Ya sólo con esa lujuriosa voz que se funde entre flagelaciones a modo de intro puede parecer que nuestra siguiente sesión modular fue grabada  durante la llamada edad dorada del porno internacional allá por los setenta. Éste mix podría ser la mejor banda sonora para una época en la que la industria pornográfica tuvo una aceptación y distribución como nunca antes se había visto. Spaziale es quien firma la nueva entrega, y nos regala así el tercer volumen de su alabada serie Porno Disco, una saga en la que el artista personifica el espíritu de libertad sexual de los setenta. Funk, groove, Disco, vocales femeninas, y mucho más que erotismo.

Spaziale forma parte de una nueva generación de fanáticos del Disco que no dejan de ahondar y profundizar en el género. Su pasión y adicción  por coleccionar vinilos comenzó gracias al revival del Italo Disco, impulsado en gran parte por plataformas como la famosa estación espacial CBS, actual IntergalacticFM. Esta obsesión por el Disco, y vinilo, le llevó a sumergirse por completo en la época de los setenta quedando hipnotizado por las eróticas vocales femeninas,  que por su puesto,  son las protagonistas principales de este mix. Spaziale tiene bien clara la fusión entre el cine de adultos y el Disco, y es un absoluto conocedor de la historia de éste en España e Italia. De hecho, se considera seguidor devoto de artistas como Nadia Cassini (la señorita a lomos del caballo), Beatriz Escudero, o Susana Estrada, Musa de la Transición que aparece en la sesión con su extraordinario “Acaríciame”. Sigue asombrando que un sonido tan exquisito, una letra pasada de sensual, y una estética exageradamente temeraria para la época, naciera en una España recién salida de la dictadura  que aún no terminaba de despedirse del blanco y negro ¡Que viva el destape!  Pero por mucho que parezca que Spaziale vive en la costa malagueña, buscando resquicios de aquel radiante Torremolinos, su centro de operaciones se encuentra bien lejos de nuestro territorio, en la costa oeste de los Estados Unidos, San Francisco, donde sin el antifaz de Spaziale responde al nombre de Scott Hesselink. Y escuchando la sesión cualquiera puede imaginarse al bueno de Scott pinchando en casa con un batín a lo Hugh Hefner. La selección musical es para dejarse el sombrero y quitarse todo lo demás. Eyaculaciones sintetizadas, orgías vocoderizadas,  y desenfreno musical desde el primer segundo, todo ello mezclado con una increíble precisión. Mucho Macho, Stelvio Ciproni, o un tremendo “Satan in Love” cantado por La Bellini con el que fácilmente se puede llegar al orgasmo. Algunos de los temas ni si quiera están editados en vinilos y sólo se encuentran en vhs, muchos de ellos son auténticas bandas sonoras que hicieron de telón de fondo en películas clasificadas para adultos y que fueron inspiración para el americano. Compositores como Nico Fidenco, Manolo Gas, Riz Ortolani con “Do It To Me” en este mix, Alfonso Santisteban, y muchos otros que pagaban sus facturas gracias a sus colaboraciones (musicales eso sí) en películas de alto contenido erótico. Vocales en castellano, italiano, inglés, y francés, cualquier idioma vale, la provocación es un lenguaje universal y no tiene fronteras, bien lo sabía Judy Preston con su “Sexy Love”. Y por favor, atención a esa ardiente fusión entre temas que coquetean, se rozan, se acarician fogosamente, se abrazan y finalmente  se derriten en pleno clímax hasta formar un solo elemento; eso no es porno, no, eso es mezclar señores, ¡y qué placer! El famoso y maltratado “Hijack” pone una nota de funk  y nos da un pequeño respiro entre tanta bacanal. Cambio de tempo y gozamos con el Disco británico de Ysanne Carniss  y su “Cool It” ¿Para terminar la sesión? Prejuicios fuera porque esa voz carnal que tanto nos atrae, esa erótica melodía que nos embriaga, y ese salvaje inglés que se nos mete en la cabeza es nada menos que Sara Montiel, sí, esa misma que estáis pensando, la Sarita de España. ¡Olé por Spaziale!

Un nuevo volumen de la serie Porno Disco, y un nuevo capítulo de auténtico porno pero de ese tipo de pelis porno que bien merecen romper la regla sagrada y que no necesitamos adelantar ni rebobinar a algún minuto concreto, ésta sí que la vemos y disfrutamos entera. Lujuria, erotismo, sensualidad, Disco, y mucha, mucha pasión. Una sesión ideal para desvirgarse en el género.  Se permiten tocamientos.

Spaziale – Porno Disco Vol. 3

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Adrián Líndez.

Patrick Stottrop funda su propia e independiente idea de Zhark en 1996, buscando un lugar donde sentirse libre publicando una música, que por aquel entonces se movía por los límites del techno más extremo, un poco anclado y perdido en tierra de nadie, demasiado ritmo de academia para el salvajismo sin límites de gente como Hecate, (de quien acabó separándose tras dos referencias en el recién creado Zhark International), y demasiado experimental para el fan medio del techno que por aquel entonces monopolizaba el eje Detroit-Berlin-Birmingham. El sello se mantuvo en activo hasta 2007 y sirvió de plataforma para una interesante lista de productores que huían de los convencionalismos y que facturaban un techno realmente infernal y dantesco, abstracto y retorcido. Referentes hoy en día como Huren, Le Talium o el propio Patrick, con su personal proyecto conocido como Kareem.

