Desde Tempe, Arizona, nos llegan los glitches de un productor del que no habíamos tenido noticia hasta ahora. Se trata de Modem. Con ritmos que no pueden ocultar la cada vez más larga sombra de los beat makers estadounidenses de la costa oeste, recupera sin embargo la emoción que parece que edIT perdió tras Crying Over Pros For No Reason. Practicar IDM exclusivamente con software hace que el sonido sea de una limpieza a veces excesiva, pero logra el objetivo de ponerle emoción a los ceros y unos. Sin duda es un productor novel a tener en cuenta.

Su nuevo disco, Vehement, sale publicado en el desconocido sello Sunwarped Records. Afortunadamente, y como adelanto, ha dejado en descarga libre un EP que lleva por título uno de sus temas más logrados, Three-Year-Old Slug.

Modem – Three-Year-Old Slug

El dúo formado por Marc y Dego, junto a Goldie, quien pronto se alistaría en las filas de Reinforced como A&R e ingeniero, está en la vanguardia de la experimentación rave. En los primeros noventa no sólo moldea una forma de psicodelia rítmica nunca antes vista sino que además define el sonido de un nuevo soul impregnado de la decadencia de la inner city thatcheriana. 4hero no se detiene ahí. Pioneros del drum and bass y adelantados que antes de la popularización del género ya habían tocado todos los palos y editado en todos los formatos, se alejan tanto del hardstep y el neurofunk como del auge del UK garage para abrazar una forma de jazz futurista, personal, que de nuevo presagia otra ola que resultaría masiva, el downtempo. Su sonido más reciente se diluye en el acid jazz y los broken beats, de modo muchas veces indefinido y vacuo. Seguramente estén ya están de vuelta de todo. Pero se hace necesario repasar su trayectoria, una contribución sin duda fundamental.

Recuperamos tres sesiones de autoría desconocida que recogen el poliédrico universo de 4hero. La técnica es muy mala, y eso impide a veces disfrutar plenamente de la música. A pesar de ello, la selección merece realmente la pena, pues ofrece una panorámica genial de la vasta obra del conjunto.

La primera de la sesiones fija su vista en buena medida en las producciones en solitario tanto de Marc como de Dego. Nu Era se hace con el espacio sonoro al principio. El proyecto individual de Marc Mac se orientaba hacia lo que tiempo después se conocería como broken beats, un sonido que se refleja en el techno espacial y luminoso de mediados de los 90 que sacaban en R&S nombres como Mundo Muzique o Ken Ishi pero que introduce en su cadencia la ciencia del ritmo propia del drum and bass. Una perla de jungle inteligente que salió en 1995 en el sello belga y que firman Marc y Dego como Jacob’s Optical Stairway, nombre llamativo que alude ”ópticamente” a la escalera que asciende al cielo bíblico, deja paso a una sucesión de temas de Dego en solitario bajo su aka Tek 9. Es interesante comprobar el abanico de sonidos del productor inglés, a pesar de la descuidada coherencia de la sesión. Frente al sonido downtempo pre Jazzanova de We’re Gettin Down, jazzy y somnoliento, contrastan temas empapados de hardcore como You’ve Got to Slow Down o Just a Dream, producciones de jungle que parecen desconocer todavía el time stretching y que saben a breaks y sintes en bruto, sin cortar.

Dos temas del grupo, uno como 4hero y otro con la participación de Goldie bajo el nombre Rufige Cru, dejan paso a otra sucesión de Tek 9 donde sigue demostrando su versatilidad. Desde jungle añejo al que le falta ya parte de la oscuridad de sus primeros años hasta ragga jungle con aroma a videojuego (el vinilo lleva impresa la leyenda “soon you’ll suffer from a mortal kombat fatality”, ¡la sombra de la temática darkcore es alargada!). Reinforced Records, que publica la mayor parte de estas producciones, es perfecto exponente del jungle original. Un sonido recogido plenamente en temas como “Real Love”, poblado de breaks acelerados, vocales soul anfetamínicas, un pulso hardcore aún presente y vocación de jazz cósmico.

La segunda sesión no continúa el sonido a broken bossa y acid jazz con que Jacobs Optical Stairway y 4hero culminan la anterior, sino que mantiene el ánimo junglista típico del sello londinense. Quizá el elemento más interesante de este set sea la presencia de Tom & Jerry, no sólo por la dificultad actual para encontrar sus vinilos sino sobre todo por la relevancia de uno de los nombres clave del jungle clásico. Entre 1992 y 1995 Dego y Mark publican toda una serie de 12’’ bajo el alias prestado de los dibujos animados que también daría nombre a un subsello de Reinforced destinado exclusivamente a cobijar estas grabaciones. Son temas que oscilan entre el breakbeat hardcore de Cat Got Yer Tongue y el jungle que anticipa las producciones de ritmos cuánticos y alma soul que estarían por llegar. Pero el mix no es sólo Tom & Jerry. Incluye una buena dosis de hardcore, especialmente de la mano del proyecto Manix, a través del cual Marc Mac daba rienda suelta a su gusto por los pianos y las voces chillonas, sampleando en ocasiones a la mismísima Baby D. También contiene grabaciones clásicas sin las que resultaría imposible entender el género. Journey From The Light tiene una importancia equivalente a la del tantas veces recordado Terminator de Rufige Cru. Una grabación compleja, de gran densidad, construida sobre el mismo break que Goldie utilizó para su Timeless (el “Funky Mule” de Ike Turner de 1969), con un bass drop que escuchado hoy día hace pensar automáticamente en 2 step, y profusión de sintes oscuros y pasajes de acidez tenebrosa. La voz de Belita Woods y su “some people think is in the sky” aumenta las connotaciones lisérgicas, una alucinada reflexión narcótica.

Cada sesión contiene interesantes guiños a las otras, como el remix 4×4 de uno de los temas de Tek 9 del primer mix cercano al final de esta segunda. Concluye el set otro tema de Internal Affairs, nombre bajo el que se esconden Mark Clair y Dennis McFarlane junto a Goldie. Es un aka necesario, y por eso ya aparecía en la primera sesión. Su disco In My Soul es determinante en el establecimiento y consolidación del género, al sobrepasar tanto el primer hip hop acelerado de Shut Up & Dance como el hardcore oscuro poblado de breaks que se enfrentaba al happy hardcore en los primeros 90, contribuyendo a definir el género con una sofisticación hasta entonces desconocida. Aquí están todos los elementos que convierten a Parallel Universe, de 4hero, y Timeless, de Goldie, en piezas maestras del estilo desde el punto de vista técnico y sonoro.

