciencia del ritmo que se enfrentaba a los clichés del género con una frescura y voluntad de cambio tan necesarias como maravillosas. Dejando de lado los diferentes caminos estilísticos escogidos por los intérpretes del disco después de su publicación, la música que guarda representa sin duda uno de los mejores rostros del drum and bass, ese que aúna de modo extraordinario diversión, profundidad e innovación. 

VA – Avantgardism – Drum ‘N’ Bass

1 – Force Of Angels – Method To My Madness

2 – Plug – Snapping Fuss

3 – Fluid- Dust Dancing

4 – Doppler 20-20 – The Avant-Gardist

5 – Friends, Lovers & Family – Dark Fader

6 – Witchman – Amok II

7 – Tom Jenkinson – Happy Little Wilberforce

8 – Wagon Christ – Spotlight (Aphex Twin Remix)

9 – Environmental Science – Nonsense

10 – T-Power – Tama

11 – Bedouin Ascent – ‘Cat Can Bow!

12 – Vert – Hole Tone Java

NOTA: La edición del disco de la que se habla en el artículo está formada por un doble LP. Existe otra en 2xCD con casi el doble de canciones que la edición en vinilo. La información del recopilatorio en compact disc se puede encontrar aquí

Siempre hay que tener un ojo puesto en el sello italiano Avant!, estar atentos a sus escasos movimientos. No son muy prolíficos, ni si quiera se habla demasiado de ellos en la mayoría de medios, les gusta estar bastante al margen de todo, trabajando desde la sombra, tomándose su debido tiempo para que vean la luz sus referencias, un pequeño goteo que comenzó en 2007 con varios 7” que contenían en sus surcos mucho black metal, punk, garage o lo-fi.

Estos parecían los gustos generales del sello hasta la publicación del muy recomendable LP de CccCandy, que se metía de lleno en la ola revisionista del darkwave y el minimal wave, y sobre todo, la sorpresa de encontrar a Scorpion Violente en la última referencia publicada hasta la fecha en la casa italiana en formato largo.

Scorpion Violente es un dúo francés, procedente de la zona de Metz y formado por dos freaks de cuidado, Scott Scorpion, con pasado en bandas ultra punks como A.H. Kraken o The Anals, y Thomas Violente. Antes de este LP solo habían publicado un 7” a medias con The Dreams, y que vio la luz en Hex Grammofoonplaten, subsello de los siempre fiables Enfant Terrible. Sus gustos musicales resultan a primera vista antagónicos, por un lado una pasión desmedida por la música disco, el universo Moroder y los sintetizadores, y por otro una actitud hacia su música propia de los grupos industriales, por los que también sienten devoción.

La música de Scorpion Violente sigue la estela dejada por legendarios sellos franceses como Invasion Planète, que le dieron una visión mucho más electrónica a la darkwave, electro con espíritu de nuevos románticos y que también tenían cierta actitud contestataria. Pero su música no se queda en el mero aspecto revisionista, sino que también encontramos una especie de electrónica sucia, de los bajos fondos, melodías distorsionadas y metálicas, obteniendo un sonido muy personal gracias al uso también de maquinaria totalmente vintage y en desuso como la Korg Poly61 o la Antonelli 7703, fijas en sus lives.

En “Uberschleiss” encontrarás violencia, máscaras de cuero, perversión, sintes analógicos, ritos satánicos, masoquismo, reminiscencias sonoras de todo tipo, desde Suicide en los temas vocales, Cabaret Voltaire en la construcción de las bases, a D.A.F. o John Carpenter y las bandas sonoras italianas de los 70; minimalismo punk, paranoia, actitud provocadora y experimentación industrial, un cóctel molotov a punto de estallar.