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Nos centraremos en el legado de Kareem, una herencia que no ha sido suficientemente reivindicada, y que desapareció del mapa sin que tuviera el reconocimiento que sus producciones merecían. Recuperamos para la ocasión un live del alemán de sus últimos tiempos, que data de 2006 y que resume a la perfección la capacidad destructiva que contienen los surcos de sus producciones. Su música se basaba en la secuencia de loops monótonos y uniformes que viajaban acolchados por una tenebrosa capa de oscuridad, atmósferas opresivas, frecuencias extremas y muchos ambientes que evocaban a desalmados espacios industriales. Un sonido agresivo y envolvente, que jugaba con la repetición constante de unos beats limpios y pulidos, elevando al oyente progresivamente a una especie de estado mental, hipnótico y claustrofóbico nada apacible pero si muy adictivo.

Kareem Live@G16 (Leipzig) 25.03.2006

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Robert Leiner es para muchos de nosotros una figura clave en la historia de la música electrónica. Suyos son algunos de los más creativos trabajos que vieron la luz en ese periodo de eclosión mágico que se vivió muy intensamente entre el 92 y el 94. Lanzamientos en R&S y en respetado subsello, Apollo, que mantuvieron a nuestro protagonista en el olimpo de los creadores únicos.

Pero antes de convertirse en The Source Experience, Robert Leiner era sobre todo un respectado dj. Desde los 15 años ya andaba metido en la electrónica, navegando desde muy pronto por los mares de Eno, Can, Hassel, Kraftwerk, Tangerie Dream, YMO o Jarre, tomando de ellos elementos que adaptaba a su música desde su propio estudio casero en su ciudad natal, Goteborg, para más tarde acabar colaborando como ingeniero de sonido en muchos de los pequeños sellos de la ciudad que apreciaban sus enormes conocimientos en la materia. Durante este tiempo pinchaba en todas las fiestas que podía, ganándose una buena reputación como selector magistral y avanzado a lo que sonaba en su Suecia natal, debido a su amplia cultura musical, además de ser de los primeros en introducir en sus sesiones todo lo que llegaba por aquel entonces de Detroit y Chicago.

A principios de los noventa decide abandonar Suecia y establecerse en una de las mecas de la electrónica europea, Bruselas. Allí entra en contacto con R&S, primero trabajando como técnico para acabar dedicándose de pleno a las tareas de producción donde su vida profesional cambiará para siempre.

Recuperamos de esta época una de las pocas sesiones que se conocen de Leiner. Más de una hora donde el sueco pincha a todo ritmo, sin ninguna compasión, dejando bien claro el objetivo único de una música que vivía una eclosión creativa a principios de la década y que solo buscaba transportarnos a otra dimensión. Un documento perfecto para entender el nacimiento del trance que dominaría Europa durante los siguientes años y que aquí se mezcla con las habituales descargas ácidas, algunos breaks, melodías evocadoras, elementos cósmicos, techno directo a la yugular y muchos clásicos que a día de hoy siguen manteniendo todo su poder destructivo intacto. Imprescindible.

Robert Leiner – Dj Mix Gold Tape (1990)

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En la órbita modular nos entusiasman las sesiones que derrochan personalidad y riesgo. Selecciones que se desarrollan aparentemente sin seguir ningún guión establecido, sorprendiendo al oyente, llevándole a su terreno, explorando paisajes vaporosos y cambiantes, trascurriendo por lugares solitarios y oscuros siguiendo un fino hilo entre las tinieblas donde las inesperadas sonoridades nos descubren un mundo paralelo. Selectores que dibujan perfectos collages a base de todo tipo de elementos, que configuran un puzzle con infinidad de diferentes registros. Compendios inclasificables donde son válidas desde la música concreta al futurismo dadaísta, del dark ambient a los déjà vus industriales, de los chasquidos eléctricos a los susurros cósmicos. Tipos que van por libre y que no necesitan mirarse en el espejo de nadie. Selecciones que reflejan amor y pasión por la electrónica más abstracta e intangible.

La nueva sesión modular corre a cargo de Bobé van Jézu, activista sonoro belga, integrante del colectivo F.A.S.T. donde pincha música cuyo credo bebe directamente de las enseñanzas de artistas como Mike Harris, Techno Animal, Lustmord, Andrew Liles o Nurse With Wound. Perfecta carta de presentación para entender la historia que nos propone. Nuestro nuevo invitado imagina desde la sombría Bruselas un tejido complejo y gris que esconde un universo de particularidades, que esculpe a fuego lento un dolor intenso pero que nunca llega a doblegarnos, como una banda sonora imaginaria de terror y misterio, de muerte y aflicción. Un piano que suministra tristeza y nostalgia, drones perturbadores, espectros diabólicos, indescifrables conversaciones, noise turbulento, “modern classical“, cantos de sirena dantescos y gruñidos furiosos. Grabaciones de campo, spoken word y diálogos de película. Micro-detalles que te llegan por todas partes, que te acorralan a base de ínfimos trazos que necesitan verse desde la distancia para apreciar su forma. Atmósferas opresivas y texturas etéreas que se fusionan, otorgándole al mix una sensación de unidad y complejidad escalofriantes, una sinfonía de sensaciones y de sentimientos, de cadencias y de ruido, de lluvia roja y de danzas macabras que forman un todo.

Una selección que comienza la magia negra y profunda de Kreng y su segundo trabajo “Grimoire“, (que viene a confirmar todo lo bueno que ya se intuía en su debut también para Miasmah); y la sesión que continua con toda una lista repleta de nombres que operan desde sus laboratorios subterráneos, tipos al margen de los circuitos convencionales que publican en cualquier formato disponible, desde Cdr a cintas de casetes, muchos de ellos con una filosofía basada en compartir sus trabajos bajo licencias libres, reivindicando a plataformas locales como Load And Clear Netlabel o Entity Records, ejemplos que ayudan a entender la escena europea más extrema y experimental como el polaco Rafael Sadej aquí como Moan o Paranoia Inducta y su “Apocalyptic Death Industrial”, el belga Bedawang o entidades a las que hay que marcar de cerca como Eric La Casa, Djinn y un cada vez más respetado y admirado Mario Girard aka Vromb.