La última de las sesiones es la más larga de las tres, y mantiene el objetivo de mostrar el variado espectro estilístico de 4hero. La mezcla de temas de diferentes épocas, con sonoridades a veces contrapuestas, quizá vaya contra la ligazón interna de las sesiones. Pero contribuye a mostrar, del modo más despejado posible, la amplitud del recorrido del dúo. Ese efecto es claro desde el primer tramo de este tercer mix, que comienza con el downtempo elegante y profundo de Two Pages, el álbum con el que definitivamente dejan de lado el corsé del amen y la ciencia rítmica para adentrarse en una forma de nu jazz inteligente que posteriormente, y gracias a populares remezclas como las de Jazzanova, sería copiadísima. La sesión pasa sin transición al breakcore oscuro, epítome del lado más tenebroso del éxtasis, con títulos químicamente siniestros como “Where’s The Boy (Trial By Ecstasy)” o “Cooking Up Ya Brain”. Tras el subidón, un nuevo cambio inesperado que sustituye las voces de pitufo por el timbre cálido y sensual de Face. El acid jazz polirítmico continúa, un agradable manto de sonido para el oído que a veces peca del defecto que acabó con el artcore, un cierto formulismo aséptico que pretendiendo sonar cool y cerebral al tiempo terminó sirviendo, en el mejor de los casos, como cortinilla de televisión. Tom & Jerry se hacen entonces con la pantalla, y recuperamos el jungle puro de los primeros 90. Ritmos veloces y complicados, de dibujos animados, samples retorcidos y alucinantes, toasters y divas negras que se cuelan entre los sintes, Jamaica y rave mezclados en un coctel fabuloso.

4 Hero History Mix – Part 1

D*Note – ‘Waiting Hopefully (4 Hero Rmx)’
Nu Era – ‘Marz 2010’
Nu Era – ‘Pisces’
Jacobs Optical Stairway – ‘Fusion Formula (Dave Angel Rmx)’
Tek 9 – ‘We’re Gettin Down’… .from LP
Tek 9 – ‘The Friday Takeaway Order’… from LP
Tek 9 – ‘You’ve Got to Slow Down (The Re-run)’
Tek 9 – ‘Just a Dream’
Manix & Rufige Cru – ‘You Held My Hand’… from Enforcers 4 EP
4 Hero – ‘Golden Age (Rmx)’
Tek 9 – ‘7 Long Years’ … from Enforcers 4 EP
Tek 9 – ‘Dem A Gwan Like They Know Badness’
Tek 9 – ‘Real Love’… from Enforcers 3 EP
4 Hero – ‘Better Place Becomes Reality (Rmx)’
Internal Affairs – ‘Find a Way’
4 Hero – ‘Dauntless (Restless Soul Nova Mix)’
Jacobs Optical Stairway – ‘Solar Feelings’
Tek 9 – ‘It’s London’

4 Hero History Mix – Part 2

Tom & Jerry – ‘Alone Wid Dog Face’
Tom & Jerry – ‘Cat Got Yer Tongue’
Manix – ‘Turn Away Skull’… from Enforcers 3 EP
4 Hero – ‘Journey From The Light’
Manix – ‘I Can’t Stand It’
4 Hero – ‘In The Shadow’
Manix – ‘Oblivion (Head in The Clouds)’
Tom & Jerry – ‘Say Goodbye (Broke My Heart)’
4 Hero – ‘Reality’
Tom & Jerry – ‘Let Your Spirit Rise’
4 Hero – ‘Golden Age’
Tek 9 – ‘You’ve Got to Slow Down (M-Mix)’
Internal Affairs – ‘Shine Down on Me’

4 Hero History Mix Part 3

Chris Bowden with 4 Hero – ‘Hero’
4 Hero – ‘Planetaria’
Guy Called Gerald – ‘Finlays Rainbow (4 Hero Rmx)’
Nu Era – ‘Aerials on Saturn’
4 Hero – ‘Where’s The Boy – Trial By Ectasy’
4 Hero – ‘Where’s The Boy (4 Hero Remix)’
Manix – ‘Try To Love Me’
4 Hero – ‘Cookin Up Ya Brain’
4 Hero – ‘Cookin Up Ya Brain (Sonz of a Loop da Loop Era Rmx)’
4 Hero – ‘Starchasers’
Unknown – ‘The Choice (4 Hero Rmx)’
Manix – ‘Alright Wid Me (Tek 9 Rmx)’
Manix – ‘When You Hold Me Close’
Tom & Jerry – ‘Yamming Snacks Like Shaggy’
Tom & Jerry – Tom & Jerry feat. Charlie Brown
Manix – ‘Special Request’
Manix – ‘Heading to The Light (Rmx)’
Manix – ‘Feel Real Good’
Scarface – ‘Seen a Man Die (4 Hero Gangsta Rmx)’
Manix – ‘Intelligent Hoodlum’
Nicky Blackmarket – ‘Pops Fusion (Tek 9 Rmx)’
Nu Yorican Soul – ‘I Am The Black Gold (4 Hero Rmx)’

Seguramente, al principio, cuando los productores e ingenieros de sonido jamaicanos tuvieron la idea de ocupar la cara B del disco con la versión acústica, y ya de paso manipulada, del single de éxito para rellenar la otra cara vacía, no podían esperar hasta qué punto su forma de proceder infectaría toda la música posterior. El dub se configura en una doble dimensión: como género musical dotado de unas características y elementos bien definidos y como modus operandi del productor musical. A través de esta segunda faceta se ha comportado como un virus polimorfo y extremadamente adaptable que desde la ocurrencia original para ahorrar costes ha mutado en un acercamiento que comparten músicos variadísimos. Desde el hip hop hasta los sonidos más avanzados pasando por el techno o el dubstep, en casi todos los estilos electrónicos se deja sentir la huella de las innovaciones de King Tubby o Lee Scratch Perry en el trabajo del productor y en la estructura compositiva.

¿Qué hay de esa otra primera dimensión? Más allá de la influencia sobre otros géneros, ¿qué hay del dub? Fuera de las recurrentes versiones y del sonido militante o poético de algunos trovadores jamaicanos, ¿quedan aún hoy muestras de dub puro y experimental?

