La figura de Caspar Pound no ha sido, quizá, suficientemente reconocida en la música electrónica contemporánea. Figura central de la escena hardcore y rave de los primeros noventa, su nombre está asociado indefectiblemente a la forma más rica y revolucionaria de música que tuvo lugar en aquella época. En aquel momento, gracias a la sensibilidad, la claridad de ideas y el espíritu avanzado de un puñado de jóvenes tuvo lugar una explosión de creatividad que dio lugar a multitud de estilos, sonidos y piezas imperecederas cuyo legado llega hasta nuestros días.

Presentamos a continuación la personalísima pero interesante semblanza que del mítico productor y mezclador trazó el productor Phase 6 en su perfil de Discogs. Frente al aséptico acercamiento periódistico habitual, se agradece la calidez y humanidad de una biografía relatada por un oyente anónimo. A continuación, pone banda sonora al texto una buena sesión homenaje mezclada por Raytrace con varias de las mejores composiciones de Pound para su sello Rising High Records bajo los akas The Hypnotist y RHC.

El inmensamente influyente productor, remezclador y dueño del sello Rising High Records, Caspar Pound, era descendiente directo del famoso y controvertido poeta Ezra Pound. Nacido en Peterborough, saltó a la fama a la edad de 19 con el sencillo “Total Confusion“, y entonces fundó los sellos Rising High y Sapho. Como The Hypnotist, se convirtió en una estrella en Alemania, tocando en la Love Parade para miles de ravers. Obtuvo la licencia del sello Harthouse en Gran Bretaña, siendo un pionero de la música trance alemana, un género desconocido en la época en Inglaterra, publicando de modo pionero igualmente a Underground Resistance para su debut en el Reino Unido. También lanzó las carreras de multitud de héroes de la electrónica, desde Mixmaster Morris hasta Luke Vibert.

Caspar Pound murió en su casa el 30 de abril de 2004, a la edad de 33, como consecuencia de problemas cardíacos, a los que se unió (según algunos informes) un tumor cerebral. Parece apropiado en este punto del tiempo escribir unas pocas palabras sobre su influencia individual en la música electrónica de baile, particularmente en el Reino Unido.

La caída y ascenso de la escena acid en los ochenta tuvo una vida tan corta que si pestañeabas te la habías perdido. Casi de modo inmediato la música se retiró hacia los clubs underground, fermentando por un par de años. La escena de Madchester puso rostro humano (¡o casi!) a la cultura del éxtasis junto a toda una serie de hits. Mientras tanto, la escena de clubs recuperaba su relación con esta música, aunque de un modo más bien ciego, sin límites y descuidado. Fieles a los ideales originales, cualquiera que se acercaba a un club de baile underground disfrutaba escuchando música de baile underground. ¿Techno? ¿Breakbeat? ¿House? ¿Trance? Esos términos en 1990 decían, significaban nada. La gente que poblaba las pistas de baile no le daba la menor importancia, había suficiente espacio para cada uno. Todo valía, y así era.

Antes de nada, hay que quitarse el sombrero ante grupos ingleses de la época que o bien estaban creando un nuevo campo o bien (en la mayoría de los casos) emulaban el sonido de Chicago y Detroit: 808 State, Nexus 21, etc. No obstante, el Reino Unido parecía tener miedo de hacer ruido de verdad, auténticos beats, y techno sin adulterar y sin sentido. Hacia 1990/1991, los clubs de Inglaterra habían oído la música de nombres como Beltram, Underground Resistance, Speedy J y Frank de Wulf, electrónica de baile con un estilo austero, cruda potencia y liberado de la melodía. Sin embargo, todos tenían algo en común, eran extranjeros, y como los predecesores del “Verano del Amor”, pronto alumbraron un hijo británico. Entra en escena Caspar Pound.

Todavía en su adolescencia tardía, Caspar Pound, junto a Mark Williams, forma A Homeboy, A Hippie and a Funky Dread, publicando el clásico “Total Confusion”. Un tour por las islas junto a la crew de Plus 8 cimentó su credibilidad como grupo reconocido de hard techno y poco tiempo después Pound fundaría Rising High Records, sin lugar a dudas el sello discográfico británico de techno más importante de todos los tiempos.

Su primer disco en tirada limitada fue “Rainbows in the Sky“. Decir que esa grabación alcanzó la escena británica de clubs como una tormenta sería quedarse corto. Con líneas maníacas y punzantes de sintetizador y un sample vocal tomado de las grabaciones de culto Science of Happiness de Ken Keyes Jr, este disco fue el disco de techno británico definitivo que daría lugar a un millón de discos más, quizá incluso del propio Pound. Manteniéndose como un hit underground durante muchos meses, Caspar siguió rápidamente con la inmensa serie “The House is Mine“, mientras el sello despegaba globalmente y ya nunca volvería atrás. Con publicaciones de Robert Hood y Mixmaster Morris, el sello no soló fijó el camino para el hard dance sino también para toda la música electrónica entera.

Siguiendo su camino, en 1992 Caspar fundó el sello Sapho (cuyo nombre viene de su hija) y puso en marcha el brillante “Let There be Light”, manuscrito por él mismo y con multitud de samples de la película “Dark Star” de John Carpenter, de la cual el artista toma su nombre.

Desde entonces sus diferentes sellos, remixes y reencarnaciones fueron numerosos. ¿Necesitamos mencionar el clásico “Barbarella”? Posiblemente no. Pound formó pronto una tupida red con la escena europea, y en seguida comenzaron a aparecer nombres alemanes y holandeses en los créditos de Sapho y Rising High. ¿Recuperando de donde venía? Quizás.

Las habilidades visionarias de Pound podrían haber sido limitadas, sin embargo. Sus aventuras hacia vertientes más experimentales de la música electrónica (en oposición al “cut and paste techno”) fueron escasas, aun a pesar de que era conocido su amor por muchos y variados tipos de música, pero su corazón estaba en el hardcore, y cuanto más duro mejor: “solo quiero hacer música que te vuele la cabeza”, o algo parecido siguiendo esa frase. Así como Jeff Mills ha fracasado al arriesgar investigando y persiguiendo una serie de proyectos experimentales, en vinilo o en otros formatos, Pound se mantuvo fiel a lo que conocía mejor, casi en un punto de éxtasis creativo desde sus primeros veinte años hasta la edad de 33. Un personaje adorable con una aguda y a veces áspera lengua, el legado de Pound prácticamente se ha perdido entre la juventud clubber de hoy en día. Personalmente, soy suficientemente afortunado (y desafortunadamente viejo) de recordarle como el Pioneer of the Warped Groove.

Phase 6, Escocia, abril, 2005

Raytrace – A tribute to Caspar Pound

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Tracklist

RHC – Fever Called Love
The Hypnotist – House Is Mine
Hardfloor – Trancescript (Caspar Pound and Laurence Elliot Potter Remix)
The Hypnotist – Night Of The Living E Heads
RHC – No Deeper Love (Excursion Into The Darkside)
The Hypnotist – Death By Dub (Original Mix)
The Hypnotist – Rainbows In The Sky
The Hypnotist – Pioneers Of The Warped Acid
The Hypnotist – The Ride
The Hypnotist – Pioneers Of The Warped Groove
The Hypnotist – Pioneers Of The Universe
Temple Of Acid – Ice Station Zebra
Union Jack – Two Full Moons & A Trout (Caspar Pound Remix)

Hasta entonces, siempre podemos recuperar aquella emisión de All Back To Mine en la que Sean Rowley charla animadamente con el poeta mientras escuchan algunos de sus discos favoritos; disfrutar de la entrevista que una radio barcelonesa le hizo poco antes de morir y, ya de paso, enterarnos de que Heron pisó por primera vez España en 1985 para acudir al Ángel Casas Show de TV3 junto a Nik Kershaw, Chris Isaak y, agárrense, Bibi Andersen; repasar buena parte de su vida y obra en el documental que Don Letts grabó para la BBC allá por 2003 con figuras como Brian Jackson, Richie Havens, Abiodun Oyewole, Chuck D o el propio Heron; leer algunos fragmentos de su última novela y cómo el destino quiso que terminara acompañando a Stevie Wonder en su cruzada por hacer del cumpleaños de Martin Luther King una fiesta nacional; o simplemente volver a escuchar cada disco, dada letra, cada denuncia, cada mensaje de esperanza.

La última conversación que tuve con Gil Scott-Heron fue el 19 de marzo de 2011.

Me llamó un sábado, el día después de mi cumpleaños. Contesté a su llamada mientras echaba una ojeada a la librería Foyles en Londres.

Estuvimos hablando durante una hora. Aquellas conversaciones con Gil eran un regalo.

Era una especie de padre para mí, y aprendí muchísimo de él.

Gil no era perfecto en su propia vida. Pero ninguno lo somos. Y él no juzgaba a nadie.

Tenía una inteligencia implacable, un modo inigualable de emplear las palabras, un sentido del humor increíble y una caballerosidad y humanidad únicas.

Gil rechazó todos los lujos de la fama y el éxito. Pudo haber tenido todas esas cosas. Pero él era más grande que todo eso.

Parecía completamente desinteresado por el dinero.

Por lo que sé nunca aceptó ningún premio. Siempre quiso que los demás fueran reconocidos por su trabajo.

Fue el único artista con el que he trabajo que pedía que las fotos de los ingenieros de sonido tuvieran la misma importancia que la suya en su web.

(Lawson White, el ingeniero de I’m new here, compartió muchos momentos increíbles conmigo y con Gil.)

Gil significaba muchísimo para mí, al igual que para otra mucha gente.

Su talento era enorme. Fue un maestro como letrista, como cantante, como orador y pianista.

Su espíritu era inmenso. Canalizó algo que la gente transformó en grandes beneficios.

Su trato hacia mí fue increíblemente generoso, animándome a escribir y producir a su lado y redescubrir mi propia creatividad a través de él.

Nunca cuestionó mi habilidad para hacer aquellas cosas, incluso cuando yo mismo lo hacía.

He compartido algunas de las mejores experiencias de mi vida con Gil, y me siento enormemente privilegiado por haberle conocido.

En esa última conversación que tuvimos me aconsejó que no dejara de ser quien soy por el simple hecho de tener la oportunidad de hacerlo.

Después de aquello pasé el resto del día comprando vinilos.

Descansa en paz, Gil.

Richard Russell

Gil Scott-Heron, mi valiente y brillante amigo

Durante años he temido recibir una llamada inesperada para decirme que Gil Scott-Heron estaba muerto. Esta llamada llegó la noche del pasado viernes. El nombre de Gil aparecía en mi teléfono, pero no era Gil quien llamaba. Había muerto tres horas antes en el hospital St Luke’s-Roosevelt de Nueva York. Tenía 62 años.

El año pasado escribí un artículo para The Guardian como anticipo al evento que Gil y yo habíamos acordado realizar juntos en el South Bank. El volcán islandés lo evitó, impidiendo a Gil volar a tiempo al país, pero terminamos encontrándonos al final de la semana y grabamos un corto de la sesión.

Viendo la cinta otra vez ayer por la mañana lloré. Recuerdo enseñársela a Gil en una habitación de hotel en Roma y lo contento que estaba con ella. Un corto que para él capturaba parte de lo que era y representaba era algo que me importaba muchísimo. Porque él era alguien que ha tenido y sigue teniendo un gran impacto en mi código moral, mi sentido de qué importa y por qué. Es imposible expresar completamente por qué es así, pero si ves la película creo que en parte entenderás por qué significaba tanto para mí. Y por qué significaba tanto para muchísima gente.

En un momento de la entrevista Gil afirma: “Si alguien viene a ti y te pide ayuda, y tú puedes ayudarle, tienes el deber de ayudarle. ¿Por qué no ibas a hacerlo? Has sido colocado en esa situación porque de alguna forma puedes ayudar a esa persona”. Esta verdad incuestionable y la sencillez con la que expresa la importancia de cuidar de aquellos que te rodean, que necesitan ayuda y piden ayuda no era una afirmación vacía. Gil vivía según este credo y a través de una espléndida carrera musical ayudó a la gente una y otra vez, con su habilidad y voluntad para expresar profundas verdades a través de sus elocuentes ataques a las injusticias y su enorme compasión por el dolor de la gente.

Pero Gil también era una de los hombres más divertidos que he conocido. Nuestra amistad comenzó allá por 1990 en Edimburgo, cuando fui al backstage después de ver la primera de otras muchas actuaciones extraordinarias que tuve la suerte de presenciar. La sinceridad con la que me trató desde el primer momento representaba el modo en el que se comprometía con la gente en su vida. Yo era un joven blanco al que no conocía de nada, pero me acogió en su mundo y con los años terminamos pasando muchas horas juntos, y siempre salía de aquellos encuentros diferente. Más sabio y más feliz.

Una cosa llevó a la otra y para 1996 me había convertido en su editor, reeditando dos novelas (The Vulture y The Nigger Factory) que había escrito a los veinte y pocos que revelaron su talento como prosista. Ese mismo año nació mi primer hijo, mi hija Marley, y una semana después de su nacimiento recibí un fax de Gil titulado A.M. Revelations: “Mis sinceras felicitaciones y una gran ovación para ti, tu encantadora mujer y tu pequeño bebé, como deberían poner en algún sitio cerca de esa parte del planeta.”

“Como padre orgulloso de al menos una de las dos posibilidades, déjame decirte esto: si tuvieran que elegir, el 90% de los hombres elegirían un niño. Creeme, ‘como descendencia es humano, pero las niñas son divinas.’ Nunca tendrás ninguna experiencia comparable a la forma de ser de las niñas y lo unidas que están a ti.”

Their love comes totally without reservation
Without pretence or nonsense, a brand new sensation
Little girls trust their fathers through all situations
This is how the dreams of an ultimate destination.
Maybe they don’t know how they link generations
And carry your immortality on to yet another station
But somehow they must hear and feel god’s vibrations
And know that you are their connection to creation.

“No es tan bueno como solía ser arrojando las palabras y uniéndolas unas a otras en torno al sentido de las cosas. Creo que he estado demasiado tiempo trabajando en este j..o libro y la prosa no requiere la misma métrica sílaba-por-sílaba que las canciones y la poesía. Qué demonios. Coges una moneda de cinco centavos pero dejas caer otros cinco. Es horrible no poder tener ambas, pero si las tuvieras entonces querrías otra cosa, ¿no crees? Ése también es mi problema. Disfruta de tu milagro. Ayuda a tu mujer. Pasa tanto tiempo con la niña como puedas. Así es como demuestras tu agradecimiento a ‘los espíritus’. Has sido bendecido.”

Seis semanas después Gil conoció a Marley en Edimburgo y terminó dedicándonos a los dos una preciosa interpretación de su canción Your Daddy Loves You. Realmente siento que he sido bendecido con la amistad y el amor de este alegre y espiritual ser humano.

Cientos de miles de personas vieron a Gil actuando en directo durante décadas, siempre con bandas excepcionales, y pocos salieron de allí sin haber sido tocados por su magnetismo, su humildad, su inteligencia penetrante y su cálido espíritu. Era el más generoso de los líderes, inspirando una gran lealtad y amor entre sus músicos, infectando a todo el mundo dentro y fuera del escenario con su peculiar visión del mundo, su carismática personalidad, su belleza moral y su voluntad para llevar a sus compañeros de viaje a través de una completa gama de emociones.