En resumen, una selección cuidada y trabajada al máximo detalle lista para ser diseccionada con la pausa que requieren las pequeñas obras de arte sonoras como esta.

Bobé van Jézu – mauvais rêves

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Tracklist

Kreng – Wrak – Grimoire
Bash Nova – Following You Home – Explorers Of The Darkest Depths Volume Four
Andrew Liles – Soiled Dreams And Disappointment – Muldjewangk, Morgawr & Other Monsters
Moan – Absorbe – Desiderii Marginis & Moan & Artefactum _ Lost Signals From Unknown Horizons
Nerome – Les Mystères De L’Hermétisme – Les Bruits Et Les Silences Du Soleil Et De La Lune
Lost Forgotten – Payes Ton Endive
Paranoia Inducta – Land Of The Damned – Evil Angel
Bedawang – A Kiss And Fifty Cents For Your Soul – Outbursts Of Quiet
Eric La Casa – Spirale 1 (Version 2) – The Walls Are Whispering – Volume II
Djinn – Cruelty – Technological Death
Vromb – Conclusion Vers le Silence – Mémoires Paramoléculaires
FinalCut – Et Aussi Parfois
Camanecroszcope – Invocating The Dead But Ever Dreameth – Echoes Ov Who Lieth Dead But Ever Dreameth
Joe Colley – Future Screaming – Psychic Stress Soundtracks
Casual Coincidence vs Dotkràz – Rusted Faith – Rust
Jak Progresso – Slogan Burn – The Preposterous Omnipotent Noggin Basher

+ info artwork: http://www.dawamesk.tk/

Con casi una hora de retraso el directo comenzó al fin con 0:54, toda una declaración de intenciones que apuntaba a las emociones como una fuente inagotable de comunicación. Metrópolis futuristas, naves, cosmos y pura imaginería espacial comenzaron a desfilar por las proyecciones mientras se esbozaban los primeros compases de 9:39. Basta recordar proyectos como Jedi Knights o el malogrado cameo de C-3PO en Beta Phase para reconocer en Pritchard y Middleton a dos colgados de Star Wars, pero en aquel momento el teatro se acercaba más a un escenario de Blade Runner o 2001: Una odisea en el espacio. Poco a poco el sonido se fue diluyendo y el mecanismo de un reloj entró en escena para impregnar la sala de tictacs. Y así llegó la inmensa 14:31, con una procesión de melodías que iban reforzando ese sentimiento de nostalgia que impregna el corte.

Los productores viajaron entonces hasta el final del álbum para rescatar 12:18 y bañar el espacio de atmósferas y voces celestiales. Cuando palabras como paz o amor dan forma a reclamos publicitarios, siempre es bueno volver a intuir su significado envuelto en haces de sonido. Ecos, paisajes, tránsito, calma. Todo preparado para acoger Epsilon Phase, en la que el clímax llegó con las consignas I have to learn to feel, and reach into the light, I’m changing all the time. Sin duda uno de los momentos más estremecedores de la noche. Y qué mejor forma de remontar el vuelo que 8:07, un homenaje a la música kosmische inspirado en Love on a real train de Tangerine Dream con reminiscencias al Music for 18 musicians de Steve Reich.

Con el corazón todavía encogido, Pritchard y Middleton apuntaron de nuevo al cosmos, esta vez para interpretar Incidental Harmony. Y entonces se hizo el silencio. Todo indicaba que el viaje había llegado a su fin, pero la sombra de Middleton levantó un dedo en el aire y lanzó My way, una bomba de deep house que cogió a buena parte del público desprevenido. Es curioso como un corte aparentemente sencillo, con ese I love the way you make me feel repitiéndose hasta el infinito, puede llegar a desdoblarse una y otra vez, y lo que es mejor: hacerlo justo en ese preciso instante en el que empiezas a preguntarte si aquello llevará a algún lado. Y aunque es cierto que el corte rompió la atmósfera creada durante los cuarenta y pico minutos previos –hubo gritos y bailes, pero también algún rebote– ni siquiera esto impidió que aquella noche regresáramos a casa con la sensación de haber estado, quizá sólo por un momento, fuera de este mundo.

Guillermo M. Ferrando

Nuestro protagonista, “Bobby” Beausoleil, nacía en Santa Barbara en 1947 en el seno de la típica familia de clase media que luchaba duro por alcanzar el sueño americano. Atraído por la música desde bien jovencito, Bobby decide abandonar el hogar familiar y escapar con su mochila en busca de sus propios sueños, alejados del camino conservador que sus padres tenían preparado para él. Con 16 años se planta en L.A. con su guitarra, su pelo largo y sus ansias por descubrir una nueva manera de vivir.

Allí conocerá a gente como Frank Zappa que estaba a punto de publicar su primer trabajo y a un joven Artur Lee, con quien acabará colaborando junto a la banda que éste lideraba por aquel entonces, The Grass Roots, poco antes de mutar en Love y convertirse en leyenda.

El tipo de música que en aquel tiempo practicaban los acólitos de Lee y el rumbo que toma el movimiento hippie por aquel entonces no satisface a Bobby que se marcha a San Francisco y decide crear su propia banda The Orkustra, un combo que experimentaba sin límites y que el mismo imagina como una “orquesta sinfónica electrificada”, una idea completamente avanzada en una época donde las bandas se centraban mayoritariamente en el rock y el blues. En The Orkustra tenían su espacio desde el bajo a la batería pasando por oboe, el sitar o el bouzouki.

The Orkustra viven su pequeño momento de gloria compartiendo cartel con bandas del calibre de Jefferson Airplane y Buffalo Springfield, hasta que se ven forzados a separarse después de que parte de la banda se vea en la cárcel por tráfico de marihuana.