La respuesta afortunadamente es un categórico sí. La música jamaicana actual está dominada por un producto diseñado para el consumo rápido y masivo, quedando lo auténtico y la espiritualidad reservada a veteranos cada vez más envejecidos o a grupos modernos que no se apartan del canon. Existen, sin embargo, excepciones que no solo recogen el legado de los pioneros sino que, y esto es lo importante, lo reinterpretan y continúan experimentando partiendo del lugar donde la muerte o la demencia lo dejó. Es el caso de Jahtari, sello discográfico especializado en dub con dos particularidades que lo hacen muy especial. Por un lado, está ubicado en Leipzig, Alemania, posiblemente uno de los puntos más alejados en kilómetros de Kingston. Por otro, se especializa en algo que han dado en llamar Digital Laptop Reggae (DLR), lo que se traduce en la ejecución de reggae o dub clásico utilizando como único instrumento el ordenador. Combinar estas coordenadas geográficas y conceptuales parece estúpido, descartable. Sin embargo, su materialización tiene sentido. Ellos mismos lo certifican: “los principios básicos detrás de REGGAE y de música generada por ORDENADOR por definición son principios que se excluyen completamente los unos a los otros. Para nuestra sorpresa, los experimentos con esta enorme paradoja resultaron en un tipo de música que funcionaba, y que es “nueva”, cualquiera que sea el significado de este término hoy en día”.

En Jahtari son muy estrictos. Frente a la repetida aproximación moderna al dub que lo toma por un concepto maleable e infinitamente abierto, con el que se bautiza indiscriminadamente cualquier producción por el solo hecho de utilizar ecos o líneas de bajo prominentes, una de las primeras iniciativas del sello es cerrar sus puertas a todo lo que no sea verdadero dub. Para ello no dudan en definirlo de modo rotundo e incontestable como declaración de principios; también como criterio para aceptar y rechazar demos, y quizá implícitamente como forma de hacer pedagogía. “Para hacer música que “se sienta” como dub dos cosas son absolutamente fundamentales: 1) el BAJO es central, provee de ritmo y melodía; 2) el énfasis tiene que estar en el OFFBEAT, que lo diferencia de cualquier otra música. Por supuesto, los delays y reverbs juegan un rol importante, pero no son imprescindibles”. La reivindicación del dub auténtico no sólo opera frente a otros sonidos típicamente jamaicanos, sino también, y teniendo en cuenta el origen de los proponentes quizá de modo más significativo, frente a otras formas de música electrónica. Lo principal en cualquier disco del sello es que al escucharlo la impresión sea “¡ah, un tema de dub!”. Por ese motivo declaran casi maniáticamente que “no estamos haciendo electrónica, ni techno ni drum and bass con influencias dub, ¡sino exactamente lo contrario!”. El componente experimentador es, en todo caso, tan importante como la pureza estilística. Jahtari retoma el género donde quedó en el momento histórico en que queda suspendido, cuando Tubby fue asesinado y Mad Professor empieza a dedicarse al trip hop y las remezclas. Pero no desde el punto de vista tecnológico, evidentemente, sino desde la voluntad radicalmente experimental y el anhelo onírico que empujaba en el principio a los grandes productores del género. En su declaración de principios son explícitos en este sentido: “Jahtari no trata de emular los viejos clásicos con nueva tecnología, ¡sino en hacer dub que no fue o no pudo ser hecho antes!”.

Un buen acercamiento a la música del sello es partir de su recopilatorio Jahtarian Dubbers Vol. 1, entrega que repasa no sólo la paleta de sonidos profundos y digitalmente humeantes de la casa sino que también ofrece una primera panorámica de la amplia red de músicos que participan del proyecto. Y es que aunque se trate de una discográfica que plancha vinilos y vende digitalmente en Boomkat, el aroma que desprende es independiente y comunitario. Buena parte de su discografía cuenta con licencia Creative Commons, y a través del magnífico interfaz de su página se puede escuchar todo su catálogo sin límites. Destaca su colección de NET 7’’, exactamente iguales a un siete pulgadas convencional (provisto de cara A y B, ruido de la grabación, cuidada portada, ¡incluso lo vemos girar al reproducirlo!) si no fuera porque sólo están disponibles virtualmente en la red. Jahtari combina la publicación tradicional con la idiosincrasia de netlabel, lo que hace posible que los músicos presentes en la recopilación vendan discos, normalmente de modo digital, y ofrezcan otros en descarga gratuita.

En el repertorio destacan disrupt y Rootah, cofundadores del sello. Mientras que el primero, Jan Gleichmar, proviene del breakcore y del gabba, Christoph se dedicaba en los noventa a pinchar techno y a coleccionar vinilos de electro y Detroit . Cuentan que se conocieron en 1998 trabajando en una obra. Pronto profundizan en sus pasiones comunes, la marihuana y la música electrónica, se empapan cada vez más del techno profundo de Basic Channel y comienzan a interesarse por la faceta más puramente dub de modo simultáneo a Pole o Moritz von Oswald. El encuentro desemboca en el feliz hallazgo del concepto de Digital Laptop Reggae. En su formulación más elemental, el DLR no es más que “música reggae producida con un ordenador”. Una receta que sólo requiere dos ingredientes: “tiene que basarse exclusivamente en riddims y debe ser hecho nada más que con un ordenador por lo que es 100% digital”. Ahora bien, tomadas estas palabras de modo literal podrían llevar a una mera emulación de la música practicada por Augustus Pablo con la tecnología actual, lo que no aportaría más que un ejercicio de nostalgia. Y musicalmente, un callejón sin salida.

Se hace preciso desarrollar los dos componentes que dan forma al DLR. En primer lugar, es necesario entender que la referencia a los riddims es de gran calado. En la música jamaicana, un riddim no es más que el esqueleto de una canción. Formado por un patrón de batería y una línea de bajo, sobre esta estructura se construyen luego decenas de canciones, hasta el punto de que diferentes grandes éxitos pueden compartir un mismo riddim. Pero más allá de configurar un recurso compositivo, la alusión al riddim tiene connotaciones más profundas ya que hace referencia a la esencia misma de las composiciones. “La clásica estructura de canción de estrofa y estribillo, que puede encontrarse en todo el pop, no existe en el dub. La estructura está hecha de sonido, y solo sonido. El riddim es el cimiento, con el bajo como elemento más importante, y dada la forma de loop del riddim, este se vuelve extremadamente hipnótico”. Las implicaciones de esta estructura son extraordinarias porque altera completamente la forma compositiva tradicional de la música popular. Con un acercamiento claramente minimalista, donde la canción se basa en la combinación de una línea de bajo, un juego de batería, algunos efectos y una melodía apenas esbozada, el dub no tiene límites temporales y su impulso solo tiene que ver con la tensión que va desarrollando y la incertidumbre del proceso. “Quitando de repente uno de esos elementos, trayéndolo de vuelta de nuevo o simplemente cambiando los parámetros de un efecto, se crea tensión. Siempre existe tensión en un tema, nadie puede prever que ocurrirá ni cuándo”. La explicación se refiere al dub, pero es válida para cualquier forma de música electrónica, ¡especialmente cuando se desarrolla en una sesión de DJ!