Scorpion Violente – Uberschleiss

La relación entre el techno y la Intelligent Dance Music, cuyo acrónimo IDM se usa de modo generalista desde los noventa para abarcar múltiples formas de experimentación electrónica, no es en absoluto pacífica. Con frecuencia el seguidor de uno de los dos sonidos reniega de la relación entre ambos géneros, o la soslaya, o prescinde de ella. Los abanderados de cada corriente reproducen arrogantes ese mismo rechazo. El veterano de Detroit Eddie “Flashin’” Fowlkes se despachaba en el documental High Tech Soul con un despectivo “a la mierda todo ese IDM burbujeante, toda esa mierda enfermiza”. Mientras, en el otro extremo, una de las cabezas pensantes del braindance, Aphex Twin, no parecía inmutarse y volvía la espalda a la herencia de la música de baile estadounidense citando excéntrica y autoreferencialmente en 1997 como influencias personales las primeras grabaciones de Stockhausen y, dando un salto en el tiempo de más de 30 años, el trabajo de su compañero de sello Luke Vibert.

Afortunadamente, existen otras miradas menos cerradas y onanistas que entienden la realidad de modo amplio e interrelacionado. El tiempo nos da la posibilidad de observar desde la actualidad, con la perspectiva que permite el paso del tiempo, la íntima relación que el electro y techno clásicos y la experimentación electrónica tuvieron a comienzos de los noventa: el encuentro incestuoso que dio lugar al techno inteligente, por ejemplo, o la válvula de escape que Europa ofreció a las ansias avant garde de las mentes más avanzadas de la Ciudad del Motor. No obstante, resulta más interesante comprobar cómo en plena eclosión de este maridaje en la primera mitad de esa década figuras de uno de los dos campos reinterpretaban, rindiendo tributo y a la vez poniendo de manifiesto una relación irrenunciable, el sonido producido al otro lado del espejo.

Gescom es un proyecto creativo inglés de los primeros noventa de composición y número incierto, si bien al mismo se han asociado de modo confirmado los nombres del DJ Rob Hall, el artista multidisciplinar Russell Haswell, grupos de la órbita del sello Skam como Made, Bola o su creador Andy Maddocks, y, muy especialmente, uno de los mayores paladines de la IDM, Autechre. En 1995 publican el 12’’ The Sounds Of Machines Our Parents Used, una joya de música electrónica descatalogada desde hace muchos años, difícil de encontrar fuera de su reedición digital, que surgió bastante antes de la aparición de la obra más singular de Gescom, Minidisc, un artefacto de 88 partes publicado en el formato que le da título y pensado para reproducir en modo aleatorio. El vinilo se trata no sólo de un maravilloso ejemplar de música electrónica, que repele la clasificación y se nutre de una sensibilidad onírica fascinante, sino que también representa toda una oda al techno clásico de Detroit, al electro facturado en MoTown y a la herencia de la primera electrónica contemporánea.

Su edición en el sello Clear, plataforma que acogió en el tercio central de los noventa un buen puñado de gemas de músicos como Kirk Degiorgio, Matthew Herbert o Mark Pritchard y Thomas Middleton bajo diferentes seudónimos, da buena cuenta de ello. El nombre del sello gestionado por Hal Udell y Clair Walley rinde homenaje a la pieza publicada por Cybotron en 1983, “Clear”, una de las obras maestras de la edad de oro del electro que para algunos sentaría las bases de lo que más tarde se conocería como techno. El homenaje al tema de Juan Atkins y Richard Davis en el nombre del sello solo acaba de empezar. Gescom se encargan de dotar de contenido musical al tributo con la primera, y más larga, pieza del disco. “Puzl” es una progresión catártica de más de catorce minutos de sonido robótico y tubular atravesada de principio a fin por el sample de uno de los sintes fundamentales de Clear, esa escala de notas que suena a calculadora y a Arkanoid que Cybotron parece a su vez interpolar de temas como “Home Computer” o “The Hall of Mirrors“ de los alemanes Kraftwerk. El puzle de Gescom en ocasiones sugiere una reinterpretación integral del clásico detroitiano, evocando los momentos en que éste queda desprovisto de vocoder y de strings y solo mantiene el sample repetido y su esqueleto de breakbeats. Pero el tema de 1995 va más allá. Los patrones rítmicos parten de la arquitectura electro pero se despliegan con un tratamiento mucho más cercano al desarrollo poblado de ecos y lleno de dinamismo de las producciones de Incunabula. Simultáneamente, la catarata de sintetizador, que rodea al oyente como un muro de sonido, dota al tema de la profundidad de un túnel oscuro y estrecho, haciendo de Puzl un pasaje opresivo y vertiginoso.