Durante esa época es cuando se produce el encuentro entre Bobby y Kenneth Anger, un frikazo de cuidado, cineasta y escritor que se había ganado una sólida reputación de polémico y excéntrico director gracias a sus extrañas películas cargadas de temas completamente tabús en la sociedad biempensante americana (y que tendría influencia posterior en el trabajo de gente como Waters o Scorsese, devotos del extraño director). Nuestro amigo cargaba sus películas con mucho sexo depravado, violencia, sadomasoquismo, fetichismo y homosexualidad, por citar algunos de su temas fetiches.

Kenneth Anger tenía en mente un film ocultista llamado “Lucifer Rising” donde se mezclaban elementos del antiguo Egipto y la filosofía demoníaca de Aleister Crowley, encargando el trabajo musical de crear la banda sonora, a un por aquel entonces joven y semi desconocido Jimmy Page. Pero tras más de tres años el resultado final de Page no convence a Kenneth Anger y decide pasarle el testigo a Bobby Bausoleil tras asistir a uno de sus conciertos, a quien visualiza como el hombre perfecto para aquel complejo trabajo.

Estamos en 1966, cuando Kennet Anger y Bobby comienzan una bizarra relación artístico-pasional bañada en LSD que acabará como el rosario de la aurora tras el fracaso a la hora de conseguir fondos para la producción de “Lucifer Rising”. Es la hora de los reproches mutuos y Bobby decide abandonar a Kenneth Anger y mudarse de nuevo a LA. Kennet Anger decide también dar carpetazo al proyecto acusando entonces a Bobby de haberle robado parte del metraje grabado hasta entonces.

Ya en L.A. la vida de nuestro músico cambiará para siempre. Comienza a frecuentar Topagna Canyon, donde conoce a otro músico con quien comparte su disgusto por la sociedad en general y por la industria musical y la escena en particular. El tipo en cuestión acabada de salir de la cárcel, y se hacía llamar Charles Manson, con quien forma un grupo, “Milky Way”. A partir de aquí los acontecimientos se precipitan y nuestro hombre acaba con sus huesos en la prisión federal, tras el nefasto episodio nunca realmente aclarado en el que Bobby mató a un profesor de música, Gary Himman, que también frecuentaba el círculo más próximo de la familia Manson suministrando todo tipo drogas a los devotos miembros de la familia. Todo apunta a que Gary Himman le debía dinero a Manson y éste mando a Bobby a intimidar al profesor. Los detalles escabrosos de la historia los pasaremos por alto. Bobby se libra de una primera sentencia a muerte revocada en última instancia por el estado de California, sentencia que queda conmutada a cadena perpetúa.

En este punto es cuando retornamos a “Lucifer Rising”, la banda sonora inacabada que Bobby decide finalizar en prisión por su cuenta en 1980 con la ayuda de una banda que forma con otros peligrosos reclusos, “The Freedom Orchesta”. Contento con el resultado y en un encomiable gesto, decide hacer las paces con Kenneth Anger y le envía la maqueta que ha ideado finalmente para su película.

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La banda sonora se publica finalmente ese mismo 1980 y consta de dos sesiones de grabación, una primera que data de 1967 a cargo de The Magick Powerhouse of House formada principalmente por Bobby y parte de su The Orkustra, junto algunos músicos de sesión especializados en el jazz más arriesgado, donde tocan lo que en aquel momento solo ideas primigenias para la banda sonora, y un segundo corte que corresponde a las tomas que grabó entre 1977 y 1978 ya en la cárcel con The Freedom Orchesta.

El resultado final de “Lucifer Rising” es más que sorprendente, construyendo dos largas piezas instrumentales, muy en la onda de unos primerizos Pink Floyd, pero con muchos elementos psicodelicos y espaciales conseguidos a base de teclados y demás maquinaria experimental. La figura de Bobby Beausoleil y su controvertido pasado siempre ha restado protagonismo a una música que se codea con gente como Ash Ra Temple, Sun Ra o Manuel Göttsching y que idea pasajes completamente ambientales que hubieran maravillado al propio Eno. Una música compleja pero que no se pierde en excentricidades ni en las típicas orgias de improvisación tan recurridas de los grupos de aquella época, equilibrando perfectamente los contenidos con esa sensación de viaje místico y sensorial, de calma y elevación espiritual.

A esta primera edición se le han ido añadiendo más cortes y tomas alternativas que completan un trabajo desconocido para muchos que no obstante ya fue incluido por Tony Marcus de Fact en su listado imprescindible de los 20 trabajos esenciales del ambient.

Booby Beausoleil continua a día de hoy cumpliendo su cadena perpetua en la cárcel, estuvo a punto de morir a causa de una puñalada en 1982 y lucha por conseguir un día su deseado perdón. Pero por encima de todo siempre nos quedará “Lucifer Rising” y su música que suena libre.

Bobby Beausoleil – Lucifer Rising

Lucifer Rising Sessions

The Magick Powerhouse Of Oz – Lucifer Rising Recording Session

The Freedom Orchestra – Lucifer Rising Sessions

The Orkustra – Punjab’s Barber (Excerpt)

The Orkustra – Flash Gordon (Excerpt)

Lucifer Rising

The Freedom Orchestra – Part I

The Freedom Orchestra – Part II

The Freedom Orchestra – Part III

The Freedom Orchestra – Part IV

The Freedom Orchestra– Part V

The Freedom Orchestra – Part VI

** + info:

http://www.factmag.com/2011/07/19/20-best-ambient/

http://alsolikelife.com/shooting/2009/02/956-98-lucifer-rising-1972-kenneth-anger

http://www.beausoleil.net/wizard/Seconds%20Interview.htm

Decía Alvin Toffler que la capacidad biológica que posee el ser humano para el cambio no es ilimitada, por lo que cuando esta capacidad es sobrepasada, el individuo se encuentra bajo los efectos del llamado “Future Shock”. Un estado en el que el sujeto es víctima de la desorientación y el devastador estrés inducido por la exposición a multitud de cambios en un corto período de tiempo. El impresionante festival polaco Unsound recoge las palabras del escritor Alvin Toffler para dedicarle la edición de este año bajo el titulo de Future Shock, obra clave publicada en 1970. La ciudad de Cracovia se viste de electrónica durante una semana y ofrece uno de los carteles más interesantes del año. Nosotros, ajenos a los efectos secundarios, viajamos a ese pasado para descubrir nuestro futuro. Comienza nuestro viaje en el tiempo.