No hace falta más que escuchar Work for peace, de su penúltimo album Spirits, para recordar lo increíblemente clara e importante que era y seguirá siendo su visión del mundo. Si quieres revivir la alegría y la empatía que sentía hacia la gente y la música, simplemente pon Lady Day and John Contrane. Si quieres volver a escuchar su firme denuncia de la injusticia social, pon Johannesburg. ¿Quién más estaba censurando y condenando el apartheid en 1974? Si quieres recordar al genio lírico y su profundo conocimiento de la trágica y agitada historia de su país, entonces Winter in America es una escucha obligada. Si quieres apreciar su fulminante valoración de los siempre decadentes políticos del republicanismo, entonces escucha H2O Gate Blues o B Movie, dos discos increíblemente clarividentes que no sólo situaban a Nixon y Reagan en el banquillo y les declaraba culpables, sino que lo hacían con un humor negro y unas pullas increíblemente mordaces difíciles de igualar. B Movie, al igual que su otro hit The Bottle, también resultó ser un gran tema de baile con el que he visto pistas enteras entrar en erupción.

Pieces of a Man, New York is Killing Me, We Almost Lost Detroit, The Revolution Will Not Be Televised, We Beg Your Pardon, America, Ain’t No Such Thing as Superman, Jose Campos Torres, I Think I’ll Call it Morning, Whitey on the Moon, New York City, Is that Jazz? … La amplitud y la calidad del repertorio de Gil Scott-Heron sólo será completamente apreciada con el paso de los años. Si algo bueno puede sacarse de su muerte es que llevará a la gente de vuelta a su música más rápido de lo que de ninguna otra cosa hubiera conseguido, y su obra será bien valorada, disfrutada y compartida.

Robert Bresson dijo en una ocasión: “Haz visible lo que, sin ti, puede que nunca se hubiera visto.” Eso es lo que hizo Gil Scott-Heron, pero también nos hizo sentir, escuchar y entender las cosas de una forma que poca gente sería lo bastante valiente, lo bastante íntegra y brillante de lograr. La poeta Gwendolyn Brooks capturó maravillosamente su esencia en su poema Gil Scott-Heron:

Chance-taker
Emotion voyager
Street-strutter
Contemporary Spirit
Untamed Proud Poet
Rough Healer
He is His.

Gil era un gigante, una figura realmente inspiradora a la que quería como un padre y un hermano y era un abuelo para mis dos hijos. Todavía no puedo creer que se haya ido, pero me consuela pensar que creía en los espíritus y, precisamente por esto, todavía está aquí con nosotros. Que la paz sea contigo, hermano.

Jamie Byng

And when the morning comes
If there’s been no rest for you
We’ve been friends long enough
You should know what to do
If that’s how you started your day
Why keep running away
When you could
Come and join me on my cloud
And in the afternoon
If things are still the same
You’ve always held a key
To effect the change
What in the morning I said
When you’re running away from me
And you could come and join me on my cloud
How you must wonder in the evening
How everything got so turned around
Please don’t let it get you down
All you got to do is just
Come and join me on my cloud
And I’ve saved a special place
Right here next to me
And it’s always been your space
I’m sure that you will see
You could always count on me
To love you and let you be free
So why not come and join me
You could come and join me
You can come and join me
On my cloud

Gil Scott-Heron

Así propagada la epidemia se extiende sin límites. No la trasmite el bacilo Yersinia pestis como antaño, pero su vehículo es casi tan antiguo como la terrible bacteria: el dinero. A lomos del ansia de notoriedad y de la voraz codicia, los modernos prometeos se elevan como modelos sin fisuras, de astucia perfecta y cualidades únicas. En su honor se levantan altares por doquier, los más en la intimidad de los hogares, y como ofrenda se les agradece con monedas y billetes. Su obra es pulida y hermosa, devuelve el ánimo al desesperanzado y llena de valor al inquieto que busca motivos. Deslumbrado, el humano corriente acepta la grandeza inasequible, y le rinde tributo y pleitesía, y venera al icono. ¡Tan grande es la distancia de los semidioses con la realidad cotidiana!

Se conocen casos de individuos infectados que han superado esta forma contemporánea de peste negra. A tenor de su relato, sabemos que la distancia no es tal, que los héroes del Olimpo actual son puro brillo cegador pero carecen de sustancia. Su habilidad no es otra que, precisamente, mantener las conciencias veladas. Al lograr inocular su enfermedad en el mortal común consiguen alzarse como gigantes dotados de amplios poderes. Pero liberados de la enterobacteria los vemos en su esencia real. Formados por un mero trazo desvaído, solo aire y vacío, son seres de una repugnancia extrema, avaros hasta limitar su propia constitución física y motivados por un solo apetito: aumentar sin fin su despensa de metal precioso.

La revolución tecnológica de nuestro tiempo aumenta terriblemente sus posibilidades para confundir y encandilar. Igualmente ocurre con el número de personas sometidas, la multiplicación de canales de contacto y lo íntimo de la relación hacen de la infección un hecho tan masivo como inexorable. Estos seres oscuros y maléficos tienen diferentes esferas de actividad. Desde el mundo académico los oímos pontificar y sus razones son tan elocuentes y complejas que nada podemos oponer a una explicación de la realidad que asumimos como axioma. Diferentes líderes participan de la condición bubónica, pero sus ganglios inmundos quedan ocultos tras la aparente altura de su pensamiento político, sus hazañas incuestionables o la habilidad para gestionar complicadas estructuras. En cada dominio de acción humana los encontramos, pervirtiendo con su insidia la esencia del mismo y provocando que toda iniciativa en esa área tenga un único motivo mercantilista. Pero de entre esos campos de conocimiento y producción, aquel desde el cual el efecto mortífero se despliega con mayor virulencia no es otro que el arte.

Como expresión pura y específica de la condición humana, la creación artística es la cualidad esencial que distingue al hombre del resto de especies animales, es el producto ineludible del habla y de la memoria y la prueba incondicional de una sensibilidad irrepetible. Al ser infectada la creación humana por el vector de la enfermedad de la codicia y el dinero, queda desposeída de su sustancia elemental, y muere. Cuando el arte es cosificado, diseñado como un objeto más del tráfico mercantil e intercambiado con descuento, queda desnaturalizado. Convertida en mercancía, no solo la creación humana pierde su humanidad, sino que es el propio hombre quien deja de serlo, vaciado de su esencia a cambio de unas monedas.

Ese arte que se reproduce hoy sin límite, amplificado desde potentísimas antenas repartidas por cada calle y cada hogar, no es tal. Es una enfermedad. Una epidemia mortal que asola a la especie humana arrebatándola de lo que la es más preciado. Esta peste tiene cura, aunque quizá ya sea demasiado tarde. Su estreptomicina es la independencia y la libertad. Crear libremente haciendo desaparecer del proceso el número vendido o los ingresos a recoger. Crear independientemente sin sujeción alguna a las leyes del mercado. Esa combinación farmacológica ha sido probada con resultados esperanzadores, siendo capaz de exterminar de raíz los agentes patógenos, destruyendo definitivamente el falso mito. Pero requiere voluntad. ¿Queremos curarnos?

Llamamos la atención sobre la decisiva actualidad de un texto que, cumplidos hoy quince años desde su publicación, sigue tan vigente como el día de su redacción.

Frankfurt es simultáneamente la capital financiera de Alemania y un centro tradicional de teoría anticapitalista. Es famosa por dar al mundo la Escuela de Frankfurt de Walter Benjamin, Theodor Adorno, Max Horkheimer et al: pensadores neo marxistas que escaparon del nazismo para aterrizar en California del Sur, donde sus ojos y oídos sufrieron la afrenta del flujo kitsch que emanaba de la factoría de sueños de Hollywood. Hoy, la Escuela de Frankfurt se recuerda especialmente por su actitud esnob hacia la cultura popular, que veía como el opio del pueblo del siglo XX, un degradante del alma inferior al Alto Modernismo. Adorno, en particular, ha logrado la dudosa inmortalidad en el mundo de los estudios culturales de ser objeto de crítica ritual de los académicos como precuela a sus lecturas semióticas sobre ‘resistencia anti hegemónica’ codificada en vídeos de Madonna y Star Trek.

Por supuesto que Adorno merece escarnio por sus tristemente famosos comentarios sospechosos sobre el “sonido de eunuco” del jazz, cuyo mensaje secreto era “cede tu masculinidad, dejarte ser castrado… y serás aceptado en una fraternidad que comparte el misterio de la impotencia contigo”. Pero en otros aspectos, la crítica de Adorno al rol de la cultura pop como válvula de seguridad y control social no puede omitirse tan fácilmente. Seamos testigos de sus comentarios sobre el frenesí en relación al ‘jitterbug’: “su éxtasis está vacío de contenido… Tiene aspectos convulsivos que recuerdan al baile de San Vito o a los reflejos de animales mutilados”. El veredicto de Adorno sobre los jitterbuggers (“simplemente dejarse llevar por cualquier cosa, para tener algo propio, compensa su existencia empobrecida y estéril”) podría fácilmente transponerse a la cultura rave de los años noventa, la cual, desde el happy hardcore hasta el gabba pasando por el Goa trance, es actualmente tan rígidamente ritual y conservadora como el heavy metal.

El sello Mille Plateaux, radicado en Frankfurt, comparte algo de la actitud confrontacional de Adorno en relación a la cultura de masas. Para el jefe del sello Achim Szepanski, la industria rave de Alemania, que domina el mainstream pop, está tan institucionalizada y regulada que raya en el totalitarismo. Como Adorno, psicoanaliza la cultura del éxtasis como “una búsqueda metonímica de sustitutos de la madre. El éxtasis puede ser tu nueva mami”. Alec Empire, artista en solitario de Mille Plateaux y pionero de su propia escena berlinesa antirave Digital Hardcore, es más categórico: “la cultura rave está muerta, es aburrida. El house es disco y el techno progressive rock”. En cuanto a Oval, ‘grupo estrella’ de Mille Plateaux, cuando se les pregunta por su relación con el techno, parecen estupefactos ante la pregunta: “¡¿relación?!”, contestan.

*

Influido por la teoría post estructuralista y con un nombre tomado de un tratado pantagruélico de los filósofos franceses Gilles Deleuze y Felix Guattari, Mille Plateaux edita electrónica deconstructivista. Situando su actividad tanto dentro como contra las convenciones estilísticas de géneros post rave como intelligent techno, house, jungle y trip hop, Mille Plateaux identifica el cierre prematuro de estas músicas y se aprovecha de sus oportunidades perdidas. El resultado puede que no ofrezca la satisfacción fácil de los sellos y autores menos ambiciosos del techno, pero constituye el catálogo más consistentemente estimulante del universo post rave.

Un fin de semana de enero, me encontré con Szepanski en su apartamento de Frankfurt, que se desdobla en cuartel general de sus cuatro sellos (Mille Plateaux, Force Inc, Riot Beats y Force Inc USA) y está situado en el equivalente en sordidez local a King’s Cross (a mano para tomar el tren, multitud de yonkis y prostitutas). Habiendo leído sus notas de prensa al estilo de Deleuze (muchas referencias a “corrientes de sonido” y “singularidadesdisyuntivas”) y habiendo conducido una conversación por email llena de densa teoría, espero a un individuo más bien severo. Pero, durante el transcurso del fin de semana, Achim revela algunos ángulos de su personalidad inesperados: un seco sentido del humor, un gusto leve por el plastic pop (posee CDs de TLC y Kylie Minogue) y un increíble talento para el arte de mear.

Afligido por un misterioso achaque, pasa la mayor parte del sábado sorbiendo remedios homeopáticos y protestando por estar demasiado enfermo para llevar a cabo una excursión prevista para ver pinchar al DJ de Chicago house y artista de Force Inc Gene Farris en un club en la cercana Mainz. Hacia medianoche, decide que ya se siente en forma para ir. Durante las primeras cinco horas, el humor de Achim se mantiene bajo, a pesar de la tasa de ingestión de alcohol de tres cervezas por cada una de las mías. Pero hacia las 6 a.m. y la cerveza número 12, Achim se mueve frenéticamente en la pista de baile, extasiado ante la alucinante sesión de Farris. Cada pocos minutos, aborda a alguien para proclamar: “Gene Farris es el mejor DJ de house del mundo. Me da igual, se lo diré a cualquiera a la cara, a Josh Wink, a Laurent Garnier: Farris es el mejor”.

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Con 35 años ahora, Szepanski se adentró en la política estudiantil en el clima radical post 1968 de mediados de los setenta. Leía Marx, flirteaba con el maoísmo, protestaba contra las condiciones del sistema penitenciario alemán. Avanzada la década se introdujo en la escena post punk experimental de la mano de bandas como DAF, tocando en el grupo industrial P16D4. En los ochenta volvió a la universidad, observó como la Izquierda moría y cayó en una fuerte depresión, consolándose con alcohol y la filosofía misantrópica de Cioran.

Dos avances de finales de los ochenta le sacaron del lodo: su encuentro con el pensamiento post estructuralista de Foucault, Lyotard, Derrida et al, y su entusiasmo entorno al hip hop y el house. Todavía trabajando en su doctorado sobre Foucault, abrió la primera tienda de discos específicamente orientada a DJs de Frankfurt y fundó el sello Blackout. En los primeros años noventa Szepanski flipó con Mille Plateaux: Capitalisme et Schizophrénie de Deleuze y Guattari, un libro colosal que Foucault aclamaba como “una introducción a la vida no-fascista”.

Para Achim, la experiencia fue reveladora y galvanizante: las teorías de Deleuze y Guattari le mostraron “que no tienes que ser negativo o triste si quieres ser militante, incluso cuando contra lo que luchas es muy malo. La Escuela de Frankfurt y el marxismo tienen una interpretación muy lineal de la historia y una visión totalizante de la sociedad, mientras que Deleuze y Guattari dicen que la sociedad es más que simplemente economía y estado, es una multiplicidad de subsistemas y de luchas locales”.

A partir de esta noción, Achim concibió la estrategia de subversión basada en el contexto que inspira sus sellos: hard techno y house en Force Inc, electrónica en Mille Plateaux, jungle en Riot Beats, trip hop a través de los recopilatorios Electric Ladyland. Estas intervenciones se encuentran a medio camino entre la parodia y la réplica, demostrando mediante hechos y no palabras lo que estos géneros podrían realmente alcanzar si estuvieran a la altura o superaran la retórica progresiva que los acompaña.