Pretender que el disco sea solo un homenaje a otro tiempo y el reconocimiento a la influencia de determinados pioneros sería miope. Antes bien, Gescom muestra de modo fascinante el proceso que hizo a la IDM dar un salto hacia delante y en el vacío en las primeras producciones de músicos como B12 y Black Dog Productions desde el techno clásico destinado a la pista de baile hacia una forma de electrónica libre de ataduras rítmicas que se cruzaba con el ambient de forma natural. El tema “Go Sheep” muestra este proceso de modo magistral. Toma la melodía de “Go Sumo”, un tema de electro atípico, lleno de luz y velocidad, y la lleva hacia un terreno suave y delicado, una forma de jazz lunar poblada de espacio que permite a los teclados de cada sintetizador y al bajo fluir con libertad. Es un ejercicio de producción dub, que elimina los elementos que puedan chocar con el sonido downtempo y potencia en cambio el eco o los efectos que contribuyen al ensimismamiento y la ensoñación. Y todo ello a partir de la música que originalmente había sido pensada para incitar al baile o el movimiento. ¿No era precisamente eso la IDM? ¿Música que mueve la mente y no solo el cuerpo?

Finalmente, Gescom no se queda en este disco solo en el pasado, materializado en el tributo a una música que ama profundamente, ni el presente, que se concreta en su participación en toda una corriente de música electrónica que suelta amarras con las estructuras rítmicas o estilísticas de las que un día partió. Además, tiene la vista puesta en el futuro, a la vista de la influencia que tendrían las producciones del sello Clear sobre el renacimiento del electro en los noventa. La debacle que sufre el género desde la segunda mitad de los ochenta solo comienza a ser superada hacia mediados de la siguiente década gracias al compromiso y la exploración de nuevos caminos que llevan a cabo músicos de Detroit como Aux 88 o Drexciya y sellos europeos como el inglés Clear. Dan Sicko escribía en abril de 1996 que “mientras Detroit está preparado para llevar el electro hacia una nueva fase de desarrollo, al otro lado del Atlántico, la excitación se centra en torno al renacer de esta música. El punto central del cambio europeo está en Londres en el sello Clear”. El sello dio cabida durante su corta e intensa vida a músicos que partían de las raíces originales para derribar sus límites, expandiendo su sonoridad y aportando nuevas influencias. Así, cuando el crucero espacial del electro había perdido velocidad y se encontraba en punto muerto, Gescom puso su grano de arena experimental para lanzarlo de nuevo hacia el futuro a la velocidad de la luz.

Gescom – The Sounds Of Machines Our Parents Used

A1 – Puzl

B1 – Go Sumo

B2 – Go Sheep

Sus tres primeros, de un ambient ultra gélido, concebidos como una trilogía, “Nunatak Gongamur”, “Teimo” y “Permafrost” (cotizadísimas primeras ediciones en Barooni y reeditados con una nueva masterización por Type en 2010) alcanzaron pronto el status de clásicos eternos, clásicos que en cierto sentido condicionaron sus siguientes trabajos ya que hubo un  intento premeditado de alejarse conceptualmente de ese primer sonido.

“Unerforschtes Gebiet” es el nombre de su séptimo LP, (que literalmente viene a decir “área inexplorada”, los típicos espacios oscuros en los antiguos mapas), que en su primera edición de 700 vinilos apareció en las tiendas como un picture disc donde estaba plasmado un viejo mapa del Ártico en sus dos caras, toda una golosina visual para los coleccionistas. El Lp en cuestión estaba dividido en dos únicos temas de muy parecida duración y suponían una vuelta al pasado tras más de doce años, a ese ambient aterido de los primeros tiempos.

Köner siempre ha sentido una especial debilidad por los espacios ocultos e inexplorados, lugares que trató en sus primeros trabajos y que aquí vuelven a ser protagonistas. Una fantasía recurrente que le lleva a encabezar imaginarios viajes a emplazamientos inhóspitos y desolados, odiseas sonoras influenciadas por la imagen de legendarias expediciones hacia lo desconocido comandadas por hombres infatigables.