El segundo elemento del DLR es igualmente importante. El reconocimiento a la tecnología es necesario, porque está en el origen mismo del dub, una música que ha ido construyéndose en función de la tecnología disponible en cada momento de tiempo. King Tubby es universalmente reconocido no solo por su talento musical sino también, y muy especialmente, por su habilidad técnica. El dub está estrechamente ligado al equipo de producción disponible, y en ese sentido es fundamental otorgar el protagonismo debido a las posibilidades técnicas que la tecnología actual concede al productor. Pero el término “digital” no sólo tiene que ver con la utilización de ordenadores y software nunca antes imaginado. También implica, y eso es lo importante desde el punto de vista musical, la existencia de técnicas totalmente innovadoras. En Jahtari rinden en este ámbito respeto al avance que supuso la corriente Clicks and Cuts. Las posibilidades producción cambiaron y se expandieron, especialmente en términos de deconstrucción, de tratamiento del sonido y de utilización de efectos antes desconocidos. La relación entre estos avances y temas como Selassi I Continually quizá no sea aparente, es posible que este heavy dub que suena a videojuego y a planetas lejanos no guarde una conexión directa con los experimentos áridos de Mille Plateaux. Pero del mismo modo que Maurizio y Robert Hood piensan la música como se hacía en Black Ark, y no nos damos cuenta, este dub alucinante utiliza en su construcción la artesanía digital de Oval o Raster Noton.

Disrupt y Rootah no ocultan, por supuesto, una influencia que es evidente muchas veces en Jahtari. Antes bien, muestran sin disimulo su devoción. La sombra de Rhythm & Sound y la serie Burial Mix aparece frecuentemente en las producciones del sello. En este Dubbers Vol 1 la muestra más clara es el Machines and Ghosts de Illyah & Ltd Candy, una pieza de dub hermoso y delicado, penetrante, hondo. La voz de Ltd. Candy trae a la mente las incursiones en la órbita techno de Jennifer Lara junto a Rhythm & Sound, el sonido aterciopelado que evoca el amor y se funde y amalgama con la cuidada patina de efectos o la emulación computerizada de la melódica. Aunque la presencia de temas vocales no es esporádica, también son habituales los temas solo instrumentales. Músicos como el parisino Julien Neto toman inspiración del ambient, género que desarrolla en el maravilloso Le Fumeur De Ciel, para crear paisajes de dub delicado que hipnotizan, trozos de sonido que deseamos no terminen nunca. Todos los elementos característicos de Jahtari están aquí, como el culto a los clásicos o el humor. Mientras Blaze Dem actualiza en sueco el dub terrorífico de Scientist y su enorme Scientist Rids The World Of The Evil Curse Of The Vampires, Disrupt hace del dub un juego de niños con el chiptune Kozure Okami, puro dub de 8 bits.

Jahtarian Dubbers Vol 1 es solo un repaso a una parte del universo Jahtari. En 2010 publican su continuación, un segundo volumen que da una perspectiva actualizada del sello. Desde sus comienzos no han dejado de ampliar las fronteras sonoras del dub sin dejar de lado las señas de identidad del género y del sello. El dub en sus manos puede ser un chiste, la melodía de un cartucho de la Neo Geo, dancehall poderoso incontestable en la pista, lovers rock para extraterrestres o hechizado reggae de cadencia humeante. Sea cual sea la forma en que lo traten, el dub en Jahtari es puro, experimental y divertido, todo lo que siempre fue y mientras en Leizpig sigan tocando, será.

VA – Jahtarian Dubbers Vol 1

1 – Afrikan Simba & Rootah – Alternative Power

2 -  John Frum – May In Dub

3 -  Blaze Dem – Roots Defender

4 – disrupt – Kozure Okami

5 - Ilayah & Ltd. Candy – Machines and Ghosts

6 - Blue Vitriol – Cryovolcano

7 - John Frum – January Dub

8 - Pete Murder Tone – Paper Tiger

9 - Rootah – Holy Mount

10 – disrupt – Selassi I Continually

La biografía del grupo ha sido narrada muchas veces. En su germen están Juan Atkins y Richard Davis. El primero, un joven de las afueras acomodadas de la ciudad que perseguía dotar a Telex o Gary Numan de un punto funky con un sintetizador primitivo, se encuentra en un curso de grabación con Davis, un veterano de Vietnam obsesionado con la ciencia ficción y la mística de la cábala. Ambos descubren pronto su común interés por la música electrónica y forman Cybotron. Comparten, o más bien Davis le enseña a Atkins, los libros del sociólogo Alvin Toffler, una fuente inagotable de imaginería sci-fi de la que extraen tanto los nombres de su grupo o el género que estaban por alumbrar como las líneas maestras de la mitología futurista que impregnaría toda su música. Hasta 1985 encadenan una serie de producciones muy avanzadas que se reúnen en su mayoría en el álbum Enter. Una vez alcanzado el ecuador de la década, Atkins deja el grupo para centrarse en su carrera en solitario adoptando un nuevo nombre, Model 500, y lanzando su propio sello discográfico, Metroplex. Aunque las bases ya están sentadas, es entonces cuando el género adquiere forma definitiva. Pronto dejará el subsuelo de la Ciudad del Motor y tomará las noches del globo entero. Juan Atkins continúa su carrera llegando a ser reconocido en la actualidad como el “padrino del techno”, sumándose a su nombre de modo habitual el apelativo “originator”, título que acredita su rol como creador del estilo.

La historia oficial de Juan Atkins es bien conocida. Seguir a Richard Davis, sin embargo, resulta extremadamente complicado. La versión convencional de la historia parece querer, intencionalmente o no, restarle importancia. Autores como Ariel Kyrou afirman tranquilamente que “Juan Atkins creó Cybotron en 1981”. Lo habitual es que se repita una fórmula biográfica ya consolidada que introduce a Juan Atkins en primer lugar, nombra después el proyecto musical para añadir por último a Davis presentándole como “compañero” del primero. El mismo Atkins asume la explicación que le acredita como fundador cuando explica cómo se conocieron: “encontré a Rick Davis, que se convirtió en la otra mitad de mi grupo, Cybotron”. No hay indicio, sin embargo, que demuestre la existencia de una banda con anterioridad al encuentro de ambos productores. Quizá Atkins ya trabajara en ello, pero discográficamente Cybotron solo comienza con ambos funcionando en tándem. En realidad, de las entrevistas contemporáneas a Atkins lo único que se desprende es que, en el momento de conocerse, el de Belleville quedó maravillado ante el arsenal de sintetizadores del que disponía Davis. Es claro que éste tenía un dominio de este tipo de instrumentos superior al de Atkins. También debía llevar produciendo música por lo menos tanto tiempo como él. O quizá más, porque el veterano de Vietnam ya había publicado en solitario con anterioridad a Cybotron un 7” de ambient que salió en 1978 y que llegó a ser utilizado por The Electrifying Mojo como sintonía de su popular programa. ¿Hasta qué punto entonces llegó a influir Davis sobre Juan Atkins?