Domingo 9. Analógico como epíteto de personalidad.

El frio cobra protagonismo en las calles de Cracovia y el local donde se celebra el evento oficial de apertura empieza a llenarse. Aprovechamos las pruebas de sonido para probar alguna nueva cerveza polaca. El local, lleno de pasillos y pequeños refugios con sillones desde donde podemos comprobar que la pista se empieza a abarrotar. The Complainer, artista nacional, da la bienvenida al festival con un concierto basado en versiones de grupos de los ochenta. Himnos como “Don’t Go”, “Blue Monday”, “Panic”, y artistas como The Cure, John Foxx, o The Human League versionados con una ración doble de bombo e interpretados sin voz alguna pero con mucho ímpetu. Tras un breve parón, Felix Kubin aparece en escena armado con un sintetizador Korg, un pedal, módulo de efectos, teclado, un espontáneo platillo, y un micrófono del que no se separará en toda la noche, aparte del traje con el que cualquiera puede pensar que acaba de regresar de la antigua Alemania socialista. Con una sonrisa de las de ‘ya veréis…’ promete un directo con maquinaria pesada, totalmente analógico, físico, material, llamémoslo… ‘real’. El sonido del alemán vacila entre infinidad de estilos, desde el punk psicodélico o el electro con tintes pop, hasta el folklore de los países del este, bautizado por muchos como música experimental dadaísta. Genial show acompañado por algunos de sus excéntricos videos presentados por el propio Kubin después de pedir algún que otro chupito al grito de shotek. “Hotel Supernova” dirigido por la polaca Mariolla Brillowska, o el genial “Lightning Strikes” como ejemplos. El responsable de Gagarin Records no para quieto ni un segundo: se divierte con sus peculiares bailes, charla con el público, presenta sus temas, retuerce las máquinas sacando un sonido enlatado que parece ser la banda sonora de algún primerizo videojuego, y hace del escenario su terreno. Las estrafalarias letras de “Idiotenmusik”, “Stelle Am Mund”, y “Dead End Brain” con detalles como su reinterpretación para la obra Macbeth presentada en el festival de Gdansk, y temas de corte más psicodélico a velocidades esquizoides como “Matki Wandalki” alargan el directo hasta la hora y media. El público tan contento y nosotros aún alucinando con el alemán que se despide con un toque romántico y su versión de “There is a Garden” con una rosa fluorescente que ofrece al público. Directazo oiga, de los mejores que se pueden presenciar, por su habilidad al teclado, por sus majaderas letras, y sobre todo por su extroversión y derroche sobre el escenario. Sí, estas son las cosas que hacen que el viaje merezca la pena, grande Kubin. Tras la actuación del de Gagarin Records, Legowelt preparó su controlador, el luminoso monome, y el portátil para presentar su nuevo álbum The Teac Life (2011, Self-released), con un directo que obviamente no pudo superar el listón del teutón. Lamentablemente, el directo de Legowelt peca de monótono aunque mantiene la esencia y el sonido del holandés con temas como “Half Moon 106”. Con su último trabajo se acerca más al techno y le quita suciedad a los temas que se centran más en la melodía, “The Soul of a City”. A pesar de incluir temas fuera de su último álbum como “Celestial Luv 222” con el famoso sampleo de Jamie Principle, nosotros aún seguíamos boquiabiertos con el espectáculo anterior. Señoras y señores se da por comenzado Unsound 2011.

Lunes 10. El síndrome del Este.

Después de hacer las de turista por la ciudad y tras tomar alguna cerveza en el Propaganda con The Clash de fondo, volvemos a encontrarnos con Felix Kubin, esta vez con el corsé de locutor en su conferencia acerca del bagaje musical de los países del Este. Un bunker de la galería de arte Sztuki acoge la conferencia The Sympton of The East. Curiosa presentación en la que podemos descubrir la fascinación del teutón por la cultura musical de los países del este como Estonia, Polonia, Alemania, República Checa, Eslovaquia, y Lituania. Estudio que incluye todo un trabajo de investigación con entrevistas, fotografías de un joven Kubin con su grupo Die Egozentrischen 2, y el origen de tal atracción generado por las visitas a su abuela en un remoto pueblo de Hamburgo donde un preadolescente Felix Knoth se alimentaba a base de programas como el Black Channel en el canal de la GDR, el cual misteriosamente, sólo era sintonizado en esa área. El canal se caracterizaba por su contenido cultural y por un sarcasmo que era tachado de comunista, e invadió al propio Kubin de esa estética socialista y soviética hasta el punto que con tan sólo nueve años su  abuela alarmada ya le preguntaba si apoyaba a los rusos . Nada más lejos de la realidad, el joven artista recogió toda esa estética y llegó a formar un grupo que simuló ser un nuevo partido político llamado Liedertafel Margot Honecker, el cual creó tanta expectación y tuvo tanta cobertura en los medios que, preocupados, Kubin y compañía decidieron poner fin a aquel fake. Otros grupos como los alemanes DAF que ironizaron sobre las relaciones entre las dos zonas alemanas, la división de ideologías, y demás sátiras, ejercieron gran influencia sobre el background del alemán. La conferencia muestra un video en el que el artista hace las veces de embajador musical caracterizado como tal acompañado por su hija.  El trabajo de investigación incluye interesantes visiones de artistas polacos y estonios, aparte del trabajo realizado con el polaco  Wojtek Kucharczyk (alias The Complainer) recogido en la obra Territerrortorium, donde confrontan los estereotipos culturales de Alemania y Polonia. La presentación acaba con una ronda de preguntas y una breve composición en homenaje a una de las grandes figuras de la historia, Mikołaj Kopernik, considerado como el padre de la astronomía moderna, Copérnico para los amigos, “Kathedrale Kopernikus”.