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Fundado en 1991, Force Inc estuvo en sus inicios influenciado por los renegados de Detroit Underground Resistance; no solo sónicamente, sino por “toda su postura anti empresarial y anti mercantilista”. Durante su primer año, el sonido neo Detroit / nouveau acid de Force Inc tuvo un gran impacto. Al mismo tiempo, el sello se implicó en la escena de fiestas underground, organizando “eventos guerrilla en extrañas localizaciones, sin todos los trucos y los efectos especiales que encontrabas en una discoteca normal”. Pero en 1992, cuando el revival acid despegó y el tedio trance se hizo con todo, Force Inc “hizo un cambio radical”, hacia un hardcore orientado al breakbeat que fue un paralelo raro al proto jungle que estaba surgiendo en Gran Bretaña. Szepanski y Force Inc merecen respeto por reconocer tan precozmente el radicalismo del entonces universalmente condenado ‘ardkore. Ellos incluso amaban los tantas veces ridiculizados temas con voces chillones que funcionaban en 1992.

“Quizá era solo nuestra peculiar y retorcida interpretación, pero las vocales aceleradas sonaban como un serio intento de deconstrucción de parte de la ideología de la música pop. Una dimensión de esto fue la utilización de voces como instrumentos o ruido, destruyendo la ideología pop que dice que la voz es la expresión del sujeto humano”.

Así fue como Force Inc se embarcó en su propia “toma indsutrial y abstracta del UK breakbeat”, mezclando sonoridades discordantes con samples angelicales sobre breaks super rápidos, como en el maravilloso “Hells Bells” de Biochip C, disponible en la reciente antología Rauschen 10 de Force Inc. Achim también obtuvo la licencia de temas ingleses como el super sentimental “I Need Your Lovin’” de NRG y material de Force Mass Motion. “Hicimos fiestas geniales, con nuestro DJ amigo Sasha tocando mucho más rápido que los DJs ingleses, a 200 bpm, utilizando un Technics alterado a +40. A esta velocidad era muy abstracto, llegándote como un muro de sonido. ¡Funcionaba bien para nosotros pero para nadie más! Estábamos muy aislados en Alemania”.

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En 1993-1994 Szepanski observaba horrorizado como la cultura rave salía a la superficie en Alemania, con “la vuelta de la melodía, elementos New Age, armonías y timbres insistentemente kitsch”. Con esta degeneración del sonido underground vino la consolidación de un establishment rave alemán, centrado en torno a la organizadora de fiestas Mayday y su sello discográfico Low Spirit, grupos como Westbam y Marusha y el canal musical Viva TV. Las listas de éxitos se llenaron de pelotazos pop techno de Low Spirit como “Somewhere Over The Rainbow” y “Tears Don’t Lie”, basados en melodías de musicales o de la música folk alemana. Y la supuesta alternativa a ésto era música electro trance moribunda y de pobre calidad representada por el también francfortés Sven Vath y su sello Harthouse.

Para Achim, lo que le ocurrió a la escena rave alemana ilustraba los conceptos de Deleuze y Guattari de “desterritorialización” y “reterritorialización”. Desterritorialización es cuando la cultura entra en estado de ebullición (punk, el primer rave, jungle) dando como resultado un avance o un salto hacia nuevos espacios estéticos, sociales y cognitivos. Reterritorialización es la inevitable estabilización del caos en un nuevo orden: la aparición interna de códigos estilísticos y ortodoxias, la cooptación externa de la energía subcultural por la industria del entretenimiento. Szepanski tiene una divertida palabra en alemán para aquello en lo que el rave, en su momento tan liberador, se volvió: ‘freizeitknast’, una ‘prisión de placer’. Experiencias reguladas, ruptura puntual, música predecible: “¡Aburrido!” se burla Achim.

¿Llegaría tan lejos como para apreciar un cierto tipo de estética fascista operando en la cultura rave? “Las técnicas de movilización de masas y creación de conciencia de multitudes tienen similitudes con el fascismo. El fascismo movilizaba a la gente para las máquinas de guerra, la cultura rave moviliza a la gente para las máquinas de placer”.

En 1994, Achim comenzó Mille Plateaux. Del mismo modo que Force Inc funcionaba con y en contra de las demandas de la pista de baile, Mille Plateaux es un tipo de respuesta a la ‘electronic listening music’ y al boom del ambient. Achim ve la producción del sello como la praxis musical de la teoría de Deleuze, dando cuerpo a conceptos como el rizoma (una red de tallos que se conectan lateralmente), en oposición a sistemas raíz jerárquicos (como los que se encuentran en los árboles). En música, rizomático equivale a la idea de Eno y dub de una democracia de sonidos, un desmantelamiento de la clasificación habitual de instrumentos en la mezcla (que normalmente privilegia la voz o la guitarra principal). En vez de eso, dice Achim, hay una “sintetización de sonidos y materiales heterogéneos a través de un tipo de composición que mantiene los elementos sonoros unidos sin hacer que pierdan su heterogeneidad”. Anticipado por el funk fractal y los teoremas de caos de Can y del Miles Davis de los primeros años setenta (los “solos de nadie, solos de todo el mundo”), la música rizomática hoy toma la forma del cut ‘n’ mix del DJ (en su versión más osada o singular), ek avant garde hip hop y el post rock. Y el material de Mille Plateaux, por supuesto.

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Otro rasgo clave de Deleuze y Guattari compartido por Mille Plateaux es un interés por la conciencia esquizofrénica. Achim habla de su admiración del darkside hardcore por su “paranoia” y lamenta la forma en que el jungle intercambió su locura vital por la musicalidad “seria”. “Desde los años cincuenta, en la música concreta, industrial o techno, uno oye diferentes ruidos, gritos, chirridos o pitidos, todos ellos ruidos que uno relacionaría más bien con la locura”, explica. “Los efectos de eco permiten que la alucinación sonoro ocurra, deslocalizan el aparato perceptivo permitiendo que surjan formas de percepción que uno hubiera atribuido previamente a un lunático o esquizofrénico”. Para Achim, así como para Deleuze y Guattari, esta desorientación sensitiva es valiosa, actuando como deconstrucción de la subjetividad.

El año pasado Achim contactó con el mismísimo Deleuze, enviándole material de Oval y otros artistas de Mille, y preguntándole si escribiría un ensayo para la antología de teoría techno que Achim planeaba, Maschinelle Stratageme. El gran hombre le contestó diciendo que no podría hacerlo, pero dio su bendición al sello y le dijo que le gustaba especialmente Oval. “¡Incluso escribió sobre canciones específicas!” exclama Achim. “Tiempo después, el editor de A Mille Plateaux nos dijo que era realmente inusual haber obtenido una carta como esa”.

Poco tiempo después, el enfermo terminal de 70 años Deleuze se suicidó. Szepanski inmediatamente organizó un doble CD tributo In Memoriam Gilles Deleuze. Incluyendo contribuciones de los post rockers estadounidenses Rome y Trans Am, el DJ y filósofo Spooky, una pandilla de viejos aliados de Achim en la escena experimental europea y todos los sospechosos habituales afiliados a Mille Plateaux (Oval, Mouse On Mars, Cristian Vogel, Ian Pooley, Scanner, Gas, etc.), In Memoriam es probablemente lo mejor que el sello ha sacado hasta el momento. Entre los temas más sobresalientes destacan los tejemanejes electroacústicos de Alec Empire en “Bon Voyage”, la música concreta jungle de Christophe Charles en “Undirections/Continuum” y el mosaico drone a lo Cluster de Rome en “Intermodal”.

El ubicuo Jim O’Rourke también aparece, y está trabajando en una especie de proyecto de remix O’Rourke versus Mille Plateaux, utilizando todo el catálogo de Mille como material original. Techno Animal podría hacer también un proyecto de remezcla basado en el concepto “versus”, Techno Animal Versus Reality, que daría cabida a cinco colaboradores, material que será lanzado atrás y hacia delante entre cada artista y el grupo, resultando en algún momento en diez versiones de cinco canciones. Y además está Oval, quienes están actualmente maquinando una especie de escenario Oyente versus Oval: un sistema de autoría digital que permitiría al espectador crear sus propios discos de Oval.

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VA - In Memoriam Gilles Deleuze (CD 1)

1 -Gilles Deleuze  -  Untitled

2 – Wehowsky / Wollscheid  -  Happy Deterritorializations 

3 – :Zoviet * France:  -  On The Edge Of A Grain Of Sand

4 – Alec Empire  -  Bon Voyage 

5 – Cristian Vogel  -  Gigantic Tautological Machinery

6 – Christophe Charles  -  Undirections/Continuum

7 – Atom Heart  -  Abstract Miniatures In Memoriam Gilles Deleuze

8 – Gas  -  Heller 

9 – Chris & Cosey  -  Intro-Spektiv 

10 – J. Burger  -  Wunschmaschinenpark 

11 – Steel  -  Death Is The Beginning 

12 – Blue Byte  -  C’ant Be Still 

13 – Trans Am  -  Starjammer 

14 – Rome  -  Intermodal 

*Este artículo fue originalmente escrito por James Penrose, ideólogo de Magic Waves.

Salvatore Cusato, más conocido en el mundo entero como CASCO, nos ha dejado por esa gran discoteca que hay en el cielo. En Magic Waves todavía estamos en estado de shock y de luto por su perdida. Salvatore fue una figura sin precedentes en la historia de la música y un ser humano maravilloso, le echaremos de menos, mucho más de lo que unas simples palabras puedan expresar. Él fue un maestro para nosotros, posiblemente uno de los más influyentes djs que Italia jamás produjo, y por encima de todo esto, un amigo muy cercano.

Paolo Del Petre, gran amigo y colaborador suyo, se enteró el domingo de la terrible noticia a través de su familia, y quería explicar en primera persona que había sucedido. Paolo quería facilitar a los fans más información y en estos tristes momentos, compartir con ellos algunos recuerdos e ideas sobre la figura de su legendario amigo.

Salvatore ha estado seriamente enfermo desde finales del año pasado, problemas respiratorios y lo que eran los primeros indicios de ser una hernia. Después de ingresar en un hospital para un exhaustivo chequeo, se le diagnosticó una infección de hígado, y algunas semanas después le encontraron varios tumores repartidos por todo su cuerpo, tumores que finalmente le causaron la muerte. Un tipo con una energía increíble, un apasionado amante de la vida con más de 40 años dedicados a la profesión de DJ. Seguro que ahora descansa en paz sin más dolor, y en un lugar seguramente mejor que el que dejo atrás. Como Paolo Del Petre nos dijo ayer: “Estoy seguro que está en el Paraíso ahora, mirándonos desde allí “.

Salvatore, o Salva, como era conocido entre sus amigos, descubrió el arte de pinchar en 1971, tras decidir (algo que repitió mucho a lo largo de los años) que la música era toda su vida. En esos días mezclaba básicamente Glam Rock, pero en seguida se convirtió al mundo de los sintetizadores tras coincidir en las ciudades de Chemin y Medel con un joven Giorgio Moroder, quién empezaba también entonces su carrera musical. Tuvieron varios encuentros en esta época, siempre hablando sobre música y de hecho, Moroder era un fijo entre la masa danzante cuando le tocaba pinchar a Salvatore.

En 1977 Salvatore ya mezclaba un estilo que se anticipaba a todo lo que vendría después, en relación a la música Disco italiana, pinchando solo las partes más sensibles, dulces melodías sacadas de tracks americanos, sentando las bases para las primeras producciones de disco italianas que surgirían a partir de 1978 y sobre todo en los años venideros. Un gran ejemplo de todo esto, una cinta casete BASF grababa en 1977 en Medel.

CASCO – Medel (Italia, 1977)

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En 1980 Salvatore era ya contratado para pinchar en clubs por toda Europa, derrochando tanta energía, pasión y responsabilidad que llegó a ser muy reconocido y apreciado en cualquier lugar que visitaba, viajando con su pequeño coche repleto de vinilos y conduciendo por todo el continente, haciendo habitualmente entre seis o siete sesiones, de siete horas cada una, por semana. Otro buenísimo ejemplo de su personal estilo, la primera noche que pinchó en la Discoteca Dillans de Suiza en 1981….

CASCO – Dillans Discotheque (Suiza, 1981)

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En 1983 decide tomar el sobre nombre de CASCO, y produce el clásico de Italo-Disco “Cybernetic Love”, inspirado en el tiempo que había pasado en la carretera con el legendario grupo francés Les Rockets, haciendo las veces de tour manager. Lo que el mismo consideraba que había sido un fracaso (vendiendo en sus propias palabras “solo 20.000 copias”), con el tiempo alcanzó el status de disco de culto, llegando a ser uno de los temas definitivos de todos los tiempos del Italo, con fans que amaban ese tema en cualquier rincón del globo.

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Por supuesto, en 1983 Salvatore estaba totalmente metido en el Italo-Disco. Este eléctrico set grabado en la discoteca Piranha es su testamento perfecto de cuanto de pionero tenía por aquella época. El tracklist era casi imposible de obtener, por el tipo de Italo que pinchaba, apenas conocido en aquella época, pero que reviviríamos muchos años después gracias a la ayuda de gente como I-F …

CASCO – Piranha Discotheque (Italia, 1983)

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“Cybernetic Love” salió publicado en el sello House Of Music y Salvatore echó allí también una mano en muchas de las producciones que publicó el sello, destacando lanzamientos como el de Carlo Favillo y Paolo Del Petre (que como B.W.H publicaron el clásico “Stop/Livin´Up”) y Mr. Master con su “A Dog In The Night”. Salvatore era muy modesto respecto a su participación en esos temas, donde fue crucial su ayuda en la fase de arreglos y de mezcla, gracias a su experiencia y perspectiva como DJ, para así moldear el tema para que funcionase perfectamente en la pista de baile.

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Durante la década de los ochenta, Salvatore pinchó y produjo incansablemente, coincidiendo con el final de la época del Italo y los últimos sonidos del House y el Acid. Su vida como productor, resume de muchas maneras toda la época clásica de la música italiana de baile: él siempre estuvo al frente, guiado por su pasión y su amor por la música y el baile. Algunos ejemplos más de su trabajo…

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Finalmente se estableció en Suiza, en Martigny, involucrándose además en otras áreas de la industria musical, convirtiéndose en manager de algunos artistas muy conocidos a lo largo de los años, desde Bobby Farrell a Boney M, por citar solo algunos de su larga lista de colaboraciones. Además participó como editor musical y escribiendo ocasionalmente artículos para la prensa musical.

Al llegar el siglo XXI ya había comenzado el revival con los sonidos de ese Italo con el que Salvatore estuvo tan implicado, y “Cybernetic Love” trajo consigo toda una nueva generación de fans absolutamente impresionados con su música. Puedo recordar cómo me decía lo asombrado que estaba y cuanto feliz le hacía el hecho de que su música hubiera sido redescubierta de nuevo, se dió cuenta de que ese proyecto que tanto había cuidado triunfaba al final inxeplicablemente.

Nuestro primer contacto con Salvatore fue en 2006, cuando me escribió un mensaje intrigado por los motivos que me habían llevado a incluir a Salvatore Cusato (además de CASCO) en mi lista de influencias musicales. A partir de esta conversación, dos generaciones de amantes del Italo-Disco forjaron una profunda amistad que fue lo más importante para nosotros, además de ser el punto de partida para comenzar Magic Waves como programa de radio y nuestro objetivo mutuo de mostrar al mundo la verdadera música Italo.