Es difícil saberlo. No existe, más allá de la extraordinaria música que componen juntos, demasiada información de la época durante la cual el grupo está en activo, y una canción por sí sola no revela normalmente ni la forma de componer, ni la organización del trabajo, ni el peso de cada componente en el grupo. Ni siquiera toda la producción del grupo es exclusivamente suya, pues el misterioso guitarrista John “Jon 5″ Housley participa ocasionalmente en Cybotron desde 1982, figurando en los créditos de las grabaciones como único compositor de algún tema como The Line o coautor de otros como Enter. Se puede especular comparando los discos de Cybotron con las primeras producciones de Juan Atkins en solitario inmediatamente después de dejar el grupo. Quizá la temática pierda el componente político explícito de temas como El Salvador para abrazar completamente el escapismo cyberpunk y la alegoría espacial. Pero en términos musicales, la extrapolación carece de sentido, porque entre 1982 y 1986 se abre una brecha enorme en términos estilísticos. El electro prácticamente había desaparecido, la 303 no tardaría en imponer la ley del acid house y la experimentación llevaba años ampliando su rango de acción de modo cada vez más acelerado. Más indicativo, entonces, resulta confrontar la música que Davis y Atkins producen individualmente desde su separación, cuando el primero mantiene el grupo Cybotron y el segundo se centra en el colectivo Deep Space Soundworks junto a DJs como Derrick May y Kevin Saunderson y comienza su época más prolífica desde su plataforma Metroplex.

¿Cuál es el motivo de esa ruptura? No existe unanimidad entre los biógrafos. En ocasiones se lee que Davis estaba traumatizado por la guerra y que las secuelas de ésta le impidieron continuar. Su producción posterior, aunque no sea abundante, parece desmentir esta versión. Otra explicación, más frecuente, afirma que Davis pretendía seguir una carrera más orientada hacia el rock, mientras que Atkins deseaba continuar desarrollando el proto techno de Clear. Aunque matizado, este razonamiento parece más fiel a la realidad. En 1985 se publica el último disco que Atkins grabaría como Cybotron, otro tema en el que Jon 5 toma parte. R-9 es una producción que no se aparta un ápice del sonido característico del grupo hasta entonces: sincopados ritmos electro, un bajo de funk que se antoja destilado sintéticamente, tenebrosos sintes que atraviesan el espacio sonoro, letras insufladas de paranoia (just in front of a mirror/ i was reaching for a light/ something woke up in the dark/ hidden from my sight). Algunos de esos elementos continúan presentes en la producción posterior de ambos, pero son más las diferencias que los separan. El Cybotron de Rick Davis en solitario (nada más se sabe de Jon 5) suena en 1986 muy cercano al synth pop y poco le queda de electro. Bajo el nombre 3070 publica el 12’’ Vision, un disco que mantiene una sonoridad envolvente y oscura, pero donde tanto la arquitectura rítmica como la presencia cada vez más dominante de la guitarra lo acercan antes al Black Celebration de Depeche Mode que a Kraftwerk. Al mismo tiempo, se descubre la libertad que Davis tiene ahora para dar rienda suelta a las ideas que más le inquietan, lo que se hace patente en títulos como Megiddo, tema que remite al Apocalipsis narrado en la Biblia. Interesantemente, el sonido de Megiddo enlaza directamente con uno de los títulos más cercanos al techno-pop que el Cybotron de Atkins firmara en 1983. La conexión con Industrial Lies es indiscutible: en la cadencia, en la presencia de instrumentos orgánicos y, muy especialmente, en la voz de Davis. No sorprende, entonces, descubrir que Industrial Lies está compuesto exclusivamente por 3070, alias tras el que se esconde Rick Davis.

Cybotron (Atkins, 3070 & Jon 5) – Industrial Lies

Cybotron (3070) – Megiddo

Model 500 (Atkins) - No Ufo’s

La producción de Atkins como Model 500 no puede estar más alejada de la línea seguida por su ex compañero. El vinilo de 1983 es revelador y funciona como un espejo en el que se reflejan las dos sensibilidades que habían convivido hasta entonces en Cybotron. Mientras Megiddo continúa el sonido del Industrial Lies de la cara B, la música de Atkins en solitario se vincula íntimamente con la cara A del disco, Clear, producción que para algunos porta ya todos los elementos del ulterior techno. Varios de los clásicos de Model 500 verán la luz en el 1986 de Megiddo y todos comparten el soul mecánico y tecnificado incubado en Clear, nada que ver con la aproximación a Ultravox hacia la que Davis parecía tender. Atkins no ha dejado completamente de lado el electro que aún emparenta sus composiciones con Jonzun Crew o Warp 9, pero los patrones four to the floor son cada vez más reconocibles en su música. Temas como Future o Technicolor son claros ejemplos de cómo los breaks siguen presentes. Otras producciones, sin embargo, están liberadas del ritmo roto. En la base de No Ufo’s ya ha desaparecido completamente el breakbeat en un desarrollo en el que el ritmo funciona a base de potentes golpes de TR-909 en cada negra. Más allá de la estructura rítmica, las producciones de Atkins siguen profundizando en lo que separa al techno original del primer electro. Como explica Sean Albiez, “el electro dependía también de un amplio uso de patrones de caja de ritmos y una instrumentación casi exclusivamente electrónica, pero una de las diferencias clave [con el techno] era la falta de una conceptualización discernible en las letras de corte rap”. Efectivamente, las producciones de Model 500 continúan la temática futurista que ve Detroit como una ciudad cuasi mítica, similar al Metropolis de Fritz Lang. Esa visión no sólo refleja la historia de segregación racial y económica de la ciudad más poblada de Michigan, sino que también contiene la imagen de un futuro en el que encontrar escapatoria. Cybotron no pretendía en su Techno City buscar refugio en el espacio exterior, su vía de escape estaba aquí, en un Detroit tan robotizado y cibernético como había podido soñar una generación rodeada de plantas de montaje de automóviles desde su infancia. Rick Davis deja esta aproximación para acercarse a una forma de R&B místico, pero Atkins sigue imbuyendo su música del componente fantástico y de ciencia ficción en títulos como Time Space Transmat o The Chase.