Martes 11. Sinestesia, neurociencia, y demás habituales de la electrónica.

Volvemos a la galería Sztuki para continuar con nuestra serie de conferencias dispuestos a rellenar libreta. En el día de hoy, el Australiano Robin Fox, conocido por su láser show, y su enorme barba, nos imparte una clase de neurociencia más propia de Eduard Punset que de un productor de electrónica. La charla comienza con una explicación acerca de cómo el cerebro decodifica las señales acústicas en señales eléctricas que se pasea por las neuronas y activan nuestro nervio auditivo. Dentro de ese proceso, presenta su proyecto Music for the Bionic Ear, en el que el Robin Fox junto a otros compositores y científicos estudian la música dirigida a personas con implantes cocleares y su forma de traducir estas señales acústicas. En relación a los implantes cocleares, el compositor nos hace un breve recorrido por los diferentes inventos incluidos en sus investigaciones que han sido de gran ayuda para personas con carencias auditivas. Robin Fox explica como en medio de todos estos estudios descubrió las posibilidades del láser  gracias a su interés por el tubo de rayos catódicos y conceptos como el sonido blanco. Experimentos musicales que terminan la conferencia con un interesante acercamiento a la sinestesia, por la que el individuo percibe o asocia de manera inmediata ciertos sonidos a determinados colores,  explicación que se aclara con un espontáneo asistente que comparte su propia experiencia como sinestésico.

Miércoles 12. IDM con traje de techno.

Cruzamos el ancho Vístula para aparecer en la zona sur de la ciudad frente al Centro de Arte Japonés Manggha. La sala acoge a parte del público sentado y gran parte de pie frente a un modesto escenario que domina una gran pantalla. HTRK, abreviatura de Hate Rock, es el grupo que abre el concierto. Trio de australianos residentes en Inglaterra que quedó reducido a dos componentes tras la trágica pérdida de Sean Steward el pasado año. Un dúo que desde la primera canción envuelven al público en un manto de bajos eternos, reverberaciones del más allá, visuales no recomendables para fiestas de cumpleaños, y una voz que navega lánguidamente por las canciones. “Synthetik”, “Poison”, “Body Double” y varios temas de Work (Ghostly International, 2011) que en cuarenta minutos invaden el Manggha de una neblina letárgica e infranqueable, oscuridad total. Breve descanso y turno de Robin Fox, el cual sentado en una silla reparte durante media hora ritmos sin simetría alguna que invitan al público a visualizar el sonido, gracias al potente láser que baña de verde la sala. No apto para vistas sensibles.  En último lugar, la banda de Kanding Ray presenta su último trabajo, OR (Raster-Noton, 2011). El trío se sitúa tras un astillero de material analógico, presidido en posición central por el propio David Letellier. La actuación enciende a un público que parece ser fan incondicional del francés, y que eufórico no para de bailar durante todo el directo, gritando con cada nuevo tema, “Odd Sympathy”, “Mojave”  un acelerado “La Belle” o el tema que pone título al disco, “OR”. IDM, ambient, o como lo quieran llamar pero el sonido de Kanding Ray tiene personalidad propia y engancha a la primera. Plagado de ritmos irregulares, de melodías que no terminan de abandonar el tema, y de unas bases que en ocasiones acarician incluso un techno que nunca desapareció. Una actuación tan perfecta que empieza y termina antes de lo previsto y nos permite elegir algo más que kebab o zapiekanka para cenar, ya se sabe que los restaurantes polacos andan lejos de nuestros trasnochados horarios. Sobresaliente actuación con la que Kanding Ray se sube directamente a nuestro pódium.

Jueves 13. De Jacques Derrida al fin del mundo.

 Al no asistir a la cita del viernes 14 con Kode9 y MFO, acompañados en cartel con Morton Subotnick & Lillevan, decidimos al menos pasarnos por la conferencia sobre la deconstrucción de la obra de Chris Marker La Jetée por Kode9 y MFO, presentado por Lisa Blanning de la revista The Wire. La Jetéé es una película que narra mediante fotografías una historia de viajes en el tiempo donde la memoria juega un papel principal, una serie de loops espacio temporales que minan a los protagonistas. A más de uno le será más familiar la versión moderna de Terry Guilliam, 12 Monos. La recomposición contiene un 95% de imágenes de la obra original montada por MFO, a la que Steve Goodman, el hombre tras Kode9, amante de La Jetée, ha añadido una nueva banda sonora. Al mismo tiempo, la estructura de la película ha sido modificada y la perspectiva del papel principal no recae en el hombre sino en el personaje femenino. Una revisión –que no secuela- no entendible para aquellos que no hayan visto la original, advertencia que nos convence para perdernos la actuación.

Salimos del Bunker Sztuki cruzando la famosa plaza principal para dirigirnos al Klub RE, donde se celebra la tercera sesión de Eastern Bridges dedicada a artistas del este de Europa. Los lituanos Gas of Latvia y Edgar Rubenis, y el serbio Wo0 anuncian una actuación de experimentación armados con pedales y guitarras. Edgar Rubenis es el primer artista que con su guitarra y un pedal reparte lo que alguien del público califica como ‘noise’ pero en mi pueblo aún llamamos ‘ruido’. El directo se basa en veinte minutos de un continuo sonido grosero producido por el acoplamiento de la guitarra con el altavoz, para el cual ni nuestro cerebro ni oídos están aún preparados, lo sorprendente desde nuestra ignorancia es que el público aplaude al finalizar.