No hubo mejor manera de comenzar esta historia, un pequeño programa de radio dirigido por fans, además de tener al mismísimo CASCO con nosotros. Aprendimos muchísimo de esa colaboración a lo largo de los años, y personalmente fue el mejor mentor musical que nunca pude haber tenido, dándome grandes consejos ante cualquier situación en la que me encontrara. Pero, más importante que todo esto, él era leal, cariñoso, querido, generoso y un maravilloso amigo, no solo conmigo, sino con todo aquel que estuviera en contacto con nosotros, en seguida notaba su encanto natural, su buen humor y su increíble sentido de la diversión.

Uno de mis más preciados recuerdos es el de la primera vez que le trajimos a pinchar a Londres. Nunca antes había visto una audiencia con semejante carga de emotividad, se volvían locos con cada tema que pinchaba, algunos casi derramando algunas lágrimas mientras bailaban. Y estaba sucediendo en Londres, mi casa, una ciudad donde es casi imposible encontrar desde los ochentas ningún tipo de reacción emotiva en una pista de baile. Durante todo su set Salvatore nos demostró que era posible, animándonos a que nos atreviéramos a soñar y a hacer realidad ese sueño.

A continuación un pequeño fragmento de su sesión de esa noche:

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Fue también un placer y un honor incomparable el tenerle como cabeza de cartel en nuestro primer festival. Actuó no una vez, sino dos esa noche (en ambas, dos horas de sesión como CASCO y un live con Alex Novaga), ¡además se pasó gran parte del principio de la noche en la entrada, agradeciendo prácticamente a todos los asistentes su presencia en el festival!

A continuación una entrevista llevaba a cabo esa noche, donde explica su filosofía musical:

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Salvatore vió llegar el Italo Disco, cambiar, desaparecer y renacer a lo largo de una carrera profesional que abarcó cuatro décadas. Él vivió para todo aquello que fue, desde un DJ mundialmente reconocido a un productor durante todos estos años míticos, también detrás de la escena, como manager o editando. En cierto sentido ha sido la personificación misma del Italo Disco, y como tal nos deja un inmenso legado y un espacio que no puede ser ocupado por nada más. Su mensaje siempre estará en la vida y en la música, y para recordarle estamos de suerte porque solo tenemos que escuchar de nuevo cualquiera de sus temas o de sus mixes.

Adiós querido y estimado Salvatore, ahora estás con la música en eterna paz.

“Cybernetic Love” siempre para ti…

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MAGIC WAVES LIVE SHOW IFM1 (07-02-11) – CASCO TRIBUTE

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special tribute show to Salvatore Cusato aka Casco…

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01. MARK DU MOSCH – In The Clouds
02. ALEXANDER ROBOTNICK – Problemes D’Amour (demo version)
03. ALEXANDER ROBOTNICK – Problemes D’Amour
04. ESAVU – Breakin’ Up (Sia-Siou)
05. KANO – I’m Ready
06. CYBER PEOPLE – Polaris

———CASCO – Piranha Discotheque 1983 Live Mix——-

07. TIME – Shaker Shake
08. CASCO – Cybernetic Love
09. O’GAR – Playback Fantasy
10. KLAPTO – Mister Game
11. MY MINE – Hypnotic Tango
12. J.D. JABER – Don’t Stop Loving
13. GARY LOW – I Want You
14. JODY J – Les Americains
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15. B.W.H. – Stop
16. MR MASTER – A Dog In The Night (Casco instrumental edit)
17. B.W.H. – Livin’ Up
18. BLACKWAY – New Life
19. CASCO – Cybernetic Love
20. JESSICA BLUE – The Dark Of Light
21. FLO ASTAIRE – Monkey Monkey
22. CAMARO’S GANG – Fuerza Major
23. LOS ANGELES TF – Magical Body
24. BLIND DATE – Your Heart Keeps Burning
25. BLIND DATE – Your Heart Keeps Burning (Sunny Afternoon Mix)
26. O’GAR – Playback Fantasy
27. TIME – Shaker Shake
28. KLAPTO – Mister Game
29. MR FLAGIO – Take A Chance
30. CHARLIE – Spacer Woman
31. GIORGIO MORODER – The Chase
32. Q – The Voice Of Q

CASCO – Italo Selection For Magic Waves

italo disco radio show created by Salvatore Cusato aka CASCO for MAGIC WAVES in 2007

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Entrevista con CASCO (I)

Entrevista con CASCO (II)

El movimiento feminista lleva desde los años 70 organizando manifestaciones y acciones directas al abrigo del colectivo Take Back the Night, también conocido como Reclaim the Night, para reivindicar el derecho de cualquier mujer a moverse libremente tanto de día como al caer la noche sin ser objeto de abuso o violencia sexual. El primer encuentro bajo este lema tuvo lugar en Bélgica, en 1976. Pronto se replicaron manifestaciones similares, formadas por grupos de mujeres que portaban velas y pancartas contra la violencia nocturna contra las mujeres, en otros lugares del mundo. En Roma el mismo año, en Alemania Occidental y en Inglaterra en 1977.  En Estados Unidos en 1978. En ocasiones la protesta surgía a partir de movilizaciones feministas más generales. En otras era consecuencia de la rabia y la desolación ante episodios repugantes, como en el caso inglés, que venía provocado por el asesino y violador en serie Peter Sutcliffe.

Aunque Reclaim the Night ha ido ampliando su radio de acción, sumando a su denuncia del miedo y el peligro que injustificadamente encuentran las mujeres en la noche otras formas de violencia sexista presentes en la sociedad, su leitmotiv sigue teniendo que ver más de treinta años después de su origen con los abusos cometidos al amparo de la oscuridad, de las discotecas, de una vuelta a casa sola tras la fiesta que puede convertirse en un infierno. Alguna de las más recientes movilizaciones han seguido teniendo que ver con la violencia contra mujeres de noche, como la que tuvo lugar en Ipswich tras el asesinato de cinco prostitutas. La demanda the Reclaim the Night no es baladí, su importancia no puede relativizarse, no se trata de una consigna feminista aislada. Hay encuestas que arrojan datos tan demoledores como que el 95% de las mujeres no se sienten seguras en la calle de noche, el 73% teme ser objeto de violación y cerca de la mitad a veces no quiere salir de marcha por miedo.

El mundo de la música electrónica da también, lamentablemente, cobijo al acoso y la violencia contra la mujer. Se trata de sonidos que por su propia naturaleza están irremediablemente unidos a la noche. A veces, los propios eventos son especialmente propicios para el abuso. En las raves, entornos donde disfrutar de la música de forma libre y autónoma, han tenido lugar violaciones en numerosas ocasiones. Ocasionalmente su denuncia, como recientemente en Canadá o en Inglaterra, nos hacen ser conscientes del problema. Pero es muy habitual que no se presenten cargos cuyo conocimiento nos haga estar alerta, o simplemente miramos para otra parte, dejando que esta ignominia se siga desarrollando delante de nuestras narices, sistemáticamente.

Por eso es importante alzar la voz y reivindicar el derecho de cualquier mujer a disfrutar libremente el techno, de bailar breaks o de acercarse sola a una fiesta en la periferia sin sentirse amenazada. En este sentido, las palabras de Andrea Dworkin en 1979, preparadas para un speech en un acto de Take Back the Night y recogidas en su artículo The Night and Danger, son especialmente clarificadoras.

“Se supone que especialmente nosotras las mujeres debemos tener miedo de la noche. La noche trae promesas de daño a la mujer. Para una mujer, caminar sola por la calle de noche no solo supone ponerse en riesgo de abuso, sino también (de acuerdo a los valores de la dominación masculina), pedirlo. La mujer que transgrede las fronteras de la noche es una proscrita que rompe una regla elementarl del comportamiento civilizado: una mujer decente no sale, especialmente no sola, especialmente no únicamente con otra mujer, de noche. Una mujer fuera en la noche, sin restricciones, se considera una puta o una zorra engreída que no conoce su lugar. Los policías de la noche (violadores y otros merodeadores) tienen el derecho de aplicar las reglas de la noche: acechar a las hembras y castigarlas. Todas hemos sido perseguidas, y muchas de nosotras hemos sido cogidas… Debemos hacer uso de nuestra fuerza colectiva y pasión y resistencia para recuperar esta noche y cada noche para que la vida merezca la pena vivirse y para que la dignidad humana sea una realidad.”

Más información:

http://www.reclaimthenight.org

http://www.takebackthenight.org

http://en.wikipedia.org/wiki/Take_Back_the_Night

“Estamos sentados alrededor del fuego sagrado, en la playa de Anjuna, en Goa. Cuando llegamos, este lugar estaba completamente virgen, fue entonces cuando creamos una manera de vivir que era la mejor para nosotros entre el Este y el Oeste. Desarrollamos el concepto de redefinir los rituales tribales ancestrales para el nuevo siglo XXI e intentamos utilizar las fiestas como la perfecta situación para elevar la conciencia a través de la experiencia de bailar trance. No era algo nuevo, cada grupo tribal desde el principio de los tiempos había practicado esto. El uso de la música y el baile para evocar al espíritu cósmico, y cada uno rejuvenecerá y  cicatrizará sus heridas, incluso la madre Tierra. Nosotros hemos desarrollado una idea similar que será aceptaba por la juventud de hoy” Goa Gil.

Las palabras de Goa Gil sientan la base de un movimiento que tuvo en la electrónica y el trance una manera de expresión y de entender la vida. La historia del trance pasa inevitablemente por Goa y sus paradisíacas playas, un santuario hippie de espiritualidad, que con el tiempo fue testigo del nacimiento y total eclosión de una manera de entender el baile y la música casi ancestrales.

Hippies en Goa.

El movimiento hippie vivirá su particular vía crucis al final de la década de los sesenta. Pasado el subidón de utopía, todo se desmorona. La magia y los ideales pragmáticos se dan de bruces con la realidad. El huracán de fuerzas creado en Woodstock ha pasado de largo y todo sigue igual, incluso peor. A finales del verano del sesenta y nueve, los Rollings dan un concierto gratuito en San Francisco, donde muere un fan asesinado por los Hell´s Angels, salvajes moteros que se encargaban de la seguridad, y que no hacían buenas migas con el movimiento hippie, más bien todo lo contrario. Hubo serios altercados que tiñeron de rojo el sueño hippie. Todo cambió a partir de aquí. Por aquel entonces Nixon era el presidente y Reagan el nuevo gobernador en California, lo que no presagiaba nada bueno para las libertades individuales.

Los más intrépidos ya abandonaron Estados Unidos al principio de los sesenta, hipnotizados por la beat generation, pero la huida masiva se produjo a finales de los sesenta. Estaba muy de moda entre ciertos círculos contra-culturales el movimiento new age, basado en la búsqueda interior y los cultos ancestrales, y tras la pérdida de San Francisco como santuario hippie, muchos de ellos buscaron en África (Marrakech fue uno de sus centros neurálgicos al principio) y sobre todo en la zona de la India, Nepal, Indonesia o Filipinas lugares donde encontrarse a ellos mismos, alejados del yugo de Occidente. Muchos jóvenes americanos que vivían con desasosiego la incertidumbre de sus vidas y de su futuro, se vieron empujados hacia la búsqueda de un nuevo mundo donde sentirse libres, lo dejaron todo y con lo puesto en muchos casos, se lanzaron a la caza de un edén mitificado, de la pureza y de la paz terrenales en unos lugares donde resultaba muy sencillo perderse y romper cualquier contacto con la civilización. Incluso los Beatles partieron hacia la India en busca de la inspiración y el misticismo perdidos, en un último intento de salvar a un grupo que ya estaba herido de muerte.

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Muchos de ellos empezaron a reunirse en navidad en las idílicas playas de Goa, en la India. El clima tan apacible que se vivía en invierno (no menos de 20 grados) propició que el lugar se erigiera como un punto de encuentro donde todos los hippies y travellers de la zona se reunían para contarse sus aventuras y vivir juntos el fin de año.

Goa era un lugar especial no solo por su clima. Situado a 350 km de Bombay, la zona había pertenecido a los portugueses desde 1510, quienes no se movieron de allí, exceptuando pequeños periodos de ocupación inglesa, hasta 1961, cuando la Armada India se anexionó el territorio. La presencia de los portugueses durante más de 450 años tuvo un fuerte impacto en la vida cultural de Goa, no solo por las muchas iglesias católicas que dejaron en la zona, sino también en el arte y en la cocina. La multicultural historia de Goa propició la total tolerancia de los locales con la nueva ocupación hippie, atraídos por las vírgenes playas, el misticismo y la total libertad para fumar marihuana, consumo que era legal hasta que a mediados de los setenta la presión del gobierno americano hizo endurecer algo las permisivas leyes indias. La influencia y el poder del tío Sam no tenían límites.

Muchos de aquellos hippies que solo estaban de paso comenzaron a establecerse en la zona de influencia de Goa, vieron en seguida que allí podían vivir sin hacer nada, construyendo sus cabañas en la misma playa, viviendo de la amabilidad de los habitantes locales o vendiendo la artesanía que ellos mismos realizaban; sin electricidad, sin medios de transporte mecánicos salvo un autobús que atravesaba de norte a sur una vez al día.

Habían encontrado su propio paraíso, la nueva Babilonia. Danzaban desnudos en grandes hogueras bañados en LSD, vivían en pequeñas comunas, practicaban yoga y purificaban su alma en los diferentes ritos espirituales locales, haciendo kriyas, pranayama, profundas meditaciones durante largas horas en sus lugares favoritos, que solían ser las playas de Anjuna y Baga. En 1975 se  inaugura el “Mercado de las Especias”, un lugar de reunión y de intercambio de comida y artesanía donde acudían todos los hippies de la zona a pasar el día. Comenzaron las primeras fiestas celebradas siempre en luna llena en la playa o perdidos en la selva, bajo el influjo del rock psicodélico: Neil Yong, The Eagles, The Doors, Pink Floyd, Jetro Tull, Grateful Dead o Jimmy Hendrix. Las cintas de casete dan paso a los conciertos en directo, se improvisan pequeños escenarios donde los propios hippies dan rienda suelta a sus delirios en infinitas jams, que a veces duran varios días. Se establece una comunidad de auténticos fanáticos del rock psicodélico, coleccionistas de rarezas  llegados de todo el mundo que intercambian sus cintas en busca del santo grial de la psicodelia. Lo llamaban entre ellos “special music”.  

Las nuevas drogas que colonizan Occidente llegan también a Goa. Se introduce en la isla la cocaína y sobre todo la heroína traída de Pakistán por algunos hippies que hacen allí parada antes de llegar a Goa. “Mr. Brownstone” comienza a causar estragos entre los nuevos buscavidas. El movimiento hippie ya no es tan bien visto por las autoridades indias, que lo idealizaron durante un buen tiempo, pero que ahora comienza a representar un serio problema en las playas de Goa, con hippies traficando y perdiendo el norte por todas partes sin aportar ningún tipo de ingreso directo.