Richard Davis en 1993 - Jerusalem (del álbum Empathy publicado en Fantasy)

Juan Atkins en 1993 - Neptune (del álbum Sonic Sunset publicado en R&S)

Richard Davis continúa utilizando el nombre Cybotron, pero desde la ruptura únicamente publica el tema Eden en 1986, otra canción de synth pop en la línea de Industrial Lies. Después se hace el silencio durante 7 largos años durante los cuales solo es posible rastrear su firma en recopilatorios intrascendentes. En 1993 publica el álbum Empathy. Un dato interesante, y que vendría a corroborar la idea de la diferente aproximación a la música de Atkins y Davis, es el formato. Mientras que no es habitual encontrar LPs a lo largo de la carrera de Juan Atkins, Davis no solo tuvo la mayor parte de su trabajo como Cybotron publicado en el largo Enter tras su fichaje por el sello Fantasy en 1983, sino que además parece sentir predilección por este formato durante su escasa trayectoria en solitario. Desde el punto de vista musical, Empathy parece la continuación de Eden, un epílogo de trece canciones compuesto en el 93 por un autor que no parece haberse tomado la molestia de encender la radio durante casi una década. El disco es irregular. En ocasiones intenta un electro rock que no funciona bien. Abundan las piezas cuasi religiosas o apocalípticas, pobladas por voces inteligibles llenas de ecos e instrumentaciones góticas. Tiene momentos de ambient electro con ornamentaciones orientales o cercanas a la world music que salvan el conjunto, más por el respiro tras la alucinación que por su propia calidad. Quizá el problema no esté tanto en la comparación con su antiguo compañero, cuya música poco tiene que ver en esta época con la de su antiguo socio, como en las sombras que arroja al ponerla en perspectiva y tener en cuenta el lugar en que la música electrónica se encuentra ya no sólo en Detroit sino en otras latitudes. Tanto Empathy como el posterior Cyber Ghetto publicado en 1995 se antojan trasnochados al escuchar hasta qué punto el techno y otras formas de electrónica de la época se habían desarrollado.

La voz de Richard Davis, desde el punto de vista musical, se acaba aquí. Es posible observar hacia dónde se dirige su mirada entrando en su página web personal, un portal poblado por enlaces relacionados con el Necronomicon y el Apocalipsis, grabados de autos de fe, links caducados a la CIA, imágenes de manga y videojuegos violentos, citas de H. P. Lovecraft y vídeos de ambient turbador. En ella ofrece un catálogo de nombres de si mismo, algunos tan extraños como The Dread Cyber Lord Apocalypse o The El Ma’Arij D’Jinn. Desde el punto de vista musical, no hay prácticamente nada que haga alusión ni al rol capital que juega en la creación del techno ni a si sigue produciendo. Aunque el sitio esté activo, se encuentra francamente desactualizado, haciendo de la página una ventana empañada a través de la que no se ve gran cosa. Resulta imposible sortear el misterio que rodea la trayectoria de Davis desde la salida de Atkins de Cybotron. Quizá incluso desde que tenemos noticia de él. Se trata de un ser atormentado con un talento innegable para la música cuyos conocimientos y sensibilidad estuvieron un día al servicio de una de las más perfectas bandas sonoras de la edad contemporánea. Aunque su contribución no pudiera prolongarse, es preciso que sea reconocida. El techno se lo debe.

Uno de los periodos de una mayor eclosión artística y creativa en torno a la música electrónica se vivió entre los años 1978 a 1985. Una época pre Midi donde el ingenio y la destreza a la hora de manejar sintetizadores y cajas de ritmo marcaba el devenir de los grupos.

La semilla plantada por pioneros como Kraftwerk, Yellow Magic Orquesta, los primigenios Human League, John Foxx, Gary Numan, o Tuxedomoon daba sus frutos, haciendo eclosionar en cualquier rincón a decenas de grupos, sin demasiadas pretensiones, que grababan casi artesanalmente en sus estudios caseros sus propios trabajos, que ideaban el artwork y que se encargaban ellos mismos de la distribución, armados con sus ideas románticas y sus nuevas máquinas para idear música, persiguiendo una idea futurista y melancólica de la existencia que plasmaban sobre sus ensoñadores trabajos.

Solid Space es un claro ejemplo de esta primera ola que se estremecía entre la New Wave y el Synth Pop y que ha sido últimamente recuperada y reivindicada como Minimal Wave. Formado a finales de los 70´s por Maf Vosburgh y Dan Goldstein, dos amantes de la ciencia ficción, del Doctor Who y de la primera electrónica, quienes se encontraron por primera vez, a la temprana edad de los 11 años en la misma clase de la escuela primaria. Allí comienza la fase embrionaria del grupo, que no tarda en plasmar sus inquietudes en una primera banda seria de new wave y punk rock, Exhibit A, junto a un sello donde auto-publicarse, Irrelevant Wombat Records (1979). Los chicos iban en serio y por entonces solo contaban con catorce años.

Un año después nacerá Solid Space, proyecto al que nuestros protagonistas dedicaran a tiempo completo sus siguientes dos años, ocupados en la gestación del que sería a la postre el único LP del grupo, “Space Museum”, que no vería la luz hasta 1984, cuando aparece publicado en cinta de casete en In Phaze Records.

Grabado en un rudimentario ocho pistas en casa de Dan, la creatividad de este dúo se desborda en una obra injustamente olvidada en el tiempo y que incomprensiblemente no tuvo continuidad, ya que tras este trabajo la historia del grupo se desvanece y se esfuma por completo. Nada más se supo de ellos, salvo alguna reseña reivindicando el disco y alguna entrevista, en fanzines difíciles de conseguir, con Maf Vosburgh.

Solid Space debería de haber ocupar un lugar destacado en la historia de la electrónica por este insuperable LP. Pero la historia ha sido injusta con muchos de sus héroes. Nostalgia y soledad, experimentación y dejes industriales en su justa medida, guitarras acústicas que buscan su protagonismo susurrando tristeza y que recuerdan a los Cure de “Faith“, junto al embrujo de los sintetizadores que nos empujan con sutileza al espacio desconocido.

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Canciones austeras, representadas en su mínima expresión, de estructura y armonía pop pero envueltas en una estela de misterio y romanticismo decadente. Paisajes oscuros y ambientales, música concreta, grabaciones de fragmentos tomados de emisoras de radio y de lanzamientos espaciales, estructuras repetitivas, y una voz que recuerda al Poesie Noire más angustiado; cajas de ritmos primitivas que insufla un fino halo de vida gris, y reminiscencias a Suicide y Cocteau Twins.

Una verdadera joya de la electrónica de principios de los ochenta que espera impaciente que algún alma caritativa con medios se decida por su obligada reedición. Algunos rumores apuntaban a un 7” en Tigersushi, y otros añadían más incertidumbre al tema, asegurando que la propia banda estaba buscando los masters originales para intentar una reedición en toda regla. Seguiremos atentos a cualquier atisbo de movimiento en el lejano universo Solid Space.

Solid Space – Space Museum (In Phaze Records)

A1. Afghan Dance

A2. Spectrum Is Green

A3. Destination Moon

A4. The Guests

A5. New Statue (“Morning Song“)

B1. A Darkness In My Soul

B2. Radio France

B3. Tenth Planet

B4. Earthshock

B5. Contemplation

B6. Please Don’t Fade Away

DJ Set @ Spazzmajazz

01. Gottfried Michael Koenig – Funktion Grau
02. Jamie Lidell – A Little Bit More
03. Gescom – Slow Acid
04. Sensational & Kouhei Matsunaga – Fine Wine
05. Dual Purpose – Hobs
06. Speedy J -Drainpipe
07. Swarm Intelligence – Scyrbb
08. Aphex Twin – Disc #2, Track #3
09. Kouhei Matsunaga – Hand With Possibility
10. Machine Drum – Half The Battle
11. Vertical67 – Theia
12. Antipop Consortium – Ghostlawns
13. Sensational & Kouhei Matsunaga – Skrippin’
14. Gescom – Mag
15. Req – Mirror Beats
16. Kero – Untitled (On Acid Again)
17. Tupperwear – Exila
18. Glen Velez – External Combustion (Richard Devine Remix)
19. Phoenecia – Eyebrow
20. Quinoline Yellow – Eu Jach
21. Mu – Stop Bothering Michael Jackson

Swarm Intelligence – Against The Grain

01. Throbbing Gristle – Seperated [Mute Records]
02. Scorn – Doors [Hymen Records]
03. Pan Sonic – Pan Finale [Blast First Petite]
04. Autechre – Pce Freeze 28i [Warp]
05. Dual Purpose – anx9i [30mil Recordings]
06. Surgeon – The Crawling Frog is Torn and Smiles [Dynamic Tension]
07. Exium – Fresh Meat [Nheoma]
08. Cynthia Stern – Follow (The Wee DJs Mix) [Input - Output Inc.]
09. Eomac – Unite [!Kaboogie]
10. Somatic Responses – Cymrojunk [Acroplane Recordings]
11. Moderat – Seamonkey (Surgeon Remix) [BPitch Control]
12. Unknown Artist – Ugandan Speed Trials B [DN]
13. Fran Hartnett – Sword & Shield [Forthcoming on Stasis Records]
14. Synapscape – Folded Sheets of Silver [Ant-Zen]
15. Bas Mooy – Bloedneus (Oliver Kucera Remix) [Audio Assault]
16. Obscurum – Dom (Reeko Mix) [Mechanisms Industries]
17. Bradley Strider – Untitled [Rephlex]
18. Autechre – 90101-5l-l [Warp]
19. Rory St John – Silence is Golden, Ductape is Silver [Unreleased]
20. Swarm Intelligence – Hcdoer [Unreleased]
21. Cabaret Voltaire – Lost Possibilities of Modern Dreams [Virgin]
22. Shane O’ Donovan – CFRmx2 [!Kaboogie]
23. Nonima – Antisocialite pt. II [Forthcoming on Stasis Records]

+ info: http://www.swarmintelligence.net/

Tommy Blackburn aka Tommy Boy, es el ideólogo de este mix con artistas locales rescatados de lo más profundo de los Estados Unidos. Un triángulo imaginario formado por Austin, Houston y Dallas, que sorprende por la cantidad insana de artistas con material interesante, (y también inédito en muchos casos), que ha sido capaz de generar y que desplaza a un nuevo lugar la actividad electrónica, hasta ahora acaparada casi en su mayoría por los tradicionales centros neurológicos que todos conocemos (Detroit, Chicago y NY).

Dejemos que el propio Blackburn nos de más pistas sobre esta incipiente escena mientras nos perdemos en este particular y estimulante universo sonoro.

“I am fortunate to live in a place where so many of my peers are creating the kind of music I love. When most kids are worrying about how the grass is greener elsewhere, these bands are working hard to make where they are where they want to be. This mix is different: it is not vintage or obscure records emanating from some small corner of the globe, but rather all current Texas synth based projects covering multiple genres. Included is everything from Industrial EBM to Techno, Leftfield Disco to Electro, Deep House to Minimal Wave and even a little Screwgaze for good measure.

I am grateful to all groups who were so kind to contribute to this compilation; special thanks to Klearlight Studios for helping master the final mix as well as producing several of the bands in it. I’d also like to thank Answering Machine Records for their submissions as well as their continued output of quality Texas synth music. I wouldn’t be who I am today if it wasn’t for all my creative friends across this big state.

There is something sacred in the geometry connecting Houston, Austin, and Dallas – this love triangle that we’re all a part of. This mix is a testament to what friends and neighbors are capable of and it’s a fitting time capsule for this time and place. If there’s only one thing I can say about this mix, it’d be simply, “Don’t Mess with Texas ”

TommyBoy – Texas Love Triangle Mix

Tracklist

George Quartz – Coconut
Phantastes – Flight of Stares
Darktown Strutters – Silver Bullet
Indian Jewelry – Same Mistake Man
Corporate Park – Intimate Precision
//TENSE// – Versus Man (TX Love Remix 2010)
Seth Nemec – Count Zero
Jake Schrock – TrigonE.R.P. (aka Convextion) – Frozen Volatiles
DYX – Lips in the Darkness (feat. Press-On)
Submersible Machines – Riding Theta Waves
Missions – Phantasy
Medio Mutante – Transit (Demo)MVSCLZ – Fascination (Across The Nation)
R9 – Dreamdance
edrupt – M-U-S-I-K
betdat – nex (Radio Edit)
MKF KÜNST – Venga (TX Love Remix 2010)
Berliner Eins – Nite Life
Twisted Wires – Hell
Low Red Center – Historic Edition
S U R V I V E – White CloudsFuture Blondes – NIGHT ANALYSIS (Oppenheimer Analysis “Behind the Shades” RMX)
Psychic Violence – U is Moon
How I Quit Crack – Gone Away
xix – 1111(v7)

+ info: http://www.20jazzfunkgreats.co.uk

100% analógicos. Con un póker de Rolands y un buen puñado de cachivaches más, consiguen un sonido duro, compacto y contundente, perfecto para perder la cabeza en la pista de baile. Aunque puede decirse que son novatos en esto de la producción, llevan años organizando eventos furtivos en su ciudad (Lido di Ostia, Italia), abarcando todo tipo de disciplinas cercanas, de esas que complementan el noble “arte del pinchar”. Su primer tema editado, Zerosei (Narcosis01, 2010), se presenta como perfecto aperitivo para el plato principal, y ya cumple con una de sus principales premisas: acabar con el abuso de sonidos prefabricados en el que nos hemos visto sumergidos durante los últimos años, a través del retorno del acid más old school.

Tres temas redondos, llenos de mala baba, rápidos, oscuros y muy contundentes, donde destacan sus ganas de zarandear conciencias y despertar a la prole del letargo. Mr. Gasmask aporta un pedacito de experiencia al EP con un tema serio, profundo, algo más lento, pero igual de efectivo que sus compañeros de la cara A. Incluye un cuarto corte, a modo de fragmento musicalizado de un famoso speech de la película “La Chaqueta Metálica”, embadurnado en ambient oscuro, que da vida al artwork de la referencia. Pura metralla.

Acidolido & Mr Gasmask – Full Metal Acid EP

A.1 Acidolido – The Pool Of Tears

A.2 Acidolido – Private James T. “Joker” Davis

B.1 Mr. Gasmask – Kraam

Y como extra bonus, un live act, para escuchar de primera mano como se las gastan en directo los italianos.

Acidolido Liveset Acid

 Live setup:
TR909
TR808
2xTB303
Korg KMS30
Ableton Live

Decía durante una entrevista que si una persona nacía en la ciudad del motor durante los setenta u ochenta sólo tenía tres caminos a elegir: o trabajar para la industria automovilística, o convertirse en músico, o caer en el mundo de las drogas. Aunque realmente Kenneth Dixon nació en Los Ángeles, se crío en la ciudad de Detroit, y  no dudó en escoger la segunda opción y  dar desde entonces lecciones de buen gusto tras los platos bajo el sobrenombre de Kenny Dixon Jr. La elegancia de Detroit visita Hamburgo.

La ciudad de Hamburgo parece un lugar de lo más tranquilo y pacífico de cara al sol, pero al caer la noche transforma sus calles por completo y muestra su cara oculta en el ruidoso barrio de St. Pauli. Por suerte existe una alternativa a los incontables peep shows, casas de juego, y licorerías que atestan la calle principal; y no todo el mundo yace en las aceras con niveles incalculables de alcohol en sangre. Una pequeña puerta que pasa desapercibida entre tanto cartel luminoso y el griterío hooligan, esconde un recóndito club. El inapreciable letrero con la palabra Baalsaal da la bienvenida a un sótano en el que uno se puede olvidar de las incansables sirenas de las ambulancias, el ir y venir de la policía, y la jauría humana que campa a lo largo de la ajetreada Reeperbahn. Un cartel en el que aparece un tipo con gafas de sol, perilla, y un descarado pelo afro, anuncia la actuación de un invitado para esa noche, en letras mayúsculas Moodymann, Mahogani Music.

La razón de nuestra visita no tardó en aparecer por cabina. Dos treinta horas y Kenny Dixon Jr. se apostó a los mandos: rostro serio, refinado sombrero, y toalla al hombro. Mostrando una pasividad que incluso intranquiliza. Se colocó frente a la pista, apenas dos miradas al público y con sus cascos -de ipod por cierto- dio las buenas noches al respetable y ya avisó que estaba ahí para enseñarnos algunos discos que había traído. La sorpresa fue darse cuenta, ya desde el primer tema, que al finalizar su sesión no íbamos a tener si quiera la más mínima opción de salir defraudados. ¿Qué puedes reprocharle a alguien que detiene la música sin tapujos y comienza la sesión sentando  catédra con una versión bajada de bpms de “Come Together” de The Beatles. Primera conclusión: a un tío de Detroit con sombrero no se le lleva la contraria.

No podríamos decir que elaboró una sesión en toda regla porque aquello era más bien una reunión de colegas en el salón de su casa. Impasible, Moodymann seleccionaba los temas que el mismo quería escuchar, mezclando sin ningún problema y comentando la jugada a los que allí nos encontrábamos. Alardeando con total elegancia de un buen gusto extraordinario. A pesar de lo que esperábamos, el público no andaba en absoluto perdido, las primeras filas sabían de sobra quien andaba tras los platos deleitando sus oídos. Cada cierto tiempo Moodymann miraba a la pista sonriente dispuesto a poner algún clásico precedido de una breve charla que comenzaba con esa erótica voz “Ahhh… is everything all right there?” Y todo estaba más que all right. Tan pronto como la pista escuchaba la relajante voz entraba en fervor.

Los temas vocales no cesaban en los altavoces y las lujuriosas voces no hacían más que incitar al baile. Nos sorprendió y se agradeció que se permitiese la licencia de pasarse a un Disco con ramalazos de Italo como es el “Feel the Drive” de Doctor’s Cat. Momento pro-vinilo con una remezcla de Roy Ayers para Bah Samba, cuando dejó caer varias veces la aguja en el disco preguntando “Can you hear that? that is the needle, and this is a vinyl” y no tardó en dar sus razones para venerar el amado vinilo “I like it, I can touch it, and I can feel it”  Segunda conclusión: larga vida al vinilo y larga vida a Moodymann.

Tuvo ocasión de presentar alguna de las producciones incluidas en el Black Small Church, publicado en su propio sello que lleva por nombre sus iniciales, KDJ. E incluso introducir algún tema de tintes  ácidos, del  primerizo y verdadero Chicago House, firmado por el grupo Master C&J, ocasión que aprovechó Moody para alabar todo ese “early Chicago” producido en los ochenta. Más clásicos, en esta ocasión una desconocida remezcla del afamado “Get Down Saturday Night” de Oliver Cheatham. El veterano Kenny Dixon no olvidó su chiste de las  “12  inches” y aprovechó una vez más para resaltar su amor por el vinilo frente al distante laptop de turno.

Disco, Funk, House, vocales y más vocales que provocaban la eyaculación de todos los sentidos, Soul carnal para las masas. Otro de los  momentos de la noche cuando Moodymann ofreció sus respetos a uno de los más grandes: Larry Levan con su genial remezcla al clásico “First Time Around“ de Skyy (Saulsoul Records 1979). Una sesión completamente sensual, tan tórrida como la calurosa sala, cargada de ese tipo de pianos y saxos que entran directamente por la parte inferior de la espina dorsal y cual descarga eléctrica llegan al cerebro erizando todo el vello que encuentran en su camino. Sonrientes de oreja a  oreja  lo único que uno podía añadir  a modo de conclusión  antes de abandonar la sala era: ¡tócala otra vez Moodymann!

Fotografía: Noemi Larred.

Texto: Adrián Líndez.