Asustados tras el show en el Klub RE caminamos en silencio hacia Kazimierz, el barrio hebreo de Cracovia donde se encuentra la iglesia St. Katherine, edificio del siglo XVI donde tiene lugar una de las actuaciones más esperadas de todo el festival: el dúo Deaf Center, y la pareja Ricardo Villalobos y Max Loderbauer junto al pianista Christian Wallumrod. Sí, electrónica en una iglesia del siglo XVI, imperdible vamos. A pesar de las enormes dimensiones de la iglesia, no queda ni una sola silla libre, los organizadores anuncian que no habrá descanso entre ambas actuaciones y a continuación las luces se atenúan para que una potente aurora azul ilumine en las alturas a un gigantesco órgano que sinceramente asusta. El concierto comienza con Deaf Center, Otto Totland se sienta al piano y Erik Skodvin se hace responsable de la parte electrónica y de lo que parece ser una guitarra frotada con arco. La actuación de los noruegos emociona desde el primer acorde y te deja con los pelos de punta durante todo el concierto. Las tétricas vibraciones de “The Day I Would Never Have” rebotan en las gigantescas paredes de la iglesia y la situación es lo más parecido a una experiencia mística. Sentados en un rincón de una antigua iglesia gótica sentimos estar solos con la música, de tú a tú con algo que siempre hemos creido conocer por completo y que de repente notamos como desafiante nos mira a los ojos. Al principo, la música de Deaf Center sobrecoge e intimida, pero si uno se deja llevar la pareja nos muestra unos paisajes infinitos de una belleza que jamás habíamos imaginado. La escala de graves precede una sensible melodía que nace del piano de Otto Totland e ilumina el paisaje virgen. Parajes helados donde el único habitante es un silencio que tiene forma propia y se mueve como una mancha de aceite entre las cuerdas del piano. El sonido de los noruegos es como ese vaho que echamos a cámara lenta cuando respiramos en el más frio invierno. Seguro que si alguna vez llega el tan vaticinado fin del mundo y todos desaparecemos, temas como “Divided” o “Time Spent” serán la única música que suene en una Tierra deshabitada. Presenciar su concierto en un lugar como éste es una auténtica epifanía musical, y bueno, por qué no decirlo, una experiencia acojonante. La música de Deaf Center tiene alma, sí, y enamora. Acto seguido, tras el emotivo aplauso al dúo noruego, la aurora azul desaparece para teñir de rojo la cabecera de la iglesia. Ricardo Villalobos, Max Loderbauer y Christian Wallumrod presentan Re:ECM, un trabajo que recoge la historia del sello Edition of Contemporary Music (ECM) centrado en el jazz y la música clásica. La reinterpretación del sello alemán es minimal crudo, sin colorantes ni conservantes, difícil de digerir. Apenas existen compases rítmicos y la música es limitada a beats y crujidos que de vez en cuando se escudan en el piano de Wallumrod. Después de una hora de pura monotonía, el público se impacienta y muy poco a poco empiezan a abandonar la iglesia. El aburrimiento nos puede y decidimos seguir el mismo camino, más sillas vacías y la actuación continúa. La posibilidad de contemplar un gran espectáculo fue mucho más excitante que el propio espectáculo en sí. El experimento de Ricardo Villalobos no nos convence y su amago de seriedad tampoco merece la pena. Amén.

Viernes 14 (Día). Historia del vocoder, o Churchill, Jordan y Kraftwerk en una misma frase.

El viernes fue nuestro último día de festival. A las 13.00 horas Morphosis, productor de techno experimental, da una conferencia en la que nos cuenta como él, un artista Lituano, se vio influenciado por el Jazz procedente del nuevo mundo, o por artistas de la ciudad del motor. Morphosis define el Jazz como el intento de trasladar la música clásica a un entendimiento popular. Todd L. Burns, editor de Resident Advisor, dirige la conferencia y una ronda de preguntas que no crea demasiada expectación.

De nuevo turisteo por la zona y volvemos  por última vez al Bunker Sztuki. Dave Tompkins, columnista de The Wire y freak del hip hop, imparte una de las clases de historia más interesantes del momento, historia del vocoder. Un estudio que se remonta a los años treinta, época en la que Ralph Miller, ingeniero de los Laboratorios Bell, formó parte del desarrollo de un sistema de encriptación de lenguaje utilizado en la Segunda Guerra Mundial, conocido con el nombre de ‘Proyecto X’. Este mismo protagonista de 104 años le confesó a Dave Tompkins en persona que ya en los cuarenta, los hombres bajo este proyecto, conocidos como los X-Men, usaban dos platos y un vocoder en secretos habitáculos del pentágono. La historia nos lleva del nazismo, a personajes como Kennedy, Churchill, Stanley Kubrick, y por último los grandes del old school, o genios del vocoder como Florian Schneider o Rick Davies. Tompkins emocionado nos cuenta experiencias que mezclan a Run DMC con Michael Jordan, y nos asegura que en todos los hogares debería haber un vocoder. Interesantísima conferencia que forma parte de su libro How to Wreck a Nice Beach, lectura obligatoria. Nos despedimos del Bunker Sztuki con una frase que cuelga a modo de rótulo luminoso en uno de los pasillos de la galería y que aún rebota en nuestra cabeza, toda una verdad, ‘All We Have Is Words’.

Viernes 14 (Noche). Viaje a 1970 en una nave llamada Metroplex.