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Musicalmente también se produce un notable cambió. Llega a Goa una nueva generación que ve en el rock setentero algo desfasado, pasado de moda  y de otro tiempo. Los jóvenes quieren bailar, la electrónica se hace paulatinamente con las playas de Goa. Bandas como Kraftwerk o Tangerime Dream siempre habían estado presentes, pero ahora su influencia es total, estableciendo una conexión directa con la vanguardia electrónica alemana. Los dj´s comienzan a ser los nuevos héroes de la historia, selectores que pondrán la banda sonora y que tendrán su importancia en la creación posterior del trance.

Primeras fiestas electrónicas: Laurent y su legado.

A principios de los ochenta vuelve el consumo de LSD y de todo tipo de alucinógenos en detrimento de la heroína y otras drogas duras, dato importante que cambiará también la manera de interpretar las fiestas y de relacionarse. A partir de aquí se torna más complejo encontrar el rastro que nos lleve a la génesis del trance, ya que serán muchos los protagonistas que paulatinamente iran introduciendo la electrónica en Goa, proliferando las fiestas que se celebran hasta que a finales de la década éstas serán ya una constante.

Goa Gil pertenecía al grueso de hippies llegados a principios de los 70´s directamente desde San Francisco. Allí ya ejercía de músico y apareció por Goa buscando meditación y fiesta. Él fue uno de los primeros en tener su propio garito, el Music House, donde él mismo pinchaba mucho rock y reggae, y que contaba incluso, con un pequeño escenario que ellos mismos se habían construido en la playa, para los conciertos psicodélicos de bandas formadas por ultra fans del género que vivían en la zona y que gustaban de tocar hasta las cejas de ácido. Goa Gil cuenta en más de una entrevista que cansado de la escena y tras una estancia en Londres, donde fue cliente fijo de Rough Trade, apareció por Goa dispuesto a introducir toda aquella nueva escena de ebm alemana, ritmos en los que él veía una forma de espiritualidad ancestral, misticismo bajo el yugo de Nitzer Ebb, Front 242 o Frontline Assembly.

Fred Disko también se erige como uno de los primeros, no en vano, el apodo de “Disko” se lo pusieron en honor a sus primeras sesiones electrónicas bajo el cielo indio. O Ray Castle, un inglés que había tocado la harmónica en bandas de blues, que había sido promotor en Londres organizando noches de new wave y punk, y que se metió a dj a principios de los 80´s pinchando funk, ska, disco, los primeros esbozos industriales y electro. Él también acabó bajo el embrujo de Goa pinchando electrónica en sus fiestas a principios de los 80´s. Por aquel entonces había muchos djs que comenzaron a destacar, nombres como el de Swiss Rudy, Yentz, Tattoo Andie, Ollie Wisdom o Mark Allen, pero quizás al que todos los testimonios señalan como el verdadero mesias fue un dj francés llamado Laurent, quien pasaba por Goa de camino a Paris y tras ser víctima de un robo (se quedaron él y su novia sin billete y sin dinero para volver) comienza a pinchar las cintas que llevaba en su mochila, cintas que se abastecían de new beat, de ebm, de electro, de synth pop, de disco, de italo, del primer techno de aire industrial tipo Techno Drome.

Esa misma música comenzaba a predicarse en muchos lugares de Europa, pero pinchada de una manera muy diferente. Laurent adaptaba su música al gusto de Goa, al ambiente ancestral y místico de sus playas y de su luna llena, troquelaba a su gusto las interminables sesiones, seleccionando perfectamente la música dependiendo del momento del día, buscando llevar a los danzantes a una especie de trance, de estado alterado de sus conciencias, cortando y editando las partes que no le gustaban, la mayoría vocales, y enlazando con total precisión los momentos más duros y psicodélicos de sus temas, introducendo mensajes, voces, matices nuevos creando una atmósfera que bajo el efecto del LSD se volvía única e irrepetible. Una comunidad perfecta de danzantes que bailaban al unísono y que compartían el mismo estado de felicidad y fascinación.

Muchos de los que estuvieron aquellas fiestas recuerdan que a pesar de frecuentar garitos en Londres o en Bélgica con gustos musicales parecidos, en las sesiones de Laurent les costaba mucho reconocer los temas. Laurent era muy amigo de las caras B, de las intros que ponía y quitaba donde quería, de jugar y de crear algo completamente diferente. Laurent se parapetraba siempre a un lado, sentado tras una mesa con todo material, colocando los altavoces en tal disposición que la música se oyera por todas partes, (a diferencia de lo que pasaría después, cuando el dj pasa a ser el centro de la fiesta y los bafles eran acondicionados conformando un cuadrado imaginario donde todos danzaban a su alrededor), junto a unas pocas luces, alguna máquina de humo y decoración colorida al estilo hindú.

El espíritu de Shiva coloniza el mundo.

A partir de 1985 todas las fiestas que se celebran en Goa son de música electrónica. Comienza a forjarse la leyenda, y un fenómeno que a partir de aquí será ya imparable. Como pasará con el Loft de Mancuso o con el Music Institute, el virus de aquellas fiestas se extiende por todo el mundo. Muchos de los que caen rendidos a la magia de Goa intentan evocar aquellos días y aquella misma atmósfera única en otros lugares. Por ejemplo, Fred Disko celebra las primeras fiestas Goa en el Nepal en 85 y en Tailandia en el 87. Ray Castle las llevará a Europa entre 1987 y 1991 bajo el nombre de Pagan Productions (Amsterdam y Berlín); en Manchester y Londres también se celebran fiestas Goa; en Israel causan furor en seguida; en Japón, donde celebran las primeras fiestas en el 87, lo que acabarán siendo las míticas Techno Tribe/Equinox a partir del 90. Incluso hay testimonios de fiestas Goa en Sydney y Melborne celebradas antes de acabar la década de los ochenta.

Está claro que aquella manera de entender  el baile, las drogas, los ritos ancestrales y la naturaleza necesitaba de su propia música. El cambio fue progresivo e imparable.  A finales de los 80´s los sellos belgas y alemanes que proveían de música a Goa comienzan a acelerar sus temas en lo que se conoció como Techno de Frankfurt. Sellos como New Zone, Antler-Subway, KK Records, Boy o ZYX cambian en parte su sonido introduciendo una mayor progresión rítmica y una energía endiablada, utilizando los mismos elementos de la EBM, oscuridad y dejes industriales, pero a una velocidad superior de bpms, siguiendo la tendencia general de acelerar los beats.

Aquí seguramente esté el embrión de una música que buscaba en el techno su fuerza y en la melodías propias de la new age su base espiritual. Una especie de unión imposible entre la naturaleza innata de Detroit , el space rock de los Cosmic Jokers y las melodías del “Trancefer” de Schulze o del popular “Oxygéne” de Jarre. En el 1989 encontramos ya verdadero proto trance en temas como Melt “Radioactivity”, que ahondaban ya en un sonido progresivo e hipnótico que se alargaba más allá de los diez minutos, algo que será una de las señas de identidad del trance.

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Entre 1990 y 1992 aparecerán por toda Europa temas que profundizan en este tipo de sonido, primeros intentos de producir una electrónica mucho más progresiva, melódica y en muchos casos ácida.  Atrás quedan algunos primeros intentos casuales más o menos serios de un primer trance con doce pulgadas como el The Age of Love (que no será hasta bien entrado el 92 con la remezcla de Jam&Spoon cuando alcance el status de mega hit trancero) o Dance 2 Trance (en las sesiones de Laurent era un fijo el “Where is Dag” al amanecer), pero no será hasta poco después que surgen  muchos más trabajos que van mucho más allá en su espectro de sonidos  y que  comparten sin saberlo señas de identidad de un futuro género.

Nombres como Resistance D, Time Modem, Stardiver “Lifetime Mision”, Cosmic Baby, The Overlords y su “Sundown” , Paracult y “Terminate The 2nd Fight”, Komaniko y su “Sector One”, Near Dark “Heute Ist Ein Guter Tag Zu Sterben”, (o cualquiera de los proyectos de Torsten Fenslau de esa época), Voov “Bonus 3-D Trance” (y por ende casi todo lo que comenzó a publicar el sello MFS durante esta época), Turntable Hoschis “Psychic Complex”, Microbots  y su serie “Chip”, Eden Transmission “I´m So High”, SFX (futuros Astral Projection) y por encima de todos los influyentes S.M.I.L.E y su “Goa EP”, toda una declaración de principios, y Trilithon y su “Trance Dance 128”, que comienzan a crear mucho más conscientemente un sonido psicodélico, orgánico y atmosférico que exportado a las playas de Goa encaja a la perfección como banda sonora hedonista y reconstituyente.

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¿Pero qué influencia directa tuvo Goa en la génesis de este nuevo trance facturado en Europa? La mayoría de los autores dejan entrever que fue en Alemania donde independientemente surgió este movimiento electrónico y que de allí surgió un subgénero en tierras indias conocido como Goa trance.

En Loops podemos leer sobre el origen del trance:” … aunque su origen debe buscarse en Alemania. El Dj Sven Väth, con pasado en la EBM y el new beat, había abierto en Frankfürt el club Omen, en el ochenta y ocho, y a partir de la ecléctica selección de su maleta (imports de Detroit, el primer house, hardcore belga) se gestó un sonido que primaba las evoluciones en espiral y los efectos de sonido.”

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Parece patente que uno de los primeros precursores de este sonido fue Sven Väth. Si está claro que desde su factoría de Hardhouse y de Eye Q a partir del 1992 se facturaría en masa y con toda la intención del mundo producciones de toda una legión trancera formada por gente como Brainchild, Arpeggiators, Spicelab (tras quien estaba Oliver Lieb) o Hardfloor, pero también es cierto que existía una fuerte conexión entre el chamán del Omën y Goa.

El fiestero de Sven era un fijo de Goa, había aterrizado allí a mediados de los ochenta y aquella experiencia sin duda influyó en su música y en su manera de entender la noche, sobre todo con las sesiones de Laurent. Está claro que el Omën, (el mítico club que junto al Dorian Gray monopolizaron el primer techno alemán y el posterior boom trancero), era una versión de lo que había vivido en Goa, alargando sus noches en días en maratonianas sesiones que serían su sello de identidad durante esos años. La fascinación por todo aquello llevó a Sven a plantarse incluso en sus playas con más de 150 kgs de equipaje entre vinilos y demás parafernalia para intentar montar sus propias fiestas allí, pero olvidó que la alta humedad, el polvo y demás condiciones adversas impedían que los djs pinchasen con vinilos, por lo que durante las épocas doradas las fiestas en Goa eran a base de Dats y cintas de casete. En aquel tiempo Goa destruía el ego de los dj´s europeos.

Sven no pudo hacerse un hueco en la escena local, por lo que tuvo que cumplir ese sueño desde Frankfurt, montando su propia y personal versión. En 1992 lanza uno de los LP´s seminales del género, “Ancients in Paradise”, donde intercala trallazos de trance con ambient y momentos más espirituales, ayudado por grabaciones que el propio Sven realizó en Goa.

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Trance en Goa

Por lo tanto debemos volver la vista a Goa para encontrar allí los primeros intentos de hacer una música autóctona. En diciembre de 1989 Infinity Project (Raja Ram y Graham Wood) realizan su primer live con temas propios, pero hasta 1991 no consiguen sacar a la luz sus primeros 12”, algunos con temas como “Hyperactive”, que contiene ya todos los elementos propios del trance facturado en Goa y que sin duda es más psicodélico que el que comienza a distriburise en Alemania. En 1991 también aparece otro tema legendario que hace completa referencia a Goa, producido por Electrotete (Ben Atkins y Nick Burton, germen de Juno Reactor más Stephane Holweck, quien formaría más tarde los legendarios Total Eclipse) y su “Anjuna Dawn”. Muchos serán los productores que pasan largas temporadas en Goa, donde algunos montan incluso aquí sus pequeños estudios caseros, algo que será muy normal en los años venideros, creando una muy activa escena local, establecienco cierta división sonora entre los artistas que producen sus temas en tierras indias y testan en las fiestas de allí sus temas y los que influenciados también por su sonido lo adaptarán más al gusto europeo predominante, al estilo Harthouse u Overdrive.

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Otras fuentes también apuntan a KLF y su serie de 1988 “Pure Trance” como unos de los primeros en utilizar el vocablo en cuestión. Aunque sonoramente no tuvieran mucho que ver con lo que se cocía en Goa, sí que existe una línea que los conecta directamente con tierras indias. Jimmy Cauty compagina KLF con The Orb, donde juega un papel importante la figura de  su amigo y colaborador en puntuales proyectos Martin Glover, (cofundador de Killing Joke, mítico grupo post punk), uno de los nombres importantes en la historia del trance por su participación y protagonismo en la historia.

Los viajes de Glover a la India son constantes. En esos viajes a Goa retoma una antigua amistad con Ben Atkins con quien ya había trabajado en el 85 y quien le introduce en el misticismo trancero, al ser otro apasionado como él de los ritmos hipnóticos y tribales. Al regresar a Londres, abducido por todo lo que ha experimentado, ficha a unos tótems de las free partys como Spiral Tribe (que ya incluían partículas de proto trance entre la maraña salvaje de techno y harcorde) para su pequeño sello Butterfly (donde también publicarían gente como System 7), y se atreve a lanzar un primer proyecto propio conocido como Flight, trance primerizo junto a otro de los legendarios de la escena, Simon Posford (Hallucinogen más tarde).

En  1991 Glover ya tiene fichados para Dragonfly (su nuevo proyecto y a la vez el primer sello inspirado completamente en Goa) a Infinity Proyect, pero no es hasta 1993 (1992 Youth lo paso casi por completo ocupado en él come back de Killing Joke) cuando se saca de la manga el primer recopilatorio, “Project II Trance“ con nombres de la zona que recoge temas producidos en su mayoría entre 1991 y 1993, en un primer intento de contextualizar una música y una escena de goa trance a unas velocidades ya propias del género que rondaban los 130-140 bpm.

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Otro de los grupos interesantes en Goa era Eat Static de Joei Hinton, que también comenzaría su actividad en esta época, llegando a publicar trallazos de Goa en el 92 como “Almost Human” y que viajaba a la India y a Goa con mucha asiduidad para grabar samples para su grupo de entonces, Ozric Tentacles. Eat Static era algo así como la versión electrónica de Ozric Tentacles, el grupo donde Joei tocaba los teclados y que mezclaba rock con futurismo y psicodelia, aspectos muy del agrado del gusto local, donde ya era considerado un grupo de culto.

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Otro de los tipos que había vivido la metamorfosis hacia el sonido de Goa era Martin Freeland, más conocido como Man With No Name. Desde los 80´s andaba en innumerables proyectos de toda índole, produciendo desde techno a deep house, teniendo cierta repercusión en el 88 con Pozitiv Noize  aprovechando la ola de acid house que barría U.K.  Poco a poco iría transformando su sonido hasta el “Paint A Picture” del 93 que marca la genealogía del trance más psicodélico y que le catapultará directamente a la órbita de Dragon Fly, donde se convertirá en uno de sus más reputados artistas.

En 1993 el boom del trance será total. No solo Alemania y Bélgica abrazarán en masa el nuevo sonido, sino que productores afincados en cualquier rincón del globo comienzan a facturar goa trance, (desde Blue Planet Corporation en Francia o los japonenes de Blissed,  a todo el núcleo duro del sello Psy-Harmonics en Australia, donde la escena es ya una realidad con proyectos consolidados como Third Eye o Zen Paradox), con un sinfín de nombres entregados a la causa trancera entrando en escena:  Juno Reactor, Total Eclipse, Astral Projection, Kode IV (ahora con Goa Gil en sus filas quien ejerce una enorme influencia en el cambio de rumbo del grupo), Simon Posford, Slinky Wizard, Doof, Green Nuns Of The Revolution, Etnica, Cosmosis, Syb Unity Nettwerk, Kero… o sellos dedicados solo al sonido de Goa como los influentes TIP Records, Flying Rhino, Transient, Phantasm, Blue Room, Krembo, Matsuri, Platipus, POF, Psychic Deli, Spirit Zone…

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En Goa las cosas también han cambiado. Aquellas fiestas que eran un secreto para unos pocos pasan a ser un fenómeno global. El público que asiste a las fiestas que se celebran en cualquier rincón de Goa crece de manera descontrolada, ravers que han masificando las playas y que ya no buscan misticismo ni culto interior. Para algunos, a partir de aquí también se pierde el eclecticismo musical que había hecho vibrar los corazones de los travellers y hippies de la zona. La música se homogeneiza, se pierde creatividad y se uniforma el sonido, la decoración, los clubbers, se estandariza la misma estética trancera. La esencia mística del lugar se esfuma como por arte de magia, se comercializa como reclamo turístico para todo tipo de ravers aventureros de todo el mundo atraídos por las fiestas interminables y la droga que corre libre por la zona. Los lugareños abandonan la agricultura y la pesca y se dedican a la venta ambulante, a los servicios para los turistas o a la hostelería.

Las autoridades se verán en encrucijada de prohibir las fiestas (durante algún tiempo entre el 91 y el 92 persiguen con mano dura las raves) pero al final no les queda otra que no dejar escapar un oportunidad de negocio como esa, haciendo la vista gorda y permitiendo cierto desmadre en sus tierras de turistas con los bolsillos llenos. Son numerosos los artículos que se escriben, los reportajes en la BBC y otras televisiones que quieren explicar qué está pasando, creciendo de manera exponencial el interés por Goa, que pasa a ser la meca de la fiesta y destino estrella en muchas agencias de viaje de todo el mundo. El trance se acaba convirtiendo en eso mismo de lo que estuvo huyendo y renegando durante su corta vida, en un negocio, perdiendo toda la parte mística, romántica y espiritual que pregonaban sus mentores.

En una fría mañana de diciembre de 1994, se emite en la conocida BBC Radio One un Essential Mix titulado “Goa Mix“, mezclado y seleccionado por Paul Oakenfold. Un mix que pasaria a la historia de los Essential Mix (sería votado el más popular de toda la serie por sus oyentes) y en el que el sonido de Goa es el eje central de la historia. Las playas de Anjuna y sus fiestas se colaban en los hogares de millones de jóvenes en todo el mundo en formato edulcorado apto para todos los públicos.

“Desde el principio de los tiempos el hombre ha utilizado la música para bailar en comunidad con el Espiritu de la Naturaleza y el del Universo. Nosotros utilizamos la música Trance y la experiencie del baile para desencadenar una reacción en cadena en la conciencia” Goa Gil.

Laurent – Goa (87)

Sandy Marton “White Storm In The Jungle”
Jean-Michel Jarre “Zoolookologie”
Koto “Jabdah”
 ?
Laser Dance “Humanoid Invasion”
?
Boytronic “Hurts”
Krush “House Arrest”
Mark Shreeve “Legion”
Off “electrica Salsa – baba baba mix”
Banana Republic “Lonely Too Long”
Ironic Remark “Rebirth”
Dr Calculus “Dream Machine”
Laser Cowboys “Radioactivity”

Swiss Rudi – Goa (89)

KLF “What Time Is Love?”
Oh Well “Oh Well”
Airplane Crashers “White Rabbit”
Fatal Attraction “Music To Be Murdered By”
I Start Counting “17 Pens”
Hard Corps “Lucky Charm”
The Maxx “Your Highness”
Total “?”
Robotiko Rejecto “Robotiko Rejecto”
Screaming Trees “Iron Guru”
Apollo 11 “1969″
Tribantura “Getting Hurt Or Killed”
Brothers On Acid “?”
Mr Horse “Crisis Situation”
New Beat Express “I Love You & I Hate You”
Manufacture “?”
Borghesia “?”
Rio Rhythm Bass “?”
Ecstasy Club “Jesus Loves The Acid”

Guy Moran – Goa (90)

Negro Sex
Negro Sex
Clock DVA
Clock DVA
New Design “Some Like It Hot”
Frankfurter
New Design “Some Like It Hot – Acid Mix”
Noise Control
Heavy Duty Breaks
Flat Earth
Eon “Infinity”
Zerrocks
Space Opera
KGB
Sky My House Band
Eighty Night
Voltage Control
Ozone
Blue Pearl
Force Legato “System”

KK – Lost Beaches

Abfahrt – Alone (It’s Me) [ZYX]
Konzept – Hypnautic Beats (Ambient 1990 Mix) [New Zone]
Phantasia – Violet Skies (Instrumental) [Mental Radio]
ASF – Inferno (Oscar Madness Mix) [MFF]
Trilithon – Choice (Synth Version) [Max Music]
The Overlords – Sun Down (Sunfactor 909 – Comamix) [Antler Subway]
Voodoo People – Altitude (Malana Edit) [Sabrettes]
Genetic – Transmission (Original Version) [Dragonfly]
Atahualpa – Ultimo Imperio [ZYX]
Electrotete – Alcatraz [Apollo]
Elysium – Interpretation of Dreams [Nova Zembla]
Kode IV – Dissolve (Connection Dub) [KK Records]
Voov – It’s Anything You Want it to Be, And It’s a Gas (Smoke Machine) [MFS]
Transwave – Goacore [Step 2 House]
G.G.E. – Uniform Planet (Orbit Trance) [FALD]
Juno Reactor – High Energy Protons (Voodoo People Mix) [NovaMute]

** + Info: 

http://www.techgnosis.com/paradise.html

http://www.listology.com/karan129/story/best-goa-trance-top-artists-albums-and-tracks

http://www.radiov.com/main/beam/innerviews/rajaram/

http://www.radiov.com/main/beam/innerviews/goagil/

http://www.radiov.com/main/beam/features/trancetree/

http://www.ocf.berkeley.edu/~easwaran/papers/psytrance.html

http://gatelessgate.wordpress.com/category/8-finger-eddie/

http://psytrance.co.za/psytrance_history.html

Así que ahí estábamos, tres jóvenes del sur de Londres, antiguos soulboys enfundados en nuestros vaqueros de Armani y calzados con unas Converse, apiñados en la parte de atrás de un taxi moto dirigiéndonos hacia nuestra primera fiesta. “Les enseñaremos a estos hippies de qué va esto”, pensaba mientras el conductor, sentado sobre el depósito de la moto, sorteaba hábilmente los baches y un millón de insectos zumbaban alrededor en el tibio aire de la noche. Era el final de agosto de 1986 y todavía época de monzón. A medida que nos acercábamos pude divisar docenas de Royal Enfields abandonadas de cualquier manera en el camino que llevaba hacia el cadáver de una antigua iglesia católica donde tenía lugar la fiesta. Había grupos de personas sentadas alrededor fumando chilums. Algunos levantaban la cabeza y se quedaban mirándonos cuando pasábamos, y comenzó a crecer en mí la sensación de que aquello no resultaría exactamente como esperaba. Nada, en todo caso, podía prepararme para el shock que iba a sufrir cuando pasara dentro.

Fue como entrar en otro mundo. Imágenes ultravioletas de nenas blacksploitation y joy boys vestidos de cuero colgaban de las paredes, mientras los altavoces emitían beats oscuros y sintéticos. Chiflados con ojos salvajes, chancletas y harapos brincaban alrededor de chicas que parecían recién salidas de una pasarela de Milán. Un adolescente estadounidense vestido con un chándal de Mickey Mouse y luciendo el mejor corte de pelo al estilo de Billy Idol que he visto nunca se acercó y nos ofreció ácido líquido. “Viaje completo o medio viaje”, preguntó, sacando una jeringuilla gigante sin aguja y señalándonos que dispusiéramos nuestras manos para recibir la dosis. “Puede cambiar tu vida”, dijo, con una sonrisa químicamente astuta y un aire de sobrada superioridad. Me decidí por media, manteniendo mis puños apretados nerviosamente en una mezcla de curiosidad y miedo.

Afuera, mujeres indias de las aldeas vecinas habían montado pequeños puestos donde vendían te y pasteles, y todo alrededor la gente bailaba como si fuera su última noche sobre la Tierra. Nubes de acre humo manalí llenaban el aire mientras el incesante y narcótico groove traqueteaba como un tren a punto de partir. Era como El Señor de Las Moscas y La Máquina del Tiempo de H. G. Wells en una licuadora pasados con una versión ácida de Miami Vice. Un Montecarlo apocalíptico, tomado por la naturaleza y habitado por una tribu de salvajes, decadentes, gitanos de la jet set festejando a su manera en una nueva forma de conciencia colectiva.

Lejos de enseñarles de qué iba esto, observábamos con los ojos como platos y una mezcla de horror, fascinación e incredulidad. Observadores pasivos que han tropezado con una rara escena de bacanal. En una iglesia, al final de un sucio camino. Varios miles de millas lejos de donde éramos, pero un millón de millas más allá de todo lo que conocíamos. Tal y como se configura un definitorio año cero, este fue el más importante para mí. Esperaba encontrar unos cuantos tipos pasados fumando hierba y cantando Bob Marley alrededor de una fogata. No esto. Aquel chaval norteamericano estaba en lo cierto, la vida nunca iba a volver a ser lo mismo otra vez.

Para entender cómo un puñado de inadaptados occidentales, buscadores, yonquis y fugitivos habían terminado bailando el sonido de una forma mutante de proto techno en una playa sobre el mar Árabigo, es necesario volver al final de los años 60. La historia de cómo Goa se convirtió en un imán para los freaks de todo el mundo puede verse en el excelente documental Goa Hippy Tribe. Baste decir de todos modos que, para mediados de los años 70, las fiestas de la luna llena estaban en pleno apogeo, con bandas tocando toda la noche y tremendos altavoces de cuatro salidas. Al llegar los primeros años 80, a la multitud original de pobladores hedonistas se había unido una nueva generación, formada mayoritariamente por europeos, que trajeron con ellos su propia música.

No está claro exactamente quién montó las primeras fiestas de música electrónica en Goa (algunos citan a un tipo llamado Dr Booby, padre de Tiga) pero es sabido que muchos de los recién llegados frecuentaban clubs en Ibiza, Londres, Berlín, Rimini y Riccione cuando volvían a Europa después del verano. También está claro que tenían poco o ningún apego por el rock de los 70 del que era partidaria la gente original. Inicialmente fueron recibidos con resistencia feroz, pero hacia 1983 la música electrónica se había hecho con el lugar en buena medida. Y así es cómo al mismo tiempo que Chicago estaba creando el house y Detroit forjaba lo que sería conocido como techno, las raíces del trance estaban siendo sembradas en las playas de Anjuna y Vagator. Y así como Chicago tenía a Ron Hardy y Detroit a The Electrifying Mojo, Goa tuvo un DJ llamado Laurent. Si no hubiera sido por él, es bastante posible que la música que sonaba en las fiestas de Goa hubiera sido más bien una copia en papel carbón de lo que estaba teniendo lugar en Europa y Estados Unidos. Pero como todos los verdaderos pioneros, Laurent la hizo ser mucho más que la suma de sus partes, y al hacer esto creó todo un nuevo estilo de música.

La leyenda dice que cuando dejó Francia para ir a Goa le dijo a su familia que estaría de vuelta en unos meses, para no volver nunca más. Si esto es real o no forma parte de la especulación. Goa siempre ha sido un lugar que se alimenta de rumores y medias verdades y donde separar el hecho de la ficción nunca ha sido fácil. Por su parte, Laurent acredita a su compatriota Fred Disko como la primera persona que puso música electrónica en Goa. Y había por supuesto otros como Swiss Rudi, Stefano y el ahora ubicuo Gil. Pero fue Laurent quien definió el estilo y estableció los parámetros de lo que sería conocido posteriormente como trance.

Él tomó toda la nueva música electrónica que estaba surgiendo en Europa y Estados Unidos, eliminó buena parte de las secciones vocales y aquellas que no le gustaban, extendió aquellas otras partes que si le gustaban y lo cosió todo junto en un largo y constantemente mutante groove psicodélico. New wave, italodisco, EBM, new beat, goth, electro, Hi-NRG, synth pop, house, cualquier cosa servía a su propósito. En la medida en que tuviera la vibración correcta, podría encajar. Pero a diferencia de otros DJs occidentales, Laurent no utilizaba discos: el calor y el polvo de Goa lo hacían imposible. Él utilizaba casetes.

Las cintas se habían utilizado en las fiestas de Goa desde la introducción de la música amplificada y hacia el comienzo de los 80 el walkman profesional de Sony era el reproductor por excelencia. Era resistente, sonaba bien y tenía un control para el pitch. También tenía un botón de pause mecánico que actuaba con gran precisión. Esto era imperativo, no solo para tocar en directo, sino también como herramienta para reeditar y recomponer los temas. Muchos de los grandes hits de Goa durante los 80 estaban sustancialmente reeditados, generalmente para quitar las voces no deseadas, pero también para extender parte de los pasajes rítmicos. Los reedits de Laurent de temas como “Living On The Ceiling” de Blancmange, “Hurts” de Boytronic y “Sex Dwarf” de Soft Cell, son ejemplos legendarios, pero muchas otras canciones tuvieron el mismo tratamiento.

Eliminar las vocales era considerado importante en la medida que podían distraer del viaje a los que bailaban. Sin embargo, esto dependía de qué tipo de vocal era. Cualquier cosa que sonara pop se quitaba, pero otros contenidos más abstractos, especialmente todo aquello relacionado con las voces new wave, era permitido. De modo que grupos como Depeche Mode, Psyche y Front 242 eran reproducidos con las vocales intactas, mientras Den Harrow, por ejemplo, no.

Pero mientras que las letras cantadas eran eliminadas, las locuciones y las voces de estilo documental eran muy utilizadas. Siendo el LSD y los charas de Manali las drogas prevalentes en las fiestas, la audiencia era muy susceptible al contenido de estas frases cortas. Religión, renacimiento, la guerra fría, drogas, viajes en el tiempo, misticismo, el desastre nuclear y la ciencia ficción eran temas populares y a veces parecía como si estos mensajes fueran transmitidos directamente desde el espacio. Que éramos los elegidos de Dios; sus hijos danzantes de las flores cósmicas; extáticamente girando a nuestro modo, como Shiva adentrándonos en nuevos dominios y comprensiones.

Esto explica probablemente por qué el estilo de Laurent se impuso. Al tomar los aspectos psiquedélicos del rock experimental y aplicarlos a la música electrónica de baile, había creado un sonido que era al mismo tiempo accesible y de otro mundo. Era operativo, también, lo que era importante porque como cualquier otro DJ su éxito dependía de su habilidad para hacer bailar a la gente. La demografía de Goa en la época era bastante amplia, con el rango de edad oscilando entre los 18 y los 50 y siendo el ratio de hombres y mujeres bastante equilibrado. Su habilidad era conseguir subir a bordo a toda esta gente mientas que simultáneamente estaba desarrollando un nuevo estilo de música pionero. Y como cualquier verdadero gran DJ él era capaz de hacer todo esto porque tenía la capacidad de hacer que los discos lo trasmitieran. Temas como “Classic Dance” de Orient Affair o “Droid” de Hypnosis podrían haber sonado un poco afectados o incluso pomposos en aquella época en Europa, pero estaban dotados de una extraña profundidad cuando 500 personas levantaban nubes de polvo bajo las palmeras.

La manipulación de los tempos de las canciones era otra de las señas de identidad de Laurent y podías oír frecuentemente como ralentizaba temas de Hi-NRG hasta 100 bpm. Realmente entendía la importancia del contexto. Cómo, por efecto de las drogas, estar en un lugar que te dejaba la boca abierta o dada la naturaleza tribalística de las fiestas en las playas de Goa, él tenía el poder de hacer que los temas sonaran y se sintieran de modo diferente.

Pinchaba en sesiones de hasta 10 horas de duración en las que se movía desde beats oscuros y duramente hipnóticos durante la noche, hasta grooves dulces que elevaban el ánimo en la mañana. Desde Skinny Puppy y Nitzer Ebb a Koto y Laser Dance; desde 100 a 150 bpm; desde sonidos aterradores y de pesadillos a otros felices y gloriosos. Era una combinación embriagadora, que tuvo un impacto tremendo en las vidas de muchos.

Después de esa primera fiesta me quedé en Anjuna durante varios meses aprovechando que la estación mejoraba, antes de viajar a través de India. Volví a Goa el siguiente año y me vi completamente inmerso en el estilo de vida freak. Fue un tiempo maravilloso y fui muy afortunado de formar parte de algunas fiestas verdaderamente increíbles. Cuando volví, el acid house había comenzado en Inglaterra, así que me involucré en aquello y progresivamente fui perdiendo el contacto con la escena de Goa.

No soy fan de hacia lo que derivó el trance. Tan pronto como la gente comenzó a llamarlo psy trance y a hacer música con la mente puesta en Goa, perdió su interés para mí. Está bien de todas formas. No soy un fan de en lo que el punk se convirtió tampoco, y eso no impide que The Clash sea uno de mis grupos favoritos. Sólo porque el trance se convirtiera en una sucesión estrecha y sin alma de subidones para la droga, no le quita nada de todo aquello que antes hizo Laurent en los 80 y primeros 90. Su legado va mucho más allá de esas limitaciones.

Aparentemente, él vive todavía en Goa, hacienda sus cosas, evitando la atención del público y ocasionalmente haciendo entrevistas con periodistas visitantes. El auténtico padre del trance. Una verdadera leyenda.

Sesión tributo a DJ Laurent

01 Syntech “Discontented” (Hotsound)
02 Nux Nemo “Hiroshima” (Clip)
03 Neon “Voices” (Target)
04 Public Relations “Public Relations” (Another Side)
05 Poesie Noire “Timber – Instrumental” (Antler)
06 Koto “Jabdah – Long Version” (Memory)
07 Laser Dance “Humanoid Invasion” (Hotsound)
08 D’Bop “Dirty Harry – Instrumental” (Subway)
09 Zwischenfall “Flucht” (Les Disques Du Crepuscule)
10 Mark Shreeve “Legion – Razor Mix” (Jive)
11 Bappi Lahiri “Habiba” (Hi-Hat)
12 Alien Sex Fiend “The Impossible Mission” (Plagiarism)
13 Laser Cowboys “Radioactivity – From The Ucraine” (ItaloHeat)
14 Boytronic “Communicate” (Metronome)
15 Psyche “Unveiling The Secret – The Razormaid Mix” (New Rose)
16 Chris & Cosey “Exotika – Remix” (Play It Again Sam)
17 DAF “Program It – Instrumental” (Dean)
18 New Order “True Dub” (Factory)
19 4You “Dragon Beats” (Durium)
20 Cabaret Voltaire “Don’t Argue – Francois Kevorkian & Micheal Hutchinson Mix” (Manhatan)
21 New Design “Some Like It Hot” (MG)
22 Sandy Marton “White Storm In The Jungle” (Ibiza)
23 Jean-Michel Jarre “Zoolookologie” (Polydor)

Al principio, este sonido en formación seguía manteniendo el 4×4 típico del house, lo que se conoció como speed garage. Pero pronto el productor junglista, obsesionado con la ciencia del break, va a transformar esos ritmos cuadriculados en intrincadas secuencias de percusión sincopada dando pie a una forma de R&B roto nunca antes vista y que se conocería como UK Garage. Frente a la estructura rítmica habitual en la mayor parte de la música de baile hasta entonces, que mantiene el tradicional four on the floor, esta nueva forma de garage sólo cuenta con un golpe de bombo en el primer y tercer tiempo del compás. Ese vacío en el ritmo que corta la respiración es compensado mediante otros elementos. Y no se trata sólo de los snares a destiempo o del hi hat superacelerado. Todos las piezas del tema se convierten en elementos del ritmo, desde los sintes hasta las gruesas líneas de bajo junglistas pasando por, y muy especialmente, las vocales de divas house y soul que se manipulan, despiezan, alteran y filtran hasta que terminan por convertirse en otro elemento más de la secuencia rítmica.

Así configurado, este nuevo estilo no es garage house ni drum and bass, sino algo nuevo que se bautiza como 2 step, una forma musical que “transforma el garage en una forma slow motion de jungle”. Desde entonces, el jungle y el UK garage se separan, formando dos escenas independientes aunque cercanas. Este último va desarrollando un lenguaje propio en el underground londinense, especialmente a través del circuito de radios piratas y en batallas musicales donde el MC va ganando protagonismo progresivamente. Como tantas veces en Inglaterra, el sistema y la industria terminaron fagocitando el género, convirtiendo a varios de sus intérpretes en figuras mediáticas y pervirtiendo su sonido en producciones cada vez más cercanas al pop. A ello se añade que, al despuntar el nuevo milenio, el 2 step se empieza a asociar, con mayor o menor justicia, a una cierta escena violenta y pseudo mafiosa londinense, fenómeno que termina por dar el golpe de gracia al subgénero. Desaparece entonces de modo fulgurante, radical, como si nunca antes hubiera existido, dejando de programarse e, incluso, de nombrarse en público. En realidad, en la sombra, detrás de toda la mascarada que los medios habían montado y muy lejos de los vídeos que Top Of The Pops emitía en televisión, los productores de 2 step seguían trabajando los patrones y la sonoridad garage atisbando posibilidades increíbles. El dubstep estaba naciendo.

Aunque no se generaliza este término hasta tiempo después, ya existía su sonido en la época en que la radio fórmula inglesa invadía el país con el Re-rewind de Artful Dodger y Craig David. Pero es desde el lado opuesto al UK garage convencional donde se desarrolla: explotando la potencia del subbajo, abusando del shuffle y omitiendo buena parte de las vocales, dando así alas al reverso oscuro del 2 step. Frente a la proclamada desaparición de las fronteras físicas que Internet iba a acarrear, el dubstep destaca en su génesis por contar con un origen geográfico muy preciso y local: el distrito londinense de Croydon. Todo apunta a que la tienda de discos Big Apple Records, sita en Surrey Street, fue el centro neurálgico de la naciente escena. Productores como Benga, Skream, Digital Mystikz o Plastician provienen de o se instalaron en este barrio del sur de Londres. También Horsepower Productions, pioneros del dubstep, eran fijos en la tienda, donde no sólo se vendían los discos sino que también se pinchaban los últimos dubplates recién planchados. Grupos como éste último o Groove Chronicles son fundamentales para comprender la transición que estaba teniendo lugar. Habituales ambos de la escena garage y originarios de un entorno donde la cultura jamaicana del sound system era fundamental, pronto comienzan a dar forma al nuevo género.

La clave del dubstep reside en poseer una estructura lo suficientemente flexible como para permitir asimilar sonidos e influencias diversas, sirviendo de cauce perfecto para la experimentación y renovación constantes. Como observa Rory Gibb, “aunque es difícil dar con la razón exacta de por qué el dubstep en particular ha probado ser un campo tan fértil para tanta experimentación, probablemente tenga que ver con la cantidad de espacio inherente a su estructura”. En efecto, el dubstep comparte más de lo que parece con el dub. No se trata sólo de la predilección por las líneas de bajo poderosas e hipnóticas y una cierta sonoridad jamaicana ocasional, sino que también comparten un origen común como cara B. El primer dubstep surge, en manos de El-B o Noodles, miembros de Groove Chronicles, del mismo modo que el dub en Jamaica más de veinte años antes. Sus producciones aparecen por primera vez escondidas en el anverso de una cara A dominada todavía por canciones ancladas al sonido convencional (reggae o garage, según el caso) sirviendo así inicialmente como temas de relleno. En la cara menos visible se colaban producciones de corte instrumental donde el ritmo y el bajo eran preeminentes, dominantes. Como en el dub, se trata de una forma musical basada en el esqueleto rítmico y en la textura, lo que ofrece al productor un espacio ilimitado para la experimentación.

En ese momento fundacional el dubstep se ve de alguna forma ensombrecido por el entonces mucho más popular grime. Original del este de Londres, es otra mutación del UK garage. Como el dubstep, se construye sobre patrones nerviosos y quebradizos de 2 step, pero destaca por un sonido más duro y agresivo que sustituye el soul anterior por una diatriba sonora violenta y gutural. Así configurado, el grime parece tener bastante que ver con música de gángsters, hasta el punto de que ha sido comparado con el hip hop de la Costa Oeste: “Roll Deep son los NWA del grime (sus miembros incluyen luminarias como Dizzee Rascal, Riko, Flow Dan, Trim y Danny Weed) contando con Wiley como su Dr Dre”. Lo que en su día era la continuación periférica del legado de So Solid Crew alcanzó, y sigue desarrollando hoy, un nivel de experimentación considerable y producciones muy notables, pero no pudo evitar la estigmatización que su rudo perfil terminó por acarrearle. El dubstep crecía en paralelo al grime, retroalimentándose ambos en esos primeros años. Y aunque los recopilatorios de Rephlex hicieran pensar que la vanguardia estaba en el grime de Plastician o Mark One, pronto fue claro que los corsés de éste iban a hacer del dubstep la opción mayoritaria. En 2006 Skream describía la reciente caída y ascenso de ambas escenas: “es imposible volver a encontrar una noche de grime en Londres (…). El grime se basó en la típica temática del hip hop de ‘mi pistola es más grande que la tuya’. Si ibas a un evento, no había ambiente de fiesta, sino intimidatorio. El dubstep es como el primer jungle, hay una influencia reggae y un cierto sentimiento rave”.

A pesar de esos cambios, productores como Mala de Digital Mystikz, Loefah o Vex’d bebieron profusamente del grime, e incluso contribuyeron a su desarrollo. Pero es fuera de él donde encuentran una voz propia y personal a través de la que desplegar un sonido que pronto destaca por no cerrarse a ningún tipo de emoción. Se trata de un campo de pruebas que permite utilizar la arquitectura rítmica del garage para desarrollar sensibilidades muy distintas. Sólo así es posible entender cómo los ritmo hipersincopados del garage y las líneas de bajo de frecuencias bajísimas diseñadas para reventar sound systems monstruosos puedan servir para componer elegías llenas de introspección, y ser utilizadas como banda sonora perfecta para un Londres gris lleno de soledad y vacío. Aunque el exponente más celebrado de este sonido sea Burial, quien desde South London Boroughs lleva pintando postales de una ciudad sempiternamente cubierta de niebla y poblada por espectros huidizos, se trata de un tipo de dubstep presente en el catálogo de sellos como Hotflush desde los primeros tiempos del género. Productores como Toasty o Scuba también proponían un dubstep cargado de atmósferas densas y evocadoras, ritmos ralentizados y vocales manipuladas a través de las cuales Aaliyah o Beyonce aparecían como divas narcotizadas envueltas en helio y penumbra. Con esos elementos y las misteriosas entregas de El-B para Ghost como referencia, Burial tejió una forma de ambient dubstep que empaquetada en el hasta entonces poco habitual formato largo llegó a una gran audiencia y dio carta de naturaleza al subgénero. Sin ser realmente original, descubrió a muchos las posibilidades de la versión intimista (o efectista) del dubstep: Pangaea, Clubroot, Darkstar, Instra:mental o la hornada de productores de Hotflush con su abanderado Joy Orbison a la cabeza se lo deben todo.

Revelándose como un estilo capaz de asumir no sólo diferentes sonoridades sino también diferentes emociones, que se cruzara con otros estilos de música de baile era sólo cuestión de tiempo. A medida que el dubstep va extendiéndose y ganando popularidad, ya sea a través de su aparición en programas de radio de la BBC, sonando en festivales como Sónar o acercándose a las listas de éxitos de la mano de pioneros como Skream, a la larga una suerte de Andy C o Sven Väth del género, su sonido es observado con creciente curiosidad por productores techno tradicionalmente asociados a la vertiente más humeante y vaporosa del género como Shed o renovadores como Surgeon. De modo recíproco, el dubstep se aprovecha del techno dub de Basic Channel y sus desarrollos posteriores para ampliar una vez más su paleta cromática y rítmica. Nombres como 2562 o Martyn se aprovechan de ese cruce en temas 4×4 falsamente rotos plagados de pads de sinte y efectos importados de una escena ajena que se ajusta a la perfección.

Desde el techno, pero en otras manos, también existió una cierta curiosidad parásita sobre otra vertiente del dubstep. Un sello pequeño, de efímera vida y escaso pero muy compacto repertorio, produjo en la segunda mitad de la primera década del siglo XXI un tipo de dubstep cuya influencia, como una perturbación sísmica,  se seguiría dejando sentir mucho tiempo después de su precipitado cierre. Skull Disco, creado por los productores Shakleton y Appleblim, se dota de una iconografía tenebrosa y oscurantista, con ocasionales ramalazos políticos en temas como Hamas Rule o Blood On My Hands. Musicalmente, indaga en los fundamentos elementales del dubstep desde una aproximación poco habitual, habiéndose afirmado su parentesco con grupos tan lejanos como Throbbing Gristle o Muslimgauze. En sus producciones arrancan de modo visceral todo resto de pelo y piel que pueda quedar en el esqueleto dubstep, ocupándose exclusivamente de su estructura ósea para dar forma a un universo auditivo denso y profundo. Ese sonido tribal y atávico al que se asocian las referencias de Skull parece traspasar las fronteras del género y se observa en discos tan distantes como el complejo e insondable último trabajo de T++.

Durante la vida del dubstep se han ido acumulando mutaciones que aunque mantienen una estructura básica compartida suenan alejadas tanto del cruce techno y berlinés como del sonido salvaje e hipnótico de Skull. Cada nueva reformulación bebe de las anteriores, pero añade nuevos colores, descubre claves insospechadas. No crea en ningún caso un nuevo género pero si interesantes variaciones. En torno a 2008, productores como Rustie, Joker, Guido, Zomby o Ikonika hacen que el dubstep se empape del sonido del momento, una informe combinación de sintes 8bit de videojuego, ketamina y elementos del crunk del sur de Estados Unidos a la que los periodistas llaman wonky, aunque algunos vean realmente solo una revisión del bleep and bass o una forma rota y sin rimar de g-funk. Esta mini escena contó para su popularización con el infalible olfato empresarial de Kode 9 y su sello Hyperdub, quien también publicó alguna referencia de otro nuevo fenómeno en el dubstep, si bien por éste hizo mucho más el boca a boca de las hordas de jóvenes que regresaban a Gran Bretaña de pasar sus etílicas vacaciones en Malta. El UK funky surge supuestamente como una respuesta a la ausencia de chicas, progresivamente desplazadas en la pista de baile por el sonido agresivo u oscuro habitual. Sin tener nada de nuevo, es a finales de la década cuando se generaliza, decidiendo productores como Cooly G o Roska probar a fabricar dubstep con esos ritmos trotones de soca impregnados de una sonoridad agradable y melosa que recuerda a la del primer garage.

El dubstep no se detiene. Los últimos años han visto como seguía incorporando influencias diversas y experimentando con nuevas combinaciones de ritmo y textura todavía inéditas. Las posibilidades siguen pareciendo tan grandes como cercana la definitiva bastardización. Una vez consolidado, empieza a ser absorbido indisimuladamente por el mainstream, apareciendo planteamientos totalmente comerciales detinados a vender coches, remezclar éxitos diversos o servir de soporte orquestal para las divas del star system. Al mismo tiempo, antiguos productores de drum and bass o IDM como Breakage o Machine Drum se pasan a este campo al ver aparentemente agotada la ciencia del Amen o abocados al netlabel. Incluso se recuperan los orígenes, publicándose auténticas bombas de 2 step o grime pasadas por el filtro dubstep en sellos tan distantes a la escena como el icono belga del techno inteligente y del primer hardcore R&S. El género se muestra como un organismo capaz de regenerarse y crecer con una extraordinaria habilidad para adaptarse al medio. Volviendo a Rory Gibb, “presenta una oportunidad perfecta para un inmenso número de músicos electrónicos para imprimir sus huellas de modo completamente único sobre su forma básica. La aparentemente infinita colección de variantes presentes hoy parecen ofrecen una evidencia suficientemente robusta para apoyar esta noción”.

25 Tracks: A Dubstep Chronology Mixtape

0.00 Groove Chronicles – Stone Cold [Groove Chronicles, 1997]
3.22 Horsepower Productions – HDN [Tempa, 2002]
5.00 Benga – Amber [Big Apple, 2003]
6.47 Toasty – The Knowledge [Hotflush, 2004]
8.30 Vex’d – Venus [Planet Mu, 2005]
11.30 Digital Mystikz – Neverland [DMZ, 2005]
14.30 Burial – South London Boroughs [Hyperdub, 2005]
17.30 Kode9 – 9 Samurai [Hyperdub, 2006]
20.00 Pinch – Qawwali [Tectonic, 2006]
22.00 Skream – I (Loefah Remix) [Tempa, 2006]
23.45 Skream – Midnight Request Line [Tempa, 2005]
26.00 Shackleton – New Dawn [Hotflush, 2006]
28.00 Peverelist – Erstwhile Rhythm [Punch Drunk, 2006]
30.30 2562 – Channel Two [Tectonic, 2007]
33.00 TRG – Broken Heart (Martyn’s DCM Remix) [Hessle Audio, 2008]
36.00 Pangaea – You & I [Hessle Audio, 2008]
38.30 Ramadanman – Humber [Apple Pips, 2009]
42.30 Appleblim – Vansan [Skull Disco, 2007]
45.00 Geiom – Reminissin’ feat. Marita (Kode9 Refix) [Berkane Sol, 2008]
46.55 Untold – Anaconda [Hessle Audio, 2009]
48.45 Ikonika – Please [Hyperdub, 2008]
51.30 Joker – Gully Brook Lane [Terrorhythm, 2008]
53.45 Brackles – Rawkus [Planet Mu, 2009]
56.13 Scuba – Latch [Hotflush, 2010]
59.00 Joy Orbison – So Derobe [Aus Music, 2010]

El dúo formado por Marc y Dego, junto a Goldie, quien pronto se alistaría en las filas de Reinforced como A&R e ingeniero, está en la vanguardia de la experimentación rave. En los primeros noventa no sólo moldea una forma de psicodelia rítmica nunca antes vista sino que además define el sonido de un nuevo soul impregnado de la decadencia de la inner city thatcheriana. 4hero no se detiene ahí. Pioneros del drum and bass y adelantados que antes de la popularización del género ya habían tocado todos los palos y editado en todos los formatos, se alejan tanto del hardstep y el neurofunk como del auge del UK garage para abrazar una forma de jazz futurista, personal, que de nuevo presagia otra ola que resultaría masiva, el downtempo. Su sonido más reciente se diluye en el acid jazz y los broken beats, de modo muchas veces indefinido y vacuo. Seguramente estén ya están de vuelta de todo. Pero se hace necesario repasar su trayectoria, una contribución sin duda fundamental.

Recuperamos tres sesiones de autoría desconocida que recogen el poliédrico universo de 4hero. La técnica es muy mala, y eso impide a veces disfrutar plenamente de la música. A pesar de ello, la selección merece realmente la pena, pues ofrece una panorámica genial de la vasta obra del conjunto.

La primera de la sesiones fija su vista en buena medida en las producciones en solitario tanto de Marc como de Dego. Nu Era se hace con el espacio sonoro al principio. El proyecto individual de Marc Mac se orientaba hacia lo que tiempo después se conocería como broken beats, un sonido que se refleja en el techno espacial y luminoso de mediados de los noventa que sacaban en R&S nombres como Mundo Muzique o Ken Ishi pero que introduce en su cadencia la ciencia del ritmo propia del drum and bass. Una perla de jungle inteligente que salió en 1995 en el sello belga y que firman Marc y Dego como Jacob’s Optical Stairway, nombre llamativo que alude ”ópticamente” a la escalera que asciende al cielo bíblico, deja paso a una sucesión de temas de Dego en solitario bajo su aka Tek 9. Es interesante comprobar el abanico de sonidos del productor inglés, a pesar de la descuidada coherencia de la sesión. Frente al sonido downtempo pre Jazzanova de We’re Gettin Down, jazzy y somnoliento, contrastan temas empapados de hardcore como You’ve Got to Slow Down o Just a Dream, producciones de jungle que parecen desconocer todavía el time stretching y que saben a breaks y sintes en bruto, sin cortar.

Dos temas del grupo, uno como 4hero y otro con la participación de Goldie bajo el nombre Rufige Cru, dejan paso a otra sucesión de Tek 9 donde sigue demostrando su versatilidad. Desde jungle añejo al que le falta ya parte de la oscuridad de sus primeros años hasta ragga jungle con aroma a videojuego (el vinilo lleva impresa la leyenda “soon you’ll suffer from a mortal kombat fatality”, ¡la sombra de la temática darkcore es alargada!). Reinforced Records, que publica la mayor parte de estas producciones, es perfecto exponente del jungle original. Un sonido recogido plenamente en temas como “Real Love”, poblado de breaks acelerados, vocales soul anfetamínicas, un pulso hardcore aún presente y vocación de jazz cósmico.

La segunda sesión no continúa el sonido a broken bossa y acid jazz con que Jacobs Optical Stairway y 4hero culminan la anterior, sino que mantiene el ánimo junglista típico del sello londinense. Quizá el elemento más interesante de este set sea la presencia de Tom & Jerry, no sólo por la dificultad actual para encontrar sus vinilos sino sobre todo por la relevancia de uno de los nombres clave del jungle clásico. Entre 1992 y 1995 Dego y Mark publican toda una serie de 12’’ bajo el alias prestado de los dibujos animados que también daría nombre a un subsello de Reinforced destinado exclusivamente a cobijar estas grabaciones. Son temas que oscilan entre el breakbeat hardcore de Cat Got Yer Tongue y el jungle que anticipa las producciones de ritmos cuánticos y alma soul que estarían por llegar. Pero el mix no es sólo Tom & Jerry. Incluye una buena dosis de hardcore, especialmente de la mano del proyecto Manix, a través del cual Marc Mac daba rienda suelta a su gusto por los pianos y las voces chillonas, sampleando en ocasiones a la mismísima Baby D. También contiene grabaciones clásicas sin las que resultaría imposible entender el género. Journey From The Light tiene una importancia equivalente a la del tantas veces recordado “Terminator” de Rufige Cru. Una grabación compleja, de gran densidad, construida sobre el mismo break que Goldie utilizó para su Timeless (el “Funky Mule” de Ike Turner de 1969), con un bass drop que escuchado hoy día hace pensar automáticamente en 2 step, y profusión de sintes oscuros y pasajes de acidez tenebrosa. La voz de Belita Woods y su “some people think is in the sky” aumenta las connotaciones lisérgicas, una alucinada reflexión narcótica.

Cada sesión contiene interesantes guiños a las otras, como el remix 4×4 de uno de los temas de Tek 9 del primer mix cercano al final de esta segunda. Concluye el set otro tema de Internal Affairs, nombre bajo el que se esconden Mark Clair y Dennis McFarlane junto a Goldie. Es un aka necesario, y por eso ya aparecía en la primera sesión. Su disco In My Soul es determinante en el establecimiento y consolidación del género, al sobrepasar tanto el primer hip hop acelerado de Shut Up & Dance como el hardcore oscuro poblado de breaks que se enfrentaba al happy hardcore en los primeros noventa, contribuyendo a definir el género con una sofisticación hasta entonces desconocida. Aquí están todos los elementos que convierten a Parallel Universe, de 4hero, y Timeless, de Goldie, en piezas maestras del estilo desde el punto de vista técnico y sonoro.

La última de las sesiones es la más larga de las tres, y mantiene el objetivo de mostrar el variado espectro estilístico de 4hero. La mezcla de temas de diferentes épocas, con sonoridades a veces contrapuestas, quizá vaya contra la ligazón interna de las sesiones. Pero contribuye a mostrar, del modo más despejado posible, la amplitud del recorrido del dúo. Ese efecto es claro desde el primer tramo de este tercer mix, que comienza con el downtempo elegante y profundo de Two Pages, el álbum con el que definitivamente dejan de lado el corsé del amen y la ciencia rítmica para adentrarse en una forma de nu jazz inteligente que posteriormente, y gracias a populares remezclas como las de Jazzanova, sería copiadísima. La sesión pasa sin transición al breakcore oscuro, epítome del lado más tenebroso del éxtasis, con títulos químicamente siniestros como “Where’s The Boy (Trial By Ecstasy)” o “Cooking Up Ya Brain”. Tras el subidón, un nuevo cambio inesperado que sustituye las voces de pitufo por el timbre cálido y sensual de Face. El acid jazz polirítmico continúa, un agradable manto de sonido para el oído que a veces peca del defecto que acabó con el artcore, un cierto formulismo aséptico que pretendiendo sonar cool y cerebral al tiempo terminó sirviendo, en el mejor de los casos, como cortinilla de televisión. Tom & Jerry se hacen entonces con la pantalla, y recuperamos el jungle puro de los primeros 90. Ritmos veloces y complicados, de dibujos animados, samples retorcidos y alucinantes, toasters y divas negras que se cuelan entre los sintes, Jamaica y rave mezclados en un coctel fabuloso.

4 Hero History Mix – Part 1

D*Note – ‘Waiting Hopefully (4 Hero Rmx)’
Nu Era – ‘Marz 2010’
Nu Era – ‘Pisces’
Jacobs Optical Stairway – ‘Fusion Formula (Dave Angel Rmx)’
Tek 9 – ‘We’re Gettin Down’… .from LP
Tek 9 – ‘The Friday Takeaway Order’… from LP
Tek 9 – ‘You’ve Got to Slow Down (The Re-run)’
Tek 9 – ‘Just a Dream’
Manix & Rufige Cru – ‘You Held My Hand’… from Enforcers 4 EP
4 Hero – ‘Golden Age (Rmx)’
Tek 9 – ‘7 Long Years’ … from Enforcers 4 EP
Tek 9 – ‘Dem A Gwan Like They Know Badness’
Tek 9 – ‘Real Love’… from Enforcers 3 EP
4 Hero – ‘Better Place Becomes Reality (Rmx)’
Internal Affairs – ‘Find a Way’
4 Hero – ‘Dauntless (Restless Soul Nova Mix)’
Jacobs Optical Stairway – ‘Solar Feelings’
Tek 9 – ‘It’s London’

4 Hero History Mix – Part 2

Tom & Jerry – ‘Alone Wid Dog Face’
Tom & Jerry – ‘Cat Got Yer Tongue’
Manix – ‘Turn Away Skull’… from Enforcers 3 EP
4 Hero – ‘Journey From The Light’
Manix – ‘I Can’t Stand It’
4 Hero – ‘In The Shadow’
Manix – ‘Oblivion (Head in The Clouds)’
Tom & Jerry – ‘Say Goodbye (Broke My Heart)’
4 Hero – ‘Reality’
Tom & Jerry – ‘Let Your Spirit Rise’
4 Hero – ‘Golden Age’
Tek 9 – ‘You’ve Got to Slow Down (M-Mix)’
Internal Affairs – ‘Shine Down on Me’

4 Hero History Mix Part 3

Chris Bowden with 4 Hero – ‘Hero’
4 Hero – ‘Planetaria’
Guy Called Gerald – ‘Finlays Rainbow (4 Hero Rmx)’
Nu Era – ‘Aerials on Saturn’
4 Hero – ‘Where’s The Boy – Trial By Ectasy’
4 Hero – ‘Where’s The Boy (4 Hero Remix)’
Manix – ‘Try To Love Me’
4 Hero – ‘Cookin Up Ya Brain’
4 Hero – ‘Cookin Up Ya Brain (Sonz of a Loop da Loop Era Rmx)’
4 Hero – ‘Starchasers’
Unknown – ‘The Choice (4 Hero Rmx)’
Manix – ‘Alright Wid Me (Tek 9 Rmx)’
Manix – ‘When You Hold Me Close’
Tom & Jerry – ‘Yamming Snacks Like Shaggy’
Tom & Jerry – Tom & Jerry feat. Charlie Brown
Manix – ‘Special Request’
Manix – ‘Heading to The Light (Rmx)’
Manix – ‘Feel Real Good’
Scarface – ‘Seen a Man Die (4 Hero Gangsta Rmx)’
Manix – ‘Intelligent Hoodlum’
Nicky Blackmarket – ‘Pops Fusion (Tek 9 Rmx)’
Nu Yorican Soul – ‘I Am The Black Gold (4 Hero Rmx)’