En este caso se trata de un viaje de ida y vuelta hacia el corazón de un ártico completamente helado, cuya banda sonora para tal peligrosa aventura la pone directamente en nuestros altavoces Köner con dos únicas piezas de más de veinte minutos, que musicalizarán nuestra ardua marcha por el polo. En cuanto la aguja surque el vinilo una ventisca glaciar penetrante y fantasmal nos acorralará de inmediato, un intenso y helado viento en forma de drone  nos envolverá durante gran parte del viaje con su angustiosa presencia, que nos impedirá la visión y que nos hará muy incómodo nuestro lento caminar.

El hilo conductor de un viaje donde el dark ambient “blanco” de Köner consigue dibujar en nuestra imaginación todo tipo de imágenes y sensaciones, inducidas por el uso sesudo de frecuencias bajas y subgraves que sobrevuelan la mayoría de pasajes, mucho más próximo al noise conceptual de KK Null que al ambient clásico de Eno, sonidos profundos a la deriva, ondas estáticas filtradas en texturas gaseosas, borrosas; un enjambre de ruidos, de minúsculos detalles perturbadores, un zumbido que se transforma en el rastro a seguir, en truenos que rompen a lo lejos y que delatan una tormenta que se aproxima a toda velocidad.

La desorientación es total. El pánico que nos atenaza nos impulsará a seguir caminando hacia una especie de agujero negro de emociones y percepciones al que nos dirigimos sin escapatoria.

Thomas Köner – Unerforschtes Gebiet (Die Stadt – 2002)

A. Unerforschtes Gebiet

B. Unerforschtes Gebiet

COIL es un universo escondido. Un código. Una llave sin la que NADA existiría. INEXISTENTE, en silencio y en secreto. Un hechizo. Una espiral. Una serpiente alrededor de un círculo femenino. Un torbellino. Una hélice doble. DNA. Electricidad y elementales. Noise atonal y poesía brutal.

COIL es amorfo. Un flujo constante y luminoso. ObSOLescencia inherente. Desobediencia inherente. Un vehículo para las obsesiones. Sueños programados en perpetuo movimiento. Somos feroces. Infantiles. Concebidos inmaculadamente. Enfermos. El virus es “khaos”. La cura es repudiada.

COIL somos arcángeles del “KHAOS”. El precio que pagamos por nuestra existencia es la guerra eterna. Hay una fuerza escondida, latente, bajo el sedimento de los convencionalismos. Los sueños nos guiarán bajo la superficie, hasta la frontera, hasta un estado de delirio. DESENCADENADO. Imposiciones pasadas y mentiras universales.

COIL. Quien tiene el valor de soñar, crear y matar, mientras el todo se mueve y cada parte permanece quieta. Nuestras razones son irracionales. La alucinación es la verdad, nuestras tumbas están cavadas en ella. Coil es obligación. IMPULSO y construcción. Letras muertas que caen desde nuestras pieles derramadas. “Kabbala” y “KHAOS”. “Thanatos” y “Thelema”. Arcángeles y ANTIcristo. Abierto y cerrado. Verdad y deliberación. Trampas y desorientación.

COIL existe entre aquí y allí. Somos la esfinge de “Janus”. Plural. Fuera del tiempo. Fuera de lugar. Lejos de la maldad. Somos el antídoto para cuando la gente se corrompe.

COIL sabe cómo destruir a los ángeles. Cómo paralizarlos. Imagina el mundo en una botella. Nosotros cogemos la botella, la reventamos y te abrimos la garganta con ella. Te aviso que somos Asesinos. Masacramos las lógicas revueltas. ! Lo sabemos todo ¡ Sabemos solo una cosa. Existencia plena. Movimiento pleno. Dirección plena. Verdad absoluta. AHORA. AQUÍ. NOSOTROS.

“No saber lo que es y no saber, no sabía”

Hassam i Sabbah

(*) Manifiesto Coil (1983) – Original aquí

Coil – Scatology – Force & Form (1984)

Ubu Noir

Panic

At The Heart Of It All

Tenderness Of Wolves

The Spoiler

Clap

Solar Lodge

The Sewage Worker’s Birthday Party

Godhead ⇔ Deathead

Cathedral In Flames