Como punto y final, nos olvidamos del papel y lápiz para celebrar nuestro cierre de festival. Dejamos grandes nombres en el cartel, artistas que probablemente no podamos volver a ver, John Foxx, Chris & Cosey, La Sinfónica de Cracovia, y demás nombres que nuestro tiempo no nos permite tachar de la lista. Pero qué mejor que terminar un festival que lleva por tema uno de las obras más famosas de Alvin Toffler con uno de los principales productores a los que éste ha influido. Acompañado por Mad Mike, Dj Skurge, Mark Taylor, y Cornelius, Juan Atkins encabeza como Model500 el cartel del Teatro Laznia Nowa. Un teatro que se encuentra a las afueras de la ciudad, razón por la que la organización ofrece transporte gratuito ida y vuelta durante toda la noche. En la plaza Jana Matejki, un autobús con el letrero de Unsound 1970 promete llevarnos al pasado. Nos abrochamos los cinturones y viajamos a los setenta. La noche queda dividida en dos salas, una principal donde los de Metroplex ofrecerán su directo y una subterránea que acoge los showcases de Pet Records y 100% Silk. Paseamos de un lado a otro a la espera del directo de los americanos, de fondo Space Dimension Controller con camiseta de R&S a ritmo de “Transatlantic Landing Bay” calienta el Teatro. En la parte de abajo SLG o Ital, ambos eufóricos, ofrecen directos que disimulan patrones improvisados que suenan muy forzados para nosotros. En la zona principal el techno de Kassem Mosse da el relevo a Morphosis quien ahuyenta a más de uno con un directo de techno experimental a base de atmósferas espaciales que duermen al público justo antes de la aparición de Model500. Sobre las tres y media, el grupo se pone en formación y comienza con un potente “Cosmic Cars” que desde el comienzo enloquece a la sala. Su actuación deja descolocado a más de uno, no sabemos que dieta estará llevando Juan Atkins pero parece ser que nos han cambiado a ese adormecido Atkins que andaba sumido en una especie de trance continuo. El fundador de Metroplex no para quieto ni un segundo durante el directo, y sonriente aplaude y baila la mayoría de los temas, “Raindance”, “Night Drive”, “R9”, etc. El público no termina de creerse los bailes de Atkins que, como si nada conquista con su encanto a todo el teatro. El show continúa y para rematar el asunto, Juan Atkins improvisa algunas letras sobre sus temas y acaba cantando el famoso “You Spin Me ‘Round” con la base de “Alleys of your Minds”. De locos, ver para creer. Despedida con una gran y merecida ovación, se baja el telón en el Teatro Laznia Nowa. La nave Metroplex despega en 1970 y nos lleva de nuevo al que se supone que es nuestro espacio temporal correcto, o al menos al que nos intentamos acostumbrar. Se acabó nuestro viaje en el tiempo.

Y nos resulta fácil poner punto y final a una crónica de tan enorme festival, escribiendo estas líneas mientras nos alejamos de Cracovia camino a la capital polaca en un tren que bien parece salido de alguna vieja estación soviética. Por la ventana, contemplamos un paisaje puramente del este que promete algún día ser arrasado por la ‘cultura’ urbana. Esa ventana cubierta de vaho, es el lugar donde aparecen nuestros títulos de crédito. Nuestra cámara, llena de fotografías. En la libreta, apuntes y garabatos. En la memoria, grandes momentos que se antojan imborrables. En la muñeca, la marca de un sello que nos recuerda lo que hemos vivido, ¿o quizá era lo que viviremos…?

Adrián Líndez.

Si existe un productor capaz de introducirte con su música en un mundo de tinieblas y oscuridad, de ambientes fúnebres y ritos ancestrales, de terror y consternación, ese es Burial Hex. El goteo constante de sus obras no cesa, Clay Ruby padece de una hiperactividad frenética y malvada que  imposibilita estar al día de sus propuestas.

Gracias al blog “Made Like A Tree” podemos ahondar y disfrutar de una sesión repleta de las producciones de este creador único y perverso. Producciones que se mueven entre las profundidades cavernosas del noise más espiritual, los ritmos enloquecidos bajo un desalmado power electronics, el synth pop ralentizado al extremo y las atmósferas sobrecogedoras de dark ambient; Por si fuera poco,  aterradores delirios industriales, proclamas satánicas, electrónica excesiva para druidas y rituales celtas para la noche de los muertos, que despiertan de su profundo sueño al ritmo de un hipnótico Burial Hex.

La sesión incluye, a petición del propio Ruby, algunos temas que ayudan a entender su background musical, desde Misfits a Ministry y sobre todo la herencia de Antonius Rex (Jacula), (legendario grupo italiano de rock progresivo setentero que practicaban con profusión el ocultismo y el satanismo), que encaja con la música de Burial Hex de una forma sobrenatural y profética.

mlat35 – Burial Hex

Descarga directa

Tracklist

1. Jacula – Magister Dixit [Black Widow Records]
2. Antonius Rex – Fairy Vision [Black Widow Records]
3. The Misfits – Halloween [Plan 9]
4. Ministry – Stigmata [Sire Records Company]
5. Antonius Rex – Montsegur Legend [Black Widow Records]
6. Burial Hex – [or: War] [Not on Label]
7. Burial Hex – The Tower [Not on Label]
8. Burial Hex – Hunger [Holiday]
9. Burial Hex – Book of Delusions side A [Not on Label]
10. Burial Hex – Book of Delusions side B [Not on Label]
11. Burial Hex – Go Crystal Tears [Aurora Borealis]
12. Burial Hex – Temple of the Flood [Aurora Borealis]
13. Burial Hex – Storm Clouds [Not on Label]
14. Burial Hex – God of War and Battle [Not on Label]
15. Burial Hex – A Kiss to Birth the Rotted Sun [Not on Label]
16. Burial Hex – From the Rites of Lazarus A [Urashima]
17. Burial Hex – From the Rites of Lazarus B [Urashima]
18. Burial Hex – Throne [Aurora Borealis]
19. Antonius Rex – Mysticdrug [Black Widow Records]
20. Antonius Rex – Switch on Dark [Black Widow Records]
21. Jacula – In Cauda Semper [Black Widow Records]

+ info: http://madelikeatree.com/#1644919/mlat35-Burial-